Instrucciones para identificar a los grandes pintores
Arte

Instrucciones para identificar a los grandes pintores

Avatar of Julieta Sanguino

Por: Julieta Sanguino

17 de agosto, 2015

Arte Instrucciones para identificar a los grandes pintores
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Por: Julieta Sanguino

17 de agosto, 2015


En la historia del arte, los estilos y técnicas han cambiado de generación en generación. Cuando la técnica revolucionaba la manera anterior de realizar arte, los artistas se enfocaban en tomar la técnica y adaptarla a su obra. De la época grecolatina a la medieval, del medievo al renacimiento, del renacimiento al barroco, del barroco al romanticismo o del romanticismo a las vanguardias, los estilos cambiaron y se adaptaron a técnicas más puras y modernas.

Algunos artistas llevaron la técnica a sus límites. Hicieron piezas artísticas que hasta hoy son grandiosas y mantienen un aura única que nos retrata la obra del pintor. Muchos de ellos se basaban en la construcción de cuerpos humanos diferentes, se salían de los cánones establecidos y hacían que los demás se cuestionaran la técnica que realizaban.

En ocasiones es complicado comprender qué es lo que hizo a un artista uno de los más grandes, y sobre todo, es difícil distinguir la obra de uno sobre la del otro. Sin embargo, lo único necesario para llevar esta tarea a cabo, es conocer las características principales de sus obras. Te presentamos algunos artistas icónicos y cómo podrías distinguirlos de todos los demás sin ningún esfuerzo.


El Bosco

grandes pintores

Su nombre real fue Jeroen Anthoniszoon van Aeken, aunque fue mejor conocido como Hieronymus Bosch o El Bosco en español. Su obra se considera parte de la corriente gótica flamenca, sin embargo tiene toques místicos y fantásticos, por lo que muchos ven un antecedente del surrealismo en El Bosco.

el bosco

Se ha vuelto un rasgo característico de sus pinturas la fantasía y originalidad. En sus pinturas abundan los detalles en cuadros repletos de figuras en las que incluye personajes mísitcos que parecen sumergirse en temas irreales; sin embargo, a través de estos personajes, el Bosco pretende criticar la mala vida y la corrupción.

 

Caravaggio

Caravaggio incredulidad santo tomas
Sin duda Caravaggio es uno de los mejores pintores de toda la historia del arte. Su técnica de claroscuro revolucionó la manera en la que se realizaba arte hasta ese momento e inició el paso hacia la pintura barroca, la que se olvidó de trazar a lápiz un dibujo antes de realizar la obra para realmente pintar imágenes.

Caravaggio david goliath

En todas su obras se puede apreciar un ángulo en contrapicada. Su pintura se basa en el tenebrismo: un contraste violento de luces que resalta algunas partes de la pintura y deja otras en absoluta oscuridad. Gracias a esta técnica, Caravaggio es uno de los pintores más admirados; dotó a sus pinturas de gran realismo y profundidad.



Peter Paul Rubens

las tres gracias rubens

La pintura flamenca resaltó en la época barroca gracias a Rubens. Este pintor se basa en los cuerpos desnudos y de grandes proporciones para generar bellas obras de arte. Adoptó el manierismo de Miguel Ángel, por lo que, en sus cuadros, los cuerpos adoptan extrañas y complicadas posturas que se desenvuelven con una gracia absoluta. En Rubens los cuerpos son exuberantes; hombres musculosos, mujeres carnosas y sensuales que se agrupan en composiciones con esquemas diagonales en las que el ritmo es turbulento.

rapto de las hijas de leucipo rubens

Para Rubens la representación de luces y sombras se realiza a través de colores, por lo que en sus pinturas resalta el rojo y los tonos cálidos debido a su influencia en la pintura veneciana.



Edgar Degas

Danza Ballet Degas

Convivió con los pintores impresionistas a lo largo de su vida, expuso con ellos en siete ocasiones de las ocho que realizó en vida; sin embargo, Degas se nombraba un pintor realista y naturalista, por lo que podemos decir que es un pintor anti-impresionista. A Degas le interesaba el estudio del cuerpo humano, del movimiento y la realidad de la vida parisina.

la clase de danza edgar degas

El recurso más sencillo para identificar un cuadro de Degas son las bailarinas. En casi todos ellos capta clases de ballet o bailarinas practicando.



