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10 exposiciones que cambiaron el mundo del arte para siempre

Arte 10 exposiciones que cambiaron el mundo del arte para siempre


A finales de 2014 y principios de 2015, México albergó la exposición retrospectiva de Yayoi Kusama. Algunos la amaron y otros la odiaron. El debate llegó a los medios de comunicación que menos se interesan en el arte y el museo Tamayo recibió más gente que nunca. Cerca del final de la exposición, el museo permaneció abierto incluso a medianoche para que los rezagados vieran las obras de la famosa artista. Sea cual sea la postura que tengas, hay algo que no se puede negar, esta exposición fue un parteaguas en México, pues desde el nacimiento de las redes sociales y la comunicación virtual no había existido un evento artístico que generara tanta polémica y participación colectiva.
  exposiciones yayoi

Después de Yayoi, los museos han tenido mayor cantidad de visitantes, tal vez sea una moda pasajera, pero esta exposición cambió de cierta forma el panorama en México. A nivel mundial, han sido pocas las que a lo largo del historia del arte, específicamente del contemporáneo, han cambiado la forma de ver, entender y hacer arte. Exposiciones que han retado la museografía o curaduría de una institución, otras que han recopilado el trabajo de distintos artistas para demostrar las fallas del sistema y algunas que tienen tanta carga política que se han convertido en símbolos y antecedentes de movimientos sociales. Artspace, inspirándose en el libro “Show Time: The 50 Most Influential Exhibitions of Contemporary Art” ha recopilado las que considera las 10 exposiciones más importantes de arte contemporáneo en el mundo. A continuación te presentamos su lista y te invitamos a participar y decirnos cuál es la exposición que más te ha impactado.

 

“Primary Structures: Younger American And British Sculptors” (1966)
The Jewish Museum, Nueva York, Estados Unidos

exposiciones de arte primary structures  
El nacimiento del arte minimalista se contrapuso contra el arte abstracto que dominó la escena artística en Estados Unidos en los años cuarenta y cincuenta, pero fue hasta 1966 que obtuvo el reconocimiento de las masas. Tras esta exposición curada por Kynaston McShine, el público norteamericano se volvió loco por las obras de Tony Smith, Robert Morris, Sol LeWitt y más.

  

“Live in Your Head: When Attitudes Becomes Forms” (1969)
Kunsthalle Bern, Suiza

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Trascendental en el mundo del arte. Los artistas promesa de esa exposición cumplieron y superaron las expectativas. Mostrando a los nuevos artistas postminimalistas, la exposición logró que las distintas técnicas artísticas dialogaran al contraponerse en el amplio espacio. Así es como el arte povera, arte procesual y el land art convivieron y convirtieron a Bruce Nauman, Richard Serra, Joseph Beuys y muchos de los nombres más importantes de la segunda mitad del siglo XX en las estrellas que hoy continúan siendo.

 

“Information” (1970), MoMa
Nueva York, Estados Unidos

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La exposición fue la primera que atacó directamente a la institución en la que se presentó. La libertad artística siempre se ve reprimida por las decisiones de la mesa directiva de la institución artística, por lo que el mundo se sorprendió cuando en esta exposición, Hans Haacke hizo una obra en la que encuestaba a los visitantes preguntándoles la actitud que el entonces gobernador Nelson Rockefeller tenía contra el presidente Richard Nixon. Además de que la encuesta incluía al espectador (que es uno de los puntos a mencionar de la importancia de la exposición), el que fuera una crítica a Rockefeller, quien era parte de la junta directiva del museo, era un ataque al mismo museo que lo albergaba. Esto dio paso a que los artistas comenzaran a criticar al mismo lugar que “les daba la oportunidad” de exponer.

