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La densidad del Pop Art

A mediados de los 50, Estados Unidos vivió una de las mejores situaciones de bonanza económica: el auge de la nueva tecnología, los inicios de los mass-media, etc., creando, por consiguiente, una sociedad de consumo donde el glamour, la frivolidad y la monotonía de la vida exigía un tipo de arte que dejara atrás la complejidad […]

A mediados de los 50, Estados Unidos vivió una de las mejores situaciones de bonanza económica: el auge de la nueva tecnología, los inicios de los mass-media, etc., creando, por consiguiente, una sociedad de consumo donde el glamour, la frivolidad y la monotonía de la vida exigía un tipo de arte que dejara atrás la complejidad conceptual del surrealismo o del expresionismo abstracto.

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Surge, entonces, un estilo netamente estadounidense conocido como Pop art, término ideado por Lawrence Alloway, crítico en The Nation, y aunque la denominación surgió al tomar en cuenta solamente rasgos superficiales de las primeras obras presentadas, de alguna manera no fue un mal calificativo, pues parte, esencialmente, de su carácter irrelevante tanto en concepto como en objeto.

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Dentro del Pop art se pueden distinguir dos escuelas representativas del nuevo estilo americano, que se revelan ante las propuestas del expresionismo abstracto: la Escuela de Nueva York (Warhol y Lichtenstein) y la Escuela de California (Kienholz y Ramos); quizá la única diferencia formal de la última sea el incorporar imágenes dispares con cierto toque de inocencia, mezclado con un erotismo dulce y ligero.

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“No sentimos desagrado ante la cultura comercial estándar entre los más intelectuales, pero lo aceptamos como un hecho, lo discutimos en detalle y lo consumimos con entusiasmo. Un resultado de nuestra discusión fue el tomar la cultura pop fuera del reino del escapismo, del puro entretenimiento, de la relajación y tratarlo con la seriedad del arte”. 1

Pronto, este estilo innovador fascinó a los jóvenes de todo el mundo por la ligereza y la libertad que presentaba. En Estados Unidos, el auge fue mayor ya que, de alguna manera, se identificó como una expresión auténtica de la experiencia americana, mejor conocida como el American Dream. Con sus temas sencillos y fáciles de comprender, tanto en contenido como en forma, el pop fue apreciado y aplaudido por un sector amplio (popular) de la sociedad que, quizá, nunca había tenido algún tipo de contacto con otro movimiento estético precedente. De hecho, el pop fue reconocido por el gran público antes que cualquier coleccionista o crítico de arte.
 
Andy Warhol - Turquoise Marilyn


El pop desarrolla sus propuestas a partir de la desacreditación de imágenes tomadas de la cultura de masas. Se fundamenta en la idea de que las pantallas cinematográficas, las excesivas reproducciones y popularización de las obras maestras han modificado los hábitos visuales contemporáneos.

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Aparece en los objetos pop un desprecio por la tradición y la historia del arte, ya que por primera vez están, representados o interpretados, objetos ordinarios, productos fabricados en serie o temas propios de la publicidad o del arte comercial como elementos estéticos.

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El pop se convierte en el reconciliador del gran público con un universo de bienes de consumo y el arte, a partir de objetos con cierta “vulgaridad” y ligereza, pero con un diseño bastante limpio. Así, cualquier cosa, por más banal o frívola, puede contener un cierto potencial estético y convertirse en una obra de arte.

“Estoy estupefacto, fascinado, excitado por el modo como las cosas nos son lanzadas en plena cara. Estamos bombardeados por la radio, la televisión y por otras formas de comunicación visual […] con más fuerza y rapidez que la pintura […] parece entonces un muy viejo juego, la pintura es, probablemente, más apasionante que la publicidad; ¿por qué no darle, entonces, el mismo poder, el mismo impacto?”. 2

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Como se dijo antes, por la supuesta superficialidad temática, el pop, al inicio, fue relegado sin considerar el verdadero efecto liberador que suscitaron sus concepciones estéticas. Según Arthur C. Danto 3, el pop juega en la historia del arte un rol filosóficamente central, pues marcó el final de la gran narrativa del arte occidental, al brindar la autoconciencia de la verdad filosófica del arte. Además, retoma una enseñanza platónica con respecto al arte, ya que lo relegó al último escalón de la gama de realidades. 4

Los artistas clásicos carecen de conocimiento, ya que sólo trabajan en las apariencias de las apariencias. Hasta a mediados de los 60, década en la que el pop empieza a trabajar con objetos del mundo real, es que se cierra la brecha entre el arte y la realidad. Queda claro, entonces, que no puede entenderse más la diferencia entre arte y realidad sólo con medios visuales, o enseñar el significado de la obra de arte por medio de una serie de ejemplos de obras “maestras”.

