8 artistas cuya vida trágica y dramática inspiró su obra
Arte

8 artistas cuya vida trágica y dramática inspiró su obra

Avatar of Olympia Villagrán

Por: Olympia Villagrán

13 de julio, 2016

Arte 8 artistas cuya vida trágica y dramática inspiró su obra
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Por: Olympia Villagrán

13 de julio, 2016



Oscilar entre lo bueno y lo malo, divagar sobre los grises del negro y el blanco o confundir al demonio con el ángel no es algo característico de las personas que viven de manera trágica, para ellos no existe un punto medio ni algún equilibrio a través del cual logren mediar alguna situación. De hecho, el problema de una vida llena de dramatismo se centra en esa exacerbación de los problemas, en la caída rotunda a un círculo de depresión y en tornar todas las esperanzas de luz en oscuridad.

Como muchos artistas importantes lo hicieron durante su vida y carrera sin saber precisamente que eso que caracterizaba sus trágicas historias sería lo mismo que llevaría a su proceso creativo maximizar su potencial, transformando la depresión en su mayor inspiración, pues contrario a lo que se piensa, las situaciones que dirigen al ser humano hasta sus límites son las mismas que lo obligan a desarrollar su capacidad para observar y entrar en contacto con su alrededor; Francisco Alonso-Fernández, psiquiatra y catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, fue quien desmintió la falacia que afirmaba que los problemas que aquejan la vida de cualquier hombre limitan o impiden su desarrollo creativo.

Así que en medio de la tormenta más estridente y bajo una turbulenta serie de eventos desafortunados, fue como algunos artistas lograron capturar la esencia del dolor, la tristeza o la muerte en obras que pasaron a formar parte de las representaciones artísticas más significativas de ciertas épocas o corrientes; demostrando que en los peores momentos, una mente brillante puede crear sus mejores obras.



1. Edvard Munch

Vida del artista

La trágica muerte pareció ser la acompañante de Munch durante toda su vida y gran parte de su carrera como pintor, pues después de perder a su madre y mientras recordaba con dolor a una de sus hermanas, a quien habían internado en un psiquiátrico, la vida ni siquiera le permitió prepararse para enfrentar nuevamente y tan de cerca la muerte de su otra hermana. 

Obra más representativa

Además de la irrefutable muerte de sus familiares, el expresionista tuvo que lidiar con algunas malas desiciones que pasaron a convertirse en vicios y enfermedades que acrecentaron la dramática vida del artista, pues una depresión intermitente y su adicción al alcohol lo llevaron a crear obras eminentes como "El grito".

"El grito" (1893)

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Relación entre ambas

Todas las decepciones que el artista sufrió se desencadenaron en una enorme necesidad por, de alguna manera, descargar lo que lo asfixiaba por dentro, pues varios historiadores del arte se expresan de la pintura de Munch como la prueba de que la mente del artista pasaba por una melancolía incontrolable, una depresión insufrible y una desesperación ansiosa que lo hacían ocupar esas emociones hasta transformarlas en trazos y colores en sus cuadros.

"Ansiedad" (1984)

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2. Vassily Kandinsky

Vida del artista

Después de haber tenido un extraño e insípido romance con su primera esposa, de la que decidió separarse para volverse a casar con Nina Andreewsky, llegó a la vida de Kandinsky la peor tragedia que el autor de varios trabajos abstractos pudo sufrir. En medio de la revolución rusa, la pareja decidió tener un hijo que nació en 1920 y que desafortunadamente, murió ese mismo año.

Obra más representativa

 Kandinsky se caracterizó por combinar un derrame de colores, sinfonías e historias para dar origen a un lenguaje artístico que hace vibrar emociones para representarlas como un estallido de fuerza, odio y lucha que convergen en el dolor del creador de "Negro y Violeta". 

"Negro y Violeta" (1924)

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Relación entre ambas

La pérdida a la que el artista se enfrentó fue con la que su trabajo se convirtió en la muestra de un dolor incurable, la cual se refleja en el cambio de colores claros a intensos o dentro la gama de tonos fríos, pero también fue la etapa artística durante la que pintó la mayoría de sus obras más reconocidas.

"Amarillo, Rojo, Azul" (1925)

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Pinturas eróticas que muestran el lado celestial de tener un orgasmo

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3. Amedeo Modigliani

Vida del artista

La vida del artista giró siempre sobre una carencia que desde niño formó parte de él, pues desde que nació la historia trató de sortear la pobreza extrema en la que él y su familia vivieron por años, posteriormente, la misma escasez lo llevó a sufrir el rechazo de muchos otros artistas y de la familia de su mayor musa y el amor de su vida: Jeanne Hébuterne. Modigliani estaba enfermo de tuberculosis, era considerado un paria y la mayoría del tiempo vivía ebrio.