Paul Gauguin

El espiritu de los muertos vela

Con una pintura moderna, Gauguin cambió los estándares pictóricos antes establecidos. En sus pinturas posimpresionistas utiliza colores exuberantes, formas bidimensionales y casi siempre planas que retratan la vida indígena de Tahití.

Después de vivir con Van Gogh y que éste último intentara arrancarse la oreja tras una discusión, Gauguin se marchó a Tahití, donde conoció un mundo totalmente distinto que retrató en sus obras, absorbió el arte primitivo y lo hizo parte de su técnica.

de donde venimos quienes somos y a donde vamos

El cambio de colores y tonalidades llamativos y distintos, lo hacen un antecedente directo del fauvismo. Su temática simbólica se convirtió en inspiración del simbolismo que hizo grande a Edvard Munch.




Claude Monet

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Monet es el iniciador del impresionismo y uno de los más reconocidos en esta corriente. Fue un pintor al aire libre que realizaba bocetos y trazos en el lugar con la intención de captarlos tal y como lucían y, más tarde, en su estudio, los retocaba.

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Se caracteriza por realizar paisajes en donde predominan sus nenúnfares. Recurría a contrastes tonales a través de colores prácticamente opuestos y puros que eliminaban  tonos intermedios. Su intento era captar la naturaleza tal y como era, por lo que resultaba complicado lograrlo si consideramos que la luz siempre cambia conforme avanza el día. La luz se convertía en uno de los factores más peligrosos de sus obras, y, al mismo tiempo, el principal motivo.




René Magritte

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Uno de los surrealistas más importantes además de Salvador Dalí. En Magritte, los personajes de sus obras son mucho más reales y menos abstractos. Usaba asociación libre e inesperada de los elementos de su obra, en los que no existía relación alguna y con los que producía una sensación misteriosa y de extrañeza.

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A través de esto, Magritte cambiaba la relación de los elementos con sus representaciones y realizaba combinaciones complejas. Magritte apela a la contradicción verbal y pictórica a través de la creación de significados distintos, con lo que pone a prueba la inteligencia del espectador.



Salvador Dalí

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En cambio, el surrealismo de Dalí se basó en el inconsciente y los sueños. En sus obras, es muy común observar elementos que son pensados como parte de los sueños o una realidad desconocida.

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En sus pinturas nada parece real pero las pinta con tal detalle que podrían serlo: enormes campos desérticos que parecen no tener fin, personas que flotan sin razón aparente y se muestran distorsionadas, elefantes que soportan su peso con frágiles y alargadas extremidades, relojes que se diluyen mientras el tiempo transcurre.




Pablo Picasso

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Pablo Picasso tuvo varios periodos distintos en los que sus obras se concentraron: periodo azul, periodo rosa, protocubista, cubista, neoclasicista, surrealista, expresionista y Vallauris. En su época protocubista, Picasso tuvo interés en el arte primitivo africano, por lo que lo retrató en muchas de sus obras a través de líneas toscas muy marcadas que se asemejan a parámetros geométricos. Muchas de sus obras más conocidas son parte de esta época.

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Después, a través del cubismo analítico, Picasso deconstruyó la realidad y la fundó con el espacio. El cubismo se caracteriza por utilizar una figura bidimensional: la pintura, para tratar de entender la complejidad de la profundidad. Por lo que el cubismo de Picasso se caracteriza por un desglose corporal a través de líneas rectas que acaban por brindar el todo real, los colores que utiliza son casi opacos; amarillos, negros y grises componen este periodo de su obra. Después, Picasso se centró en el cubismo sintético, en el que buscó recuperar el vínculo con la realidad. Volvió a los colores y, a través de texturas y diferentes materiales, buscó planos y perspectivas.



Vasili Kandinsky

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Quizá sea uno de los pintores abstractos más reconocidos. En Kandinsky todo se basa en la relación de la música con la pintura, por lo que en sus obras es común encontrar títulos como Composición I, II, III… La abstracción de Kandinsky es conocida como Abstracción lírica.

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Kandinsky, según sus propias palabras, se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Los colores que predominan en su obra son el amarillo, rojo y azul, colores primarios. Las líneas rectas, las formas geométricas y los colores brindan la lírica de su obra.


Referencias: