“El deseo sexual, si es recíproco, origina un complot de dos personas que hacen frente al resto de los complots que hay en el mundo. Es una conspiración de dos. El plan es ofrecer al otro un respiro ante el dolor del mundo. No la felicidad sino un descanso físico ante la enorme responsabilidad de los cuerpos hacia el dolor. En todo deseo hay tanta compasión como apetito. Sea cual sea a proporción, las dos cosas se ensartan juntas. El deseo es inconcebible sin una herida. Si hubiera alguien sin heridas en este mundo, viviría sin deseo”.
John Berger, Esa belleza
La forma de los límites —ahora la silueta— determinan el contenido, como a su vez la manera e intensidad expresiva de este. Egon Schiele (Austria, 1980-1918) traza sus dibujos, los delimita, con una línea ininterrumpida, haciendo que las fronteras del cuerpo sean espacios de una fragilidad no consciente. Sus modelos podían moverse, pero eso no importaba, la línea tomada en
la inmediatez era lo suficientemente reveladora para no tener que corregirla. Esta revelación era el contenido básico de Schiele, su arte, incluso en los paisajes, retrata el desnudo del deseo y la existencia. Esta dependencia entre la intención y la forma, entre
sus pinturas y el concepto, fue evocada de forma natural, sin desviaciones; al contrario, su interpretación no pudo eludir la incomodidad heredada a los cuerpos sin ropa.
El erotismo en Schiele sólo puede ser entendido desde la censura, no sólo social, sino también de los cuerpos sobre sí mismos. Egon escribía a su hermana: “Vivimos la época más violenta que ha visto el mundo. Nos hemos acostumbrado a todas las privaciones”. El erotismo de sus dibujos se opone a esto, y funciona también como un método. Las personas que retrata, en su mayoría mujeres o él mismo, muestran una realidad sin privaciones en las que la sexualidad convive en un naturalismo tal que le permite recuperar su parte instintiva; los modelos, aprovechando la valentía que da el instinto, no actúan como lo harían en la cotidianidad, sino que posan de forma teatral, lucen los desnudos con orgullo de artista.
Ahora, la existencia en Egon también contempla la fragilidad de esos cuerpos, estilizados con trazos de languidez y miradas que no buscan complicidad. La muerte como forma que contiene a la vida, le atribuye a esta el peso de la existencia; los cuerpos de Egon Schiele están lejos de ser feos o grotescos, más bien gozan la vida con la fragilidad que provoca la inminencia de la muerte o, lo que es lo mismo, el fin de la belleza. Esta cercanía la podemos llevar aún más lejos; cuando los cuerpos son indebidamente sexualizados, el desnudo deja de provocar placer. Una acción que definimos como naturalista ahora genera malestar, el placer que no es deseado orbita en el dolor. Por esto la fragilidad de su arte es compartida, habita tanto en el modelo retratado como en el pudor del observador.
Los dibujos no tienen más pigmento que el del grafito y la acuarela, y aun así la textura generada es casi palpable; son el escorzo de los cuerpos contorsionados y los colores superpuestos los que invitan al tacto creando un trato: la posibilidad de recrear en la
realidad el goce de esos cuerpos, alimentará la fantasía. Cuando trabajaba con óleo, los tiempos de trabajo eran diferentes, ahora no usaba la rapidez de la línea, sino que podía, alejándose de la inmediatez, llegar a un discurso más conceptual y reflexivo.
Para Schiele, es posible hacer pasar desapercibida la fragilidad; no es que no este allí, pero el contenido de la intimidad vivida la supera. Es por esto que, en su autorretrato junto a Edith, la teatralidad es abandonada y en cambio los amantes se funden en un
abrazo que solo es posible por la naturalidad ganada sobre sus cuerpos juntos.
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Descubre cómo el arte logra transmitir experiencias sensoriales y compartir nuevas formas de construir el mundo y a sí mismos, como las pinturas de fuego de Sabino Guisu que demuestran que los mexicanos sabemos renacer de las cenizas o Amparo Sard, la artista que nos enseña que los huecos son necesarios para sanar las heridas.