Obra más representativa

El sentirse siempre rechazado y menospreciado, a pesar de su habilidad como pintor, llevó a Modigliani a hundirse en el alcohol. Aún después de la muerte del artista en 1920, la tragedia continuaba persiguiendo su alma, pues Hébuterne no soportó la pérdida de su esposo y decidió suicidarse aún estando embarazada, por lo que el único legado del artista fue su obra y el retrato de la mujer que más amo en la vida.

"Jeanne Hébuterne usando sombrero" (1917)

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*Las mujeres más enigmáticas en la historia del arte


Relación entre ambas

La obra del pintor y escultor italiano se centró en el retrato, pero la forma en que él pintaba los ojos de los que aparecían en todos sus cuadros es bastante interesante, pues a excepción del cuadro de Jeanne Hebuterne, todos los demás parecían estar vacíos por dentro, con los ojos en blanco o de un color gris que connotaba la escasez de algo hasta en sus propias pinturas.

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4. Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Vida del artista

A pesar de haber alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia, pues de toda su familia únicamente su cuarto hijo, Titus van Rijn, llegó a alcanzar la madurez. Mientras que Rumbartus, su primer hijo, murió a los dos meses de su nacimiento en 1635, sólo 5 años después el artista tuvo que volverse a vestir de luto cuando su hija Cornelia falleció después de un mes de nacida; el final de su tragedia y el inicio de su locura fue en 1642, cuando perdió a su esposa Saskia al dar a luz a su último hijo.

Obra más representativa

Muchos conocedores de la obra del artista afirman que Rembrandt pintó "El regreso del hijo pródigo" sobre el lecho de muerte de su esposa, pues ningún momento fue más difícil de sobrellevar para el pintor que la muerte de la única persona que él creía se quedaría a su lado hasta sus últimos días.

"El regreso del hijo pródigo" (1669)

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Relación entre ambas

Considerado uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado; nada fue suficiente para el hombre que llevó el claroscuro de sus pinturas a su propia vida, pues la muerte lo acompañó durante toda su carrera y el dolor que ésta le produjo lo exteriorizó en forma de una cambiante estética que llevaba a sus cuadros desde el brillo hasta los tonos más sombríos.

"Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632)

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5. Käthte Kollwitz

Vida del artista

La artista, escritora y pacifista alemana se entregó toda su vida al arte gráfico, pero también a la defensa de los más vulnerables; la decisión de comprometerse con los necesitados de una guerra que dejó cientos de desprotegidos también se llevó la vida de su hijo y un nieto, quienes murieron en combate durante la Primera Guerra Mundial.

Obra más representativa

La obra de la artista alemana Käthte Kollwitz es abordada como el testimonio artístico con el que la escultora enfatiza el dolor de una madre que luchó por un compromiso social y también perdió a su hijo por la misma razón. Depresión que la llevó a crear la escultura "Madre e hijo muerto", la cual dedicó como homenaje a los caídos de Berlín.

"Madre e hijo muerto"

madre con su hijo muerto vida tragica

Relación entre ambas

Para la artista alemana, la tristeza en combinación con el realismo crítico a partir del que realizaba sus obras se convirtió en la denuncia visual del horror ante la violencia y el sufrimiento ocasionado por la guerra, durante la que intentó forjarse como artista a pesar de la pérdida que esta lucha había significado para ella.

"The Jewish Connections"

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6. Camille Claudel

Vida del artista

El espiral de drama y tragedia que giraba como torbellino en la vida de Claudel se caracterizó por continuas y ascendentes crisis nerviosas que terminaron en eventos traumáticos durante los que la escultora francesa destruyó sus propias creaciones. Estos eventos la llevaron a encerrarse los últimos 30 años de su vida hasta que su padre murió en 1913 y el resto de su familia decidió internarla en el sanatorio de Ville-Eqrardara, pero en julio de ese mismo año su hermano Paul decidió hospitalizarla en Montdevergues, manicomio del cual jamás salió a pesar de su recuperación.

Obra más representativa

Mientras muchas de sus obras continuaban alcanzando cierto éxito y apareciendo con frecuencia en artículos sobre su trabajo en las revistas más reconocidas de arte, Camille se encerraba en su taller en medio de una crisis emocional que la alejó por completo del mundo, hasta que en diciembre de 1905 decidió realizar su última gran exposición.

"Las conversadoras" (1905)

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Relación entre ambas

Para 
Claudel la etapa que vivió al lado de Auguste Rodin fue crucial, pues en una de sus obras expone sobre una escultura la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus manos hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer mitad ángel mitad brujaque representa a Rose Beuret, se lo lleva. Esta escena de su vida real llevó a la artista a agudizar las crisis que sufría desde su niñez pero que hacía tiempo no la aquejaban, hasta que Rodin la traicionó con Beruet.

"La edad madura" (1902)

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7. Henri de Toulouse-Lautrec

Vida del artista

Toulouse nació en el castillo de Albi dentro del seno de una familia de la nobleza en la que era habitual relacionarse entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna, por lo que la endogamia condicionó la salud del artista. La enfermedad que padeció el pintor afectó el desarrollo de sus huesos y a partir de 1874 comenzó a sufrir de fracturas en los fémures de ambas piernas, las cuales le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1.52 metros.

Obra más representativa

Así como su vida fue una mezcla de escenas y emociones, la obra del ilustrador se caracterizó por su estilo fotográfico al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus pinturas y personajes, así como la originalidad de sus encuadres influidos por el arte japonés.

"Suzanne Valadon"

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Relación entre ambas

Además del óleo, Toulouse ganó fama a través de los dibujos en carteles que hacía para promocionar espectáculos como el cabaret y el circo, pero una de las obras más grandes del autor fue "La inspección médica", en la que expresó cómo se relacionaba con el pueblo debido a su sentir por sus limitaciones físicas y a pesar de venir de una familia noble.

"La inspección médica" (1894)

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8. Sylvia Plath

Vida del artista

La escritora y poeta estadounidense fue bien conocida como una autora solemne, pero también como una mujer de temperamento ambivalente que muchas veces la llevó a intentar suicidarse, pues toda decepción, amorosa principalmente, significaba el final para Plath. Razón por la que tanto su vida como su talento se vio amenazado muchas veces, aunque la artista también inspiró muchas de sus escrituras en el dolor que la rodeó, principalmente la etapa de su matrimonio con el poeta inglés Ted Hughes.

Obra más representativa

Sylvia Plath fue la autora del poema en el que pareció dividirse en dos “Sylvias”: la que añoraba la vida y la que anhelaba la muerte. “Escayola” es la pelea con la que la autora describe los puntos de ambas y las razones importantes que esas dos mujeres tienen para continuar o marcar el final del camino, el cual parecía resquebrajarse debido a la depresión que sufría en una de las etapas más fructíferas para sus poemas.

"Escayola"

“¡Nunca me liberaré de esto! Ahora soy dos personas:
ésta, completamente blanca, y la antigua, amarilla,
y la blanca es, sin duda, la más importante.
No necesita alimentos, es, ciertamente, uno de los santos
indudables. Al principio la odiaba, carecía de lógica propia.
Se pasaba los días en la cama conmigo, igual que un cadáver,
y yo me asustaba, pues su forma era idéntica a la mía”.


Relación entre ambas

Cuando la escritora se enteró de que su esposo le había sido infiel, se hundió en una depresión de la que nunca pudo salir, por lo que en cada palabra de su obra expresaba parte de su agonía, encontrando la forma de palpar sobre papel lo que sintió después de la traición de su compañero de vida, aunque en 1963 ni sus mismos poemas pudieron salvarla del suicidio que cometió un año después de su divorcio.

sylvia-plath

Para todos estos artistas y muchos otros creativos que no mencionamos aquí, la tristeza irremediable que la tragedia y el dramatismo acarrearon a su vida fue el motor para transformar la realidad en magnificas obras con la que representaban su agonía, pero también a partir de las cuales trascendieron como artistas para la humanidad. Ellos son la prueba ferviente de la existencia de una correlación entre la genialidad y la depresión, que dependiendo de múltiples conjugaciones se torna en un pasivo abismo en forma de inspiración o en una exaltación de su creatividad totalmente fugaz.


Al igual que la tragedia invadió la vida de estos artistas, la tristeza protagonizó las historias de muchas pinturas que demuestran cómo se siente vivir con depresión e intentar superarla todos los días.

Por otro lado, también existen historias hermosas de amistad y lealtad que comparten muchos creativos como Remedios Varo y Leonora Carrington, quienes se influenciaron una a la otra volviendo casi idéntica su manera de pintar, si quieres saber cómo distinguir entre la pintura de Remedios Varo y Leonora Carrington, lee el artículo.

 


Referencias: