Caminos a la abstracción: Kandinsky, Miró y Pollock
Arte

Caminos a la abstracción: Kandinsky, Miró y Pollock

Avatar of Daniel Morales Olea

Por: Daniel Morales Olea

10 de julio, 2015

Arte Caminos a la abstracción: Kandinsky, Miró y Pollock
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Por: Daniel Morales Olea

10 de julio, 2015


“El artista es la mano que, mediante una tecla determinada, hace vibrar el alma humana”
–Wassily Kandinsky

 

El arte está lleno de personas revolucionarias que han empujado los límites de la percepción y de la realidad a un abismo figurativo que no necesitamos entender, sólo sentir. La abstracción fue uno de los conceptos que comenzó a ganar terreno en el arte durante el siglo XX. No es un simple movimiento o corriente, las pinturas abstractas que se crearon en esa época no responden una a la otra, son independientes y viven sin encasillarse en un solo término.

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Los artistas que dieron vida a la abstracción jugaron con sus propias teorías, paletas cromáticas y espacios. Aunque su trabajo continuó usando formatos tradicionales como el lienzo o la escultura, es innegable que quienes se alejaron de la realidad y la figura redefinieron la manera de crear y proyectar la actividad humana.

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Las guerras mundiales fueron vitales para la abstracción y otras vanguardias, pues la realidad no era el lugar que el progreso y la tecnología había prometido generar. El arte se refugió en sí misma, se pintó la música, los sueños salieron del inconsciente al lienzo e incluso la velocidad que la Revolución Industrial trajo se reflejaba en el futurismo. Pero, entre todas las visiones artísticas, la abstracción habló de todo y de nada, la realidad estaba ahí, la música también, el amor, la pasión el odio, la razón y la locura; todo y nada se encuentra en estos cuadros.

 

Wassily Kandinsky

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La abstracción lírica es parte del arte de Kandinsky. A los 30 años se adentró en la disciplina de la pintura cuando abandonó la docencia para estudiar la técnica en Munich. Sus primeras pinturas tuvieron la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán. Entre los años 1908 y 1910, Kandinsky se percató que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Combinó la libertad matizada de los fauvistas con la exhibición del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes; tendencia teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

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La geometría es parte fundamental de su trabajo; los colores no sólo chocan y generan paisajes cromáticos de una fuerza demoledora sino que la música se escucha en las pinturas de este genio del siglo XX.

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Joan Miró

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Un contagio de Tifus sería el detonante definitivo del inicio de su carrera como artista y el abandono total del plan familiar profesional. Ingresa a la Academia de Arte de Francesc D’Assis Galí, antiguo compañero de Picasso, con quien exploraría una nueva forma de entender el arte, lo cual se reconocería en la cumbre de su carrera. En esta academia conoce la técnica “al tacto”, la que consiste en tocar a ciegas los objetos que después reproduciría, esto lo familiarizaría con las texturas, volúmenes y accidentes de las superficies.

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Aunque comenzó siendo un artista de corte surrealista, la abstracción fue lo que lo consagró como el artista que hoy conocemos. En 1924, el grupo de artistas seguidores del Freudismo que defendían la potencia creadora del inconsciente firman el primer Manifiesto Surrealista de la mano de Breton, Aragon, Éluard y Miró. En ese momento, Breton, líder del grupo, no dudó en calificar a Miró como “el más surrealista de nosotros”.

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Después de una complicada relación con el surrealismo rompe con ellos. La Guerra civil española corrompe aún más su visión artística, lo que hace que comience su etapa de “pintura salvaje”, la más oscura en su carrera.

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Su pintura cambió a lo largo de su vida, proyectando formas etéreas que son simples y cuyos colores claros pueden reflejar una calma emocional intensa, pero generar una catarsis sobria y profunda.

 

Jackson Pollock 

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La abstracción fue un precedente en Europa, sin embargo al término de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se convirtió en la potencia más grande del mundo, y con esto la capital artística pasó de París a Nueva York. Esto dio paso a que el país que no había destacado por su producción artística comenzara a pujar por nuevas disciplinas, entre las cuales estaba la abstracción

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El expresionismo abstracto se convirtió en el favorito del país americano que apostaba a sus artistas para ser el líder del mundo artístico. Cargado de críticos, artistas y mercaderes que movían el arte, pronto estos artistas eran los más cotizados del mundo, y Jackson Pollock es uno de los principales exponentes de esta época y movimiento.

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En lugar de usar el caballete convencional, Pollock fijó el lienzo en el suelo o la pared para vertir o chorrear la pintura desde la lata. En vez de usar brochas, manipuló la pintura con palos, paletas o cuchillos, algunas veces obteniendo una pasta densa por la mezcla de materiales como la arena, esmaltes, polvo de aluminio, cristal molido o algunas otras extrañas sustancias en materiales pictóricos.

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Con él apareció una nueva forma de conceptualizar el formato de la obra, en la que el proceso era más importante que el resultado final. El diseño de su pintura no tenía relación con la forma o el tamaño del lienzo, como se hacía en la pintura convencional; de hecho, muchas veces tuvo que cortar la pieza ya terminada para ajustar la imagen.

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El resultado fue un arte que explota los sentidos. La inmensidad de la obra no deja que el ojo pueda abarcarla de manera total. Ver sus obras por partes pierden al espectador en el color, que se traduce en un sentimiento de grandeza que sólo las obras de arte genuinas pueden lograr. Pollock uso la acción del momento para generar estas obras que demostraron que sentir la pintura es más importante que entenderla. 


Referencias: