¿Qué es el arte en la época contemporánea? Para muchos, simple apariencia, un espejismo o una farsa. Para otros, un negocio multimillonario. Para la mayoría, algo muy difícil de entender que ha deformado el arte clásico, aquel que en teoría entendemos.
Nunca encontrarás una definición para el arte contemporáneo, pero estos artistas te ayudarán a comprender el contexto, la situación social y los procesos de desarrollo para crear discursos fundamentales para la época actual.
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Gerhard Richter
“The Guardian” lo calificó como el “Picasso del Siglo XXI”. Es sobreviviente de los bombardeos nazis en la ciudad de Dresden y casi queda atrapado en la Alemania Oriental cuando se construyó el muro de Berlín. Su obra consta tanto de figuración como de abstracción. Un pintor que ha calificado como “excesivas” las sumas que las personas pagan por sus obras ya que él mismo hace tutoriales para que las personas aprendan a pintar como él lo hace.
La primera parte de su obra, consta de foto-pinturas y el uso de métodos no convencionales inspirados en el movimiento Fluxus. Con una especie de velos, realizó la crítica más atroz hacia la Segunda Guerra Mundial y más tarde a la Guerra de Vietnam. La segunda se caracteriza por cuadros abstractos y distorsionados, con la fusión de procesos que alteraban sus obras y las impregnaban de un alto contenido psíquico y físico. Estilos que redondeó con la manera en que corre los óleos con una espátula, algo que ha caracterizado gran parte de sus lienzos.
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Cy Twombly
Su obra consta de manchas y trazos circulares. Muchos han calificado sus pinturas como un fiasco; Castelli se negó a exponer sus series, los coleccionistas y museos no comprendían lo que realizaba, él incluso aseguraba que iba 20 o 30 años delante de su tiempo. Basándose primero en el expresionismo abstracto, que luego conjugó con el arte parietal y el graffitti.
Sus trabajos son una reflexión, una respuesta y una reapropiación del mundo antiguo grecorromano, para representar el neoclasicismo con graffitis contemporáneos. Realiza un equilibrio entre el pasado estático y crea respuestas netamente emocionales. La escritura y el lenguaje, sirven como las dos vertientes conceptuales que guían su arte; así, se centra en el proceso de escritura para sugerir narrativas sutiles que yacen bajo la superficie de sus lienzos.
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Damien Hirst
Nombrado por “La Nación” como «El titán de la pintura británica», Hirst se ha hecho famoso por disecar animales como cebras, tiburones, vacas y ovejas para exhibirlos en enormes estructuras transparentes llenas de formol; algo que lo ha conducido a romper récords en las subastas, sobrepasando a artistas como Picasso. Gracias al empresario Saatchi, quien lo conoció en una exposición de Young British Artists, en 1980, consiguió saltar a la fama y sobresalir de entre todos los jóvenes que realizaban sus propuestas. Adicto al color, nunca decide cuál usar, por esta razón, en 1989, expuso algunas pupas de mariposas en cinco lienzos largos que, después de algunos días emergieron para crear un impresionante caleidoscopio en toda la sala.
Sintetiza el punk, el pop art, la obra de Marcel Duchamp, Francis Bacon, la muerte, la mortalidad. La inmortalidad, la filosofía y el catolicismo. Todas sus obras sucumben a la noción tradicionalista del arte para lograr que el espectador se cree preguntas y conozca un poco de la fragilidad que nos rodea.
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Takashi Murakami
El arte de Takashi Murakami es un híbrido entre el arte para las clases privilegiadas y el arte masivo. Con temas oscuros, crea imágenes que nos remontan a la niñez, y gracias a esto, sus obras tienen gran éxito; tanto comercial como en las subastas. Su éxito, sin duda, se debe a la accesibilidad al imaginario de sus piezas logrando vincular su trabajo a casas de moda, músicos y empresarios.
Murakami se proclama como un Otaku que combina las técnicas del anime y el manga con las tradiciones niponas de Nihonga. Con un humor satírico y crítico, en sus primeros trabajos mostró su inconformidad con la Segunda Guerra Mundial y el papel de Japón en ella.
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Richard Serra
Serra propone un diálogo abierto y bidireccional entre su obra y el espectador, que, según el artista, le da el significado a las obras a través de la experiencia. Es experto para entablar diálogos filosóficos sobre la materia del tiempo y el espacio en movimiento. Entre la levedad y pesadez de los materiales, crea un equilibrio perfecto y único que lo convierten en uno de los escultores más importantes de la actualidad.
Sus exultaras son trazos de hierro en el espacio como apunta Jesús Silva Herzog Márquez. Con toneladas de metal, crea juegos de lápiz e invade el aire. Como un poema minimalista, Serra logra definir su obra sólo con verbos:
desenrollar, arrugar, almacenar, doblar, acortar, girar, trenzar, abollar, rasurar, despedazar, astillar, separar, cortar, escindir, tirar, remover, simplificar, diferenciar, desarreglar, rasurar, abrir, mezclar, anudar, derramar, gotear, fluir, arremolinar, rotar, untar, inundar, incendiar, imprimir, levantar, curvear, sostener, enganchar, suspender, desparramar, colgar, coleccionar, asir, apretar, combinar, acumular, arreglar, reparar, descartar, emparejar, distribuir, exceder, complementar, contener, rodear, esconder, cubrir, envolver, escarbar, atar, pegar, juntar, laminar, marcar, expandir, diluir, iluminar, revisar, modular, destilar, borrar, sistematizar, referir, forzar, hablar.
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Santiago Sierra
Este artista se centra en obras de denuncia y crítica al sistema que han logrado un gran impacto internacional. Considerado el artista contemporáneo más importante de España, su obra provocadora ha creado polémica por su crudeza. Con cada obra muestra las fallas y grietas del sistema. En una de ellas titulada Linea de 160 cm tatuada sobre 4 personas, utilizó a 4 prostitutas adictas a la heroína para tatuarles una línea en la espalda, a cambio, las prostitutas recibieron lo que costaba una dosis en el 2000. Así, Sierra mostró la realidad en su espalda; nadie se preocupa por ellas, vienen de una sector marginal y hacen mucho para costear su adicción.
[Puedes leer más sobre Santiago Sierra en “La belleza de la explotación laboral”.]
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Teresa Margolles
Teresa Margolles ha sido una de las representantes más contundentes del arte mexicano desde la década de los noventa. Con su proyecto de Servicio Médico Forense, “SEMEFO”, hizo del arte y la muerte una mancuerna aterradora e impactante. Todo comenzó en las morgues mexicanas, y más tarde, México se convirtió en un país tan violento que no necesitó ir a un sitio para obtener la materia prima de sus piezas. Cuauhtémoc Medina asegura que el proyecto “se resumía en una frase: la preocupación por la vida del cadáver, no por el muerto, no por la estructura social alrededor, sino por lo vivo que había en la materia muerta”.
Ha trabajado con partes de cadáveres, órganos y fluidos, que en muchas ocasiones obtiene sin permiso de las morgues, con el objetivo de romper los tabúes, como la mayoría de sus obras. Su obra más famosa es la lengua del cadáver de un punk, la cual obtuvo después de intercambiarla por el dinero necesario para pagar el funeral de dicho joven. En otra de sus obras, utilizó los restos de fetos y cuerpos de caballos para explorar las fallas sociales mexicanas.
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Marina Abramovic
Abramovic inició su carrera como artista a principios de la década de los setenta, enfocándose en el performance, en el que su cuerpo siempre ha sido su medio de expresión. La artista busca crear trabajos para ritualizar las acciones simples del día a día en manifestación de un único estado mental.
Para su primer performance, Ritmo 10
, utilizó un cuchillo y sus manos; pasaba la punta del cuchillo por cada dedo y, cuando el cuchillo rozaba su mano y la cortaba, lo cambiaba, en total empleó 20. Su performance fue grabado y cuando finalizó, lo observó para, en futuras ocasiones, volver a cometer exactamente los mismos errores.
La artista escribió un manifiesto que guía su existencia y su arte:
Un artista no debería mentirse a sí mismo ni a otros.
Un artista no debería robar ideas de otro artista.
Un artista no debería corromper su obra por el mercado.
Un artista no debería matar a otro ser humano.
Un artista no debería convertirse a sí mismo en un ídolo.
El arte debe estar en relación con la vida amorosa del artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista
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Maurizio Cattelan
Las esculturas de Maurizio Cattelan nos hablan de un sentimiento que todos compartimos. Ese que nos hace querer derrocar al poder y cambiar el mundo de la manera más drástica posible, desde la raíz. En sus esculturas nos muestra una crítica mordaz a la autoridad y el abuso. Su arte es provocador, listo para ser censurado, de la misma manera que lo hicieron los artistas dadaístas más famosos.
Los dadaístas planeaban hacer una crítica al mundo incierto en el que vivían, a las guerras sin sentido, por eso su arte carecía de éste. Cattelan retoma sus ideas, solo que partiendo del arte hiperrealista, con el que crea esculturas perturbadoras sobre la cultura popular, la historia y la religión de una manera sarcástica, irreverente y divertida. Algunos aseguran que es la representación escénica de la sátira.
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Gabriel Orozco
Su obra demuestra un gran interés por la ciencia, las matemáticas, los procesos de crecimiento de lo orgánico y los límites entre la naturaleza y la tecnología. Realiza crítica de arte desde el arte mismo, con proyectos efímeros, obras in situ e instalaciones. Reflexiona a través de piezas conceptuales, que responden a inquietudes personales sobre el comportamiento del mundo físico y el uso no convencional de lo que conocemos.
Aunque es ampliamente criticado, es el artista mexicano más reconocido en el ámbito artístico contemporáneo y sus obras están valuadas en miles de dólares.
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Abraham Cruzvillegas
Su obra es una autobiografía que muestra su entorno y experiencias. En cada obra se autoconstruye para que algunas de sus obras concluyan en la autodestrucción y propia confusión. Explora sus propios orígenes, colabora con familia y amigos, e intenta aprender sobre los materiales, el paisaje y la gente.
Del mismo modo que la mayoría de los artistas mencionados, desafía los cánones tradicionales de la creación artística, con sentido del humor y mirada incisiva. Aunque estudió pedagogía, su obra es reconocida en todo el mundo con premios internacionales como 5 Yang Hyun Prize y el Prix Altadis d’Arts Plastiques.
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Urs Fischer
La obra de Fischer fue descrita por el Museo Whitney, “como un encuentro de las sustancias naturales, el acto de hacer y el proceso impredecible que puede resultar al combinar los dos”. Trabaja con collage, dibujos, esculturas e instalaciones para transformar los materiales en creaciones únicas e impredecibles.
En sus obras cuestiona y destruye la autoridad de las instituciones con el uso de materiales perecederos. Con influencias de los movimientos anti-arte, el neo-Dada, los Internacional Situacionistas y el Lost Art, ha producido un amplio número de obras y objetos que logran hablar por él.
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Yoko Ono
Aunque es mundialmente conocida por ser la esposa de John Lennon y odiada por muchos por separar a The Beatles, Yoko Ono es en realidad mucho más importante. Una de las mujeres fundamentales del arte y pieza esencial del movimiento Fluxus.
Con ideas provenientes del dadaísmo, Yoko Ono centra su obra en el arte conceptual con performances y creaciones en las que se tiene que repensar el arte. Entre sus temas de creación se encuentran la libertad del pensamiento, el sexismo, el racismo y la valoración de los sentidos. Ha incursionado en poesía, música y performance, del mismo que sentó las bases para estudiarlo. Con 83 años, la artista japonesa ha curado el festival musical Meltdown en Londres y mantiene colaboraciones artísticas para promover la paz.
Algunas de sus obras más conocidas son “Instrucciones”, creada en 1961, que permitía interactuar con sus instalaciones, e “Instrucciones para pinturas”, en la que ofrecía ideas en lugar de pinturas. Fue una de las pocas mujeres artistas extranjeras que apoyó la escena artística de Nueva York, cuando este lugar se convirtió en la meca del arte, logrando que los límites de las muestras se rompieran al involucrar al público.
https://www.youtube.com/watch?v=Zfe2qhI5Ix4
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Cindy Sherman
Sherman es una pionera de la fotografía como arte. Sus fotografías son exploraciones de la identidad propia y ajena. Interesada en los medios de comunicación y sus modos de representación, sus trabajos más representativos se convierten en variaciones de indumentaria y escenarios; busca representar cómo se ven a través de los medios de comunicación. La identidad y la apariencia física, son los puntos claves de su obra, cuestionando la simplificación y objetivación de la mujer en la sociedad contemporánea
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Ai Weiwei
Ai Weiwei es uno de los mejores representantes del arte político. Sus creaciones son un compromiso con la libertad de expresión en el siglo XXI y una denuncia de los problemas de injusticia y opresión; un intento por cambiar la actitud social a través del arte. Considerado el artista más poderoso del mundo, por los editores de ArtReview, ha sido encarcelado por el gobierno Chino y vetado de Beijing por un año.
“Una sociedad sin libertad para hablar es un oscuro pozo sin fondo. Y cuando está tan oscuro, todo lo demás empieza a brillar”.
–Ai Weiwei
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Cai Guo-Qiang
Con residencia en Nueva York, Cai es un admirador de la cosmología taoísta y creció con ideas revolucionarias inculcadas por el Partido Comunista Chino, por lo que su idea de “la rebelión está justificada” es lo que marca, de manera casi absoluta, su arte. Su interés por el mundo desconocido es tal, que en 2008, hubo una retrospectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao para presentar su obra: un trabajo que expresa una profunda curiosidad hacia el universo y los mundos invisibles que nos rodean.
Realiza gigantescas instalaciones y espectáculos pirotécnicos con el objetivo de que alguien arriba de nosotros logre ver las señales que con tanto ahínco manda.
Guo-Qiang es el artista que, como dice el Guggenheim de Bilbao: “explora las convenciones artísticas de nuestro tiempo, para inspirarse en la mitología y creencias antiguas; sin embargo, su trabajo no sólo gira en torno a este fenómeno paranormal”.
La historia militar, la filosofía budista, la medicina china. La violencia terrorista y por supuesto, la tecnología pirotécnica, son parte de su obra.
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Tania Bruguera
Artista cubana del performance y la instalación, que desafía los sistemas políticos para pelear por la libertad de expresión. Como una fuerza latente que defiende los derechos de los inmigrantes, en 2011 colaboró con el Queens Museum para fundar el Movimiento Inmigrante Internacional. En 2015, el MoMA adquirió uno de sus performances y videoarte, lo que la convirtió en una de las figuras más relevantes del arte de nuestro tiempo.
Ha desarrollado diferentes tipos de disciplinas, como el “arte de conducta”, que se relaciona con lo que los espectadores consideran debe ocurrir. Bruguera también propone un arte útil que transforme a la sociedad. Ha sido acusada de promover resistencia y desorden público y fue detenida en su país natal, para evitar que realizara sus piezas artísticas. Ganó la Beca Guggenheim, el Meadows Prize y el Premio Príncipe Claus.
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Tacita Dean
Sus obras fílmicas en películas de 16mm permanecen entre la evanescencia y el fulgor nostálgico con el que inició su carrera, con lo que éstas se convierten en el mejor reflejo de lo que busca la artista con su obra: lo efímero, lo impertinente y la memoria. Con pinturas, fotografías y videoarte, reflexiona sobre el tiempo, la casualidad, el pasado y las ausencias. Todo lo que le apasionaba ha dejado de funcionar: la Standard 8, la Super 8 y la película de 16mm que está a punto de hacerlo.
“Para mí es importante no saber demasiado. Trabajo como una diletante”.
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Barbara Kruger
Dentro de la cultura pop, los collages de Bárbara Kruger se han viralizado entre redes sociales, aunque muchos espectadores ni siquiera sepan quién es la creadora. Crea fotografías con textos superpuestos para entablar un diálogo entre el arte conceptual, el feminismo y la ideología.
Sus textos irónicos crean reflexiones sobre la violencia, sexualidad, roles de género y la violencia en la vida cotidiana, todo con la intención de romper estereotipos y patrones de consumo.
La obra de Kruger se encuentra, en estos momentos, en el metro Bellas Artes de la Ciudad de México.
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Cildo Meireles
Con su arte conceptual, parte de la experiencia sensorial del espectador para criticar sistemas ideológicos y económicos. Mantiene un compromiso fervoroso con la historia de su país y con la realidad política de Brasil, sobre todo en la época de la dictadura militar. Las obras de Meireles, no se limitan a la vista, también requieren del tacto, el oído y el olfato para comprender su totalidad.
Meireles es una figura clave para el arte contemporáneo y la vanguardia artística brasileña de posguerra, entre el neoconcretismo y el arte conceptual. Algunos llaman a su obra como “un acercamiento poético al estudio de la sociedad”, con la que examina, como si se tratara de un laboratorio, al espectador, la comunicación, el valor del arte y los procesos históricos que han marcado al mundo.
¿Cuánto vale un fajo de cien billetes? Cuando Meireles los puso sobre un pedestal, la obra adquirió un valor veinte veces superior al real. También con billetes, Meireles denunció la muerte del periodista Vladimir Herzog, acusado de comunista y de quien los medios dijeron, la muerte fue inevitable por un suicidio. Nadie lo creyó y así, en billetes que ahora están guardados en galerías y museos, intentaba democratizar la información escribiendo en cada billete: “¿Quién mató a Vladimir Herzog?”.
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Si después de conocer a estos 20 artistas sigues considerando que el arte contemporáneo es una reverenda estupidez, puedes leer “Por qué decir que ‘el arte contemporáneo no sirve’, te hace más pretencioso e ignorante de lo que crees” y conocer las “8 razones por las que ver arte contemporáneo todavía nos cuesta trabajo”.