 

“Magiciens de la Terre” (1989)
Centre Georges Pompidou, París, Francia

exposiciones de arte magiciens de la terre  
Las exposiciones antes mencionadas fueron revolucionarias en el mundo del arte, pero así como ahora los premios Oscar son criticados por tener una totalidad de nominados blancos, esas exposiciones mostraban justo eso. “Magiciens de la Terre” fue la primera muestra que tomó equitativamente trabajos de África, Asia, América Latina, Australia y los obvios: Estados Unidos y Europa. Fuertemente criticada, la exposición fue la que permitió que otros curadores comenzaran a cambiar la forma de exponer nacionalidades.

 

“inSITE” (1992, 1994, 1997, 2000, 2001, 2005)
Frontera México/Estados Unidos

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A lo largo de Tijuana y San Diego, el muro que ha separado durante años a dos naciones se ha intervenido de muchas formas. “inSITE” es una de las exposiciones que comenzó todo. Hoy la frontera y las rejas que separan a estadounidenses de mexicanos es una de las más intervenidas en el mundo, concentran cientos de activaciones y exposiciones anualmente y nada de eso habría sido posible si no fuera por “inSITE”.

 

“Cities On The Move: Contemporary Asian Art On The Turn Of The 21st Century” (1998)
Viena, Austria

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Hoy Art Basel Hong Kong es una de las ferias más importantes en el mundo, pero poco antes de comenzar el siglo XXI el arte contemporáneo asiático aún era algo que ni la globalización había acercado a tierras occidentales. Eso cambió con esta exposición que comenzó en Viena, pero viajó a Nueva York, Londres, Humlebaek y Helsinki; mostrando el trabajo de artistas de la talla de Rirkrit Tiravanja, Navin Rawanchailul, Soo-Ja y muchos más; demostrando que no todo sucedía en América y Europa.

 

“Do It” (1994)

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Sucediendo en cualquier lugar al que las instrucciones lleguen, “Do It” reta a la institución, al espacio y al arte mismo. Una obra inacabada que en realidad es la exposición en sí y que al carecer de un espacio, una temporalidad y un artista único, es completamente posmoderna. Aún no termina, pero durante años, han sido algunos famosos artistas los que han participado en ella (Yoko Ono, Damien Ortega, Marina Abramovic y más).

 

“Traffic” (1996)
CAPC Musée d’Art Contemporain, Bordeaux, Francia

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El término “estética relacional” fue usado por primera vez en esta exposición que tomó al espectador por sorpresa. El trabajo que se basa en la interacción social o las experiencias entre los visitantes convertían la experiencia y la participación del espectador como la principal obra, mientras que el artista pasaba a un segundo plano. Fueron muchos artistas los que continuaron con este tipo de obras y cada vez el mundo del arte se volvió más y más social.

 

“Sensation: Young British Artists From The Saatchi Collection” (1997)
Royal Academy of Arts, Londres, Inglaterra

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Quizá la exposición más importante del arte contemporáneo en la historia y relativamente parecida a la primera de la lista. Aquí Charles Saatchi mostró a las nuevas promesas del arte; Damien Hirst, Alex Hartley, Rachel Whiteread y más dieron vida al término “Young Britsh Artists”, quienes han moldeado y dominado el mundo del arte desde entonces. Si no había una superestrella en el mundo del arte desde Baskiat o Warhol, Damien Hirst se coronó como el nuevo gran artista después de esta exposición.

 

“WACK: Art and the Feminist Revolution” (2007)
The Geffen Contemporary at the Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, Estados Unidos

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La mujer ha sido revalorizada desde los años sesenta, pero la lucha ha sido lenta. Las exposiciones de mujeres en solitario han sido muy pocas en el mundo del arte, y aunque parece una apología hacia la figura femenina, es completamente necesario que tantas artistas que no lo lograron en otra época, sean revisadas actualmente. “WACK” fue la exposición que cambió todo. A lo largo de ocho años se preparó esta exposición que mostró el trabajo de Judy Chicago, Ana Mendieta, Lee Lozano, Isa Genzken y más. Más que una exposición acerca de la mujer, también se mostraron puntos de vista internacionales, lo que dio como resultado una de las más importantes exposiciones del siglo XXI.


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Fuente:

Artspace


Referencias: