8 pinturas que debes conocer para comprender que la abstracción es más que sólo manchas

jueves, 1 de diciembre de 2016 11:00

|Julieta S



Seguramente muchos pintores abstractos que después de la Segunda Guerra Mundial comenzaron
a experimentar con técnicas, procedimientos, métodos y resultados, estaban hartos de escuchar preguntas como... ¿qué significa tu pintura? Para ellos la respuesta era sencilla y sólo involucraba una palabra que recitaban al unísono: nada. 

Nadie lo comprendía muy bien, ¿entonces sólo son manchas poco uniformes que conviven con otras de diferentes colores? La creación del arte no figurativo, o abstracto como la gran mayoría se empeña en denominar, es precisamente crear realidades que no existen, transformar la consciencia en una representación pictórica y así, salir de los convencionalismos y la realidad para hacer algo completamente diferente. No hay un significante con el que comparar su obra, no existe nada que represente su pintura.

La evolución del arte desde aquel Paleolítico que también contaba con representaciones abstractas al que buscaba las más realistas, más tarde el juego de sombras, de luces, de colores y la filosofía que conlleva el arte de las vanguardias con preceptos establecidos, nos llevó al perfeccionamiento del arte abstracto como un arte moderno y contemporáneo del que aún tenemos representantes.

Si no entiendes nada sobre el arte abstracto, si crees que esos pintores son simplemente posers que se dedican a presumir en las ferias de arte mientras explican un concepto profundo que acaban de inventar y estás harto de que te vean la cara, debes conocer a estos pintores y la obra que te explicará mejor qué es el arte no figurativo.


Gerhard Richter – Obras llenas de carga política

“A mí me gusta todo lo que no tiene estilo: diccionarios, fotografías, naturaleza, yo mí mismo y mis pinturas (porque estilo es violencia y yo no soy un violento)". Aunque esta afirmación del artista parecería irrelevante, en realidad Richter siempre se ha posicionado en contra del sistema. El estilo para él es la representación del poder, probablemente porque cuando tenía 29 años tuvo que dejar Alemania por los conflictos bélicos. Así, Richter está en contra de los precios estratosféricos que se pagan por sus obras y tiene tutoriales en YouTube para producir el mismo cuadro que él hace con rapidez y seguir su técnica de acumular capas de pintura sobre el lienzo para barrerlas con cepillos de madera o metal. 


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Jackson Pollock - Técnica

Como una analogía a Jack el destripador, Pollock era conocido como "Jack el salpicador" por la técnica que aprendió a mediados de los años 40. A diferencia de otros pintores que la habían puesto en práctica, Pollock utilizó el dripping o técnica de chorreado exacerbándola en lugar de ocultarla. Olvidó cualquier aprendizaje previo para exagerar con capas de pintura repetidas en el lienzo. No existía perspectiva, figuración o escalas cromáticas. Su obra existe gracias al destino y la casualidad en un caos aparente.  



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Wassily Kandinsky - Abstracción lírica

Muchos creen que Kandinsky padecía sinestesia y que gracias a eso, pintaba la música. Sus pinturas resonaron en el lienzo y él se convirtió en un pionero, un maestro que revolucionó todo el arte. Consideraba que pintar era similar al proceso de composición de una pieza musical: “El color es un teclado, los ojos son las armonías, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, toca una tecla u otra para causar vibraciones en el alma”.



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Piet Mondrian – La pureza de una obra de arte

Con su neoplasticismo, Mondrian proponía eliminar los elementos accesorios del arte para llegar a la esencia a través de un lenguaje objetivo y universal; con esto, pretendía representar la totalidad de lo real y la unidad de la naturaleza que, aseguraba, tenía apariencias cambiantes pero una regularidad absoluta. Con base en las obras cubistas, Mondrian proponía la reivindicación de la abstracción para reducir todo a lo más simple: líneas rectas horizontales y verticales, colores primarios y el negro, blanco y gris. 



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Kasimir Malévich – La creación de universos

Paralelo al constructivismo, Malevich fundó el Suprematismo, en el que, muchos aseguran, premiaba las figuras abstractas como representación del mundo. Sin embargo, ver la obra completa del pintor nos puede hablar de un concepto mucho más profundo. Muchos ven un antes y un después en su obra, pero también es posible hablar de la obra de Malévich como un universo creado en el lienzo: desde el trazo más básico, blanco sobre blanco; el círculo negro; la incorporación de colores hasta composiciones más complicadas que comenzaron a involucrar seres rígidos y más tarde, paisajes.


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Josef Albers – Geometría y color

Bajo una lógica analítica, desarrolló la misma idea en diferentes obras. Explora las posibilidades de la forma geométrica con variación de color. Intentaba crear efectos de ilusión óptica similares al arte pop pero siempre con figuras abstractas. Desarrolló una compleja teoría del color combinando superficies de colores básicos mezclados con gris y blanco para lograr que sus cuadros vibraran y se sintiera un movimiento constante. En su serie "Estudio en el homenaje del cuadrado, muestra diferentes representaciones del mismo, ninguna igual, para lograr su cometido.



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Mark Rothko – Búsqueda de la identidad

Los norteamericanos, en busca de encontrar otras maneras de expresar su arte que no tuvieran nada que ver con Jackson Pollock, comenzaron a experimentar nuevas técnicas pictóricas. Uno de los más exitosos fue Rothko, quien con sus cuadros dominados por superficies de color degradado y suaves contornos, conectó con el público, mismo que entraba en una especie de éxtasis melancólico. Esta obra de sombras rojizas con un negro profundo en el extremo medio inferior, habla por el artista y su estado de ánimo depresivo que lo llevó al suicidio. 



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Willem De Kooning – Reclamo al sentimiento femenino

Entre el figurativismo y el no figurativismo, los lienzos de Willem De Kooning retan al género opuesto para hablarles con furia. Su serie "Mujeres" es una interpretación personal ( y negativa) sobre sus relaciones con las mujeres. Él aseguró que buscaba pintar una mujer hermosa, pero que se había transformado en un monstruo. Muchos críticos señalan que se trata de una obra cargada de incertidumbre personal. 



Estos hombres cambiaron el arte para transformarlo en un concepto que muy pocos entienden, si quieres conocer algunas otras pinturas que le cuestan trabajo a la mayoría, puedes leer el artículo "Pinturas sólo aptas para personas realmente inteligentes" pero si prefieres conocer más sobre ellos, puedes comenzar con el universo puro de Mondrian.





REFERENCIAS:
Julieta S

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