9 artistas internacionales que puedes ver en Zona MACO

Miércoles, 7 de febrero de 2018 17:21

|Rodrigo Ayala Cárdenas
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Esta feria de arte puede presumir ser una de las tres más importantes a nivel continental.



Zona MACO ha sobrevivido al paso del tiempo pese a varios obstáculos en el camino desde su primera edición en 2002 en Monterrey. Por ejemplo, en 2009, la epidemia de influenza A(H1N1) que azotó a México también ahuyentó al público, quien por recomendaciones gubernamentales prefería quedarse en casa antes que mezclarse con la multitud.

 

Este año, el evento arrancará el 7 de febrero y concluirá el 11 del mismo mes, esperando no más sobresaltos en su organización. Se espera que una buena cantidad de público visite los pasillos y stands de una feria de arte que puede presumir de ser una de las tres más importantes a nivel continental.

 

Galerías de diversas partes del mundo tienen un espacio en este evento para presentar a México y el mundo el trabajo de su cartera de artistas, todos ellos pertenecientes al arte contemporáneo, la especialidad de Zona MACO. Para que vayas alistando tu visita, conoce algunos de los nombres de los artistas de procedencia internacional cuya obra estará expuesta en este espacio que celebra el arte, pero también el interés de las personas por la creación como parte fundamental de la evolución interna del ser… 


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John Baldessari


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Su pintura se adscribe al llamado arte conceptual debido a la incorporación de elementos surrealistas y dadaístas en sus obras. Su admiración por Marcel Duchamp, Andy Warhol y John Cage lo llevó a hacer arte y a experimentar con temáticas y materiales diversos, como textos y fotografías en sus lienzos. Es considerado uno de los nombres fundamentales del arte contemporáneo.


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Takashi Murakami


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Encarna al artista capaz de meterse en diversas manifestaciones artísticas y triunfar en todas ellas por su polivalencia y curiosidad: este japonés ha explorado terrenos como la publicidad, escultura, pintura, dibujo, grabado o arquitectura. Su profundo acercamiento a la cultura pop la he valido el apodo de «el Andy Warhol japonés». Todo comenzó con un viaje a Nueva York cuando aún era muy joven que le cambió la perspectiva. A su regreso comenzó a hacer creaciones típicas japonesas en combinación con elementos occidentales.


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Jeff Koons


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El polémico artista de las esculturas que simulan globos gigantes de helio —un tanto infantiles— es uno de los creadores que gusta a muchos y que provoca el desprecio de otros por considerarlo una suerte de impostor. Lo cierto es que sus importancia en el arte actual es innegable y por algo estará presente en Zona MACO. Sus obras en la actualidad se encuentran adscritas a la corriente monumentalista (de dimensiones exorbitantes). Lo pop, lo común y lo fantástico se mezclan en el trabajo de este artista nacido en Estados Unidos por el que se pagan auténticas fortunas de parte de apasionados coleccionistas.


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Robert Indiana


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Sus esculturas, carteles y serigrafías con las palabras LOVE o HOPE han hecho a Indiana célebre en todo el mundo en el ámbito del pop art. Su obra está dirigida a establecer una crítica de la vida y la mentalidad de los Estados Unidos. Uno de los actos más insólitos cometidos por Indiana fue cuando en 1978 se recluyó en una isla de Maine para dedicarse a la realización de esculturas en las cuales representaba a ídolos bárbaros, rechazando todo encargo.


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James Turrell


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La luz lo es todo para los pintores, pero quizá no tanto como para Turrell, quien explora este fenómeno natural de manera obsesiva: «Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego». La obra de este artista californiano interviene ciertos espacios con el objetivo de que la luz sea la gran protagonista de los mismos.


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Anish Kapoor


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Lo gigante, lo que hace que el espectador se cuestione su tamaño ante el mundo y el arte, es una de las principales características de la obra del escultor indio Anish Kapoor. «El arte es una de las últimas cosas misteriosas», ha dicho el artista en relación al papel fundamental que la creación tiene en el espacio físico y espiritual del ser humano. El artista no da a sus creaciones un significado único sino que siempre está abierto a lo que los espectadores puedan decir acerca de ellas.


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Allen Ruppersberg


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Al ver su obra, una especie de comodidad te invade cuando te das cuenta de que lo común (y corriente) con lo que siempre has convivido se pueda transformar en algo artístico. Allen se vale de revistas, anuncios comerciales y postales para crear un universo donde las formas, el color y la palabra escrita dieron un vuelco al arte conceptual americano. Es muy cercano a gente como Baldessari, con quien comparte el gusto por la experimentación.


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Marina Abramović


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Acerca de ella se ha dicho demasiado, pese a ello siempre es acertado redescubrir la importancia de la autoproclamada "Abuela del performance". Activa desde los años 70, su obra hace una exploración del cuerpo como motivo de arte, la relación entre el artista y su audiencia y los límites de la mente para soportar no sólo los castigos físicos sino también espirituales. Abramović resulta fundamental para entender los propósitos y significados del arte actual.


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Victor Vasarely


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Este excéntrico artista combinó todo el rigor de la física y geometría para dar como resultado el op art (arte óptico), es decir, obras donde las leyes visuales se unen para crear imágenes de concepción imposible. Sus pinturas también podrían catalogarse de psicodélicas. Aquél que busque una experiencia sensorial distinta, sin duda caerá hechizado y mareado ante las obras de este revulsivo nacido en Hungría en abril de 1906.


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Fernando Botero


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Pocos son los que no conocen las figuras de alto tonelaje de este artista colombiano nacido en Medellín en 1932. Su estilo calificado como 'boterismo' le ha dado la vuelta al mundo, ya sea en forma de esculturas o pinturas, para volverse parte de la cultura popular. Botero explora escenas cotidianas con figuras de gran volumen como protagonistas que dotan de gracia a sus escenas. Incluso se ha dado el tiempo de reinterpretar pinturas emblemáticas con su estilo, tal es el caso de La Monalisa de Leonardo.


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Andy Warhol


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Calificado como una especie de gurú de la modernidad, Warhol es para el arte pop lo que The Beatles para la música: descubrió tendencias, se atrevió a romper moldes y experimentó con lo mundano para llevarlo a un escalón de expresión sublime. Fue un hombre solitario a pesar de estar rodeado de gente estrafalaria; su aspecto de rockstar contrastaba con su fragilidad física y su sexualidad ambigua. Todo eso lo ha rodeado de un mito que evoluciona conforme se sabe más de la vida de un hombre indispensable para el arte contemporáneo.


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Antoni Tàpies


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Es algo más que un enorme calcetín que causó controversia en España: es uno de los nombres esenciales para entenderlo todo sobre el arte contemporáneo. En sus pinturas se halla una constante exploración de técnicas y materiales provenientes de la naturaleza misma. Joan Miró se refirió de esta manera a Tàpies: «La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración».


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Pierre-Auguste Renoir


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«Nunca sería un artista si las mujeres no tuvieran senos». Esta frase nos ayudará a comprender más o menos lo que Renoir quería decir con sus pinturas: no sólo exaltar la belleza de la mujer sino también la del color, la de la luz y la de la naturaleza misma. Los senos de una mujer eran para este artista francés una especie de simbolismo de la hermosura del mundo y el pretexto ideal para explorarlo a través del pincel. El impresionismo que practicó lo encumbró a convertirse en uno de los pintores más admirados de la historia.


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Richard Prince


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Es bien conocido por sus collages con fotografías burlescas y sus refotografías, es decir, una fotografía reciente de otra tomada hace mucho tiempo para hacer un comparativo entre el antes y el después. Fue el primero en vender una de ellas en un millón de dólares durante una subasta. Su obra ha sido objeto de disputas legales y polémicas debido a lo transgresora que suele ser y por adueñarse de fotografías de usuarios de Instagram, tal y como ocurrió en 2016 cuando tomó una perteneciente a la influencer Ashley Salazar para hacer con ella un collage de gatos.


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Conoce este fin de semana en la CDMX a 12 artistas como parte de las celebraciones de este importante festival, en el cual el arte contemporáneo se vuelve el motivo principal para festejar la existencia del arte y la imaginación en nuestras vidas. Eventos de esta naturaleza son necesarios para que el ser humano nunca olvide que al arte es una de las armas más poderosas que tiene para explorar su mundo interno y externo. Sólo así conocerá la gran energía espiritual que existe en ambos espacios.


Rodrigo Ayala Cárdenas

Rodrigo Ayala Cárdenas


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