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Surge, entonces, un cuestionamiento natural a esta situación: ¿qué diferencia una obra de arte de algo que no es una obra de arte si, de hecho, lucen exactamente semejantes? 5. Es evidente que tales cuestionamientos no hubieran ocurrido cuando el significado del arte se podía enseñar mediante ejemplificaciones o referencias directas, y que la distinción entre arte y realidad era simplemente perceptual.

Con el Pop art el arte llegó al final de su historia tal y como se conocía, reconociendo que la obra de arte ya no tenía que ser de alguna forma en particular. En palabras de Beyus “cualquier cosa es una obra de arte”, lo que hizo que el artista se sintiera liberado para hacer cualquier cosa.

Cabe aclarar que no es que el arte muriera o finalizara, sino que la historia del arte hasta antes del siglo XX, con su estructura narrativa, había llegado al final y, por consiguiente, se ampliaba el campo estético multiplicando las posibilidades de manifestaciones artísticas.

“Bote de sopa Campbell’s, ¿Cuántas veces? Y esas series interminables de colores planos, sin matices, mecánicos, obsesivos, extraños al vacío, sexuales”. “80 billetes de dos dólares, (anverso y reverso)”, Marilyn Monroe, y Liz Taylor, zapatos, bocas, Jane Fonda, Ingrid Bergman, poses, órganos, James Dean, Judy Garland, Dick Tracy, asesinos más buscados, sillas eléctricas, pecados y paneles de revóleres, retratos, copias hechas, héroes, violencia, mal gusto, tomato soup, estrategias de simulación, drácula, accidentes de ambulancia, disturbios raciales rojos, flores, rauschenberg, corn flakes, Del monte, salsa de tomate heinz, mick joseph, condensed, vitrinas, hot dog”. 6
 

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Cuando lo superficial deja de ser una característica trivial para convertirse en un cumplido, habrá que poner en duda los principios estéticos que la modernidad proponía para involucrarse con otros, que tienen que ver con una forma más inmediata de ver las cosas. La transparencia pura (puritana) ha sido reemplazada ahora por la veladura, el significado por el sentido, la esencia por la presencia y la profundidad por la intensidad superficial.

La aportación del pop a la historia del arte es muy importante, ya que por primera vez se funde la vida diaria con el “gran arte”. La superficialidad adquiere intensidad, ésta no es sinónimo de banalidad, sino de abandono del modelo de profundidad para obtener la intensidad.

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El universo estético se percibe como experiencias puntuales, intensificadas y heterogéneas, se produce de manera débil y periférica. Además se reconoce su carácter fragmentario, se acepta conscientemente que nunca llegarán a convertirse en modelos prototípicos como en la modernidad.

De cierta forma, y muy seguramente sin así desearlo, el pop se vuelve en el aliado teórico – práctico del pensamiento débil que conceptualiza Gianni Vatimmo. Entendido por él como la característica epistemológica de nuestros días. Donde el hombre reconoce humildemente sus limitaciones; es fragmentario y no totalizante. Reconoce su carácter efímero, por estar consciente de su muerte. Ya no cree en un futuro moderno encausado por el progreso de la ciencia. El futuro es aquí y ahora, no hay más que le presente, es por eso que su vida es light.

Quizá Warhol y compañía nunca pensaron en las implicaciones y complicaciones teóricas que surgirían a partir de su discurso. Lo que comenzó como una crítica a la seriedad del expresionismo abstracto, se convirtió en el discurso más denso del pensamiento contemporáneo.

 

Notas

 1 Lawrence Alloway, The development of British pop, Thames and Hudson, Londres, 1985, pp. 29-30.

2 Joseph Rosenquit, Entrevista con G.R. Swenson. (What is Pop Art?). Segunda parte presentada en Arts News en febrero de 1964, p. 63.

3 Arthur C. Danto, Después del fin del arte, Paidos Transiciones, Barcelona, 1999, pp. 131-145.

4 El arte para platón es una mimesis imperfecta de la realidad, que a su vez es una copia dudosa de los conceptos perfectos e inmutables contenidos en el mundo de las ideas, que a manera de sombra se proyectan en el mundo sensible.


5 Arthur C. Danto, Op. cit., p. 138.

6 Rodrigo Zúñiga C, “Notas al paso, Andy Warhol, en Andy Warhol, http:// www.palermo.edu.ar/produccionacademica/c/

andywarhol.html (vi: 12 de febrero del 2001).

 

 

 

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