Lo mejor del arte del 2017

Viernes, 22 de diciembre de 2017 11:01

|Diana Garrido

Tuvimos a Picasso y Rivera, en la frontera vimos un bebé gigante y generamos empatía con los migrantes. Así fue el 2017 en materia artística.


Tim Burton tuvo una idea magnífica que llegó a México para cautivar a seguidores y a otros que no lo son del todo. En una sola exposición reunió figuras, dibujos, bocetos y algunos otros objetos de su autoría para mostrar otra cara de su personalidad. La visita del cineasta y su exposición a México despertó a los fanáticos más acérrimos y los reunió en el Museo Franz Mayer, lugar en el cual se pueden ver personajes conocidos, como Jack Skellington y otros que no estaban en nuestro radar. Pero lo más importante es el mensaje que Burton le ha puesto a esta exhibición: sé tú mismo y disfruta del arte. Porque él le ha dado su corazón al cine, el séptimo arte lo ha cobijado y le ha prestado su espacio para desarrollar su trabajo como creador y narrador de historias, pero su verdadero lugar es en el diseño y la creación de personajes por medio del dibujo.



Burton muestra esos personajes en la exposición que lleva su nombre y nos podemos dar cuenta de que el cineasta más creepy de todos, tiene un lado sensible que se puede ver mucho mejor en papel o escultura que a través de una pantalla enorme. Pero, para entenderlo hay que mirar las piezas en vivo y sentir todo lo que su obra emana; no es un simple halo oscuro y tímido, provee ingenio, inteligencia e imaginación. Características que Burton posee desde que le pusieron un lápiz en la mano y un papel en la otra, por lo que no es de sorprenderse que el hombre de cabello alborotado y ojos cansados sienta tanta emoción al presentar su exposición en un país como el nuestro.


Aunque diciembre nos trajo a Burton y su mundo, el resto del año nos permitió conocer a muchos otros artistas a nivel mundial y en el país, mismos que, como él, mostraron su lado más enigmático y se posicionaron como los mejores de este año en la pintura, performances y personajes sacados de un filme de terror.




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Yves Klein


A través de 75 obras artísticas y una amplia selección de documentos que incluyen cartas, dibujos, fotos y hasta películas se puede ver la calidad multidisciplinaria que Klein desarrolló a lo largo de su vida. Quizá su carrera artística fue corta, pero muy prolífica. La muestra incluía un recorrido cronológico dividido en tres de las principales problemáticas de su trabajo: la monocromía, la materialidad de la carne y el arte como campo inmaterial. Klein creía que el nuevo arte ocurría en espacios de sensibilidad, es decir, en ambientes en los que el espectador tenía una interacción con las obras de modo que la vida misma es parte fundamental de la pieza.




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Tomorrow is Another Day

Mark Bradford


Como si se tratara de un absceso molesto y grotesco, los asistentes a la instalación se percatan de que esa imperfección es un objeto en descomposición. Los visitantes al pabellón encuentran falsas texturas de piel que parecieran emanar sangre y células muertas. Esto es para asustar a sus seguidores, causarles miedo, repulsión y asco, puesto que es su sentir respecto a la situación actual de Estados Unidos. La representación metafórica del país de las barras y las estrellas fue presentada en la Bienal de Venecia.




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Carne y Arena

Alejandro González Iárritu


Vivir lejos del país que te ve nacer puede ser realmente doloroso, en especial si el sueño es alcanzar una meta quizá imaginaria, puesto que cuando los compatriotas se van a otro país arriesgando su vida a través de un cruce ilegal como el desierto, puede dejar traumas de por vida, además de los miedos normales a los que se enfrentan sabiendo que una vez cruzando todo cambiará. Alejandro González Iñárritu, en compañía de Emmanuel Lubezki, hizo una instalación en la que describe esos sentimientos, mismos que apropió. Pretende que los espectadores sientan y sufran lo mismo que un inmigrante, por lo que con ayuda de la realidad virtual, el cineasta logró crear una experiencia más cercana a la realidad de un errante.




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Days are Dogs

Camille Henrot


La rutina es lo peor que puede haber en un ser humano, Camille Henrot lo representa en una instalación dividida en siete secciones para marcar y criticar la forma en que vemos la rutina como cuestión de tiempo, es decir, tenemos una hora para la comida, otra para dormir, una más para despertar y así podríamos hablar sobre el día de una persona. De igual forma, cuestiona los ritos de la vida que van desde cuando hay que independizarse y de qué forma, las convenciones sociales para tener un hijo o una pareja. Exhibido en el Palais de Tokio, muestra más allá de la simple rutina de un humano, habla sobre las rutinas en las sectas religiosas, mismas que tienen sus días muy bien organizados. Es un ensayo sobre la vida.




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Melancolía


Exhibida en en MUNAL, fue una de las exposiciones más amplias, completas y transparentes. La propuesta principal es una revisión de las distintas maneras en que la melancolía fue representada en las artes, principalmente en la plástica mexicana. Melancolía estaba dividida en cuatro núcleos con más de 130 obras artísticas que muestran la forma en que el sentimentalismo fue parte de los movimientos artísticos y cómo influyen en el creador y su manera de hacer arte.




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Kikito

JR


Una mañana los habitantes de Tecate, Baja California, despertaron con un niño viéndolos a través del muro que divide la frontera entre México y Estados Unidos. Con 20 metros de altura, Kikito, como llamaron al —irónicamente— pequeño, le quita toda "maldad" al muro, le resta la carga política que representa o probablemente le otorga un significado aún más político ya que dota un sentimentalismo infantil y esperanza. Es la representación gráfica de la represión, el racismo y la falta de entusiasmo. El artista multidisciplinario francés, JR, fue el encargado de poner al niño encima del muro.




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Rojo mexicano. La grana cochinilla en el arte 


Yves Klein tiene su propio azul. Van Gogh se relaciona con el amarillo y Yishai Jusidman presentó su azul de Prusia. En México podemos decir que tenemos un rojo, tan intenso como el de nuestra bandera y como el de nuestra propia sangre. Después de la conquista, la cochinilla era cultivada en Oaxaca y Tlaxcala para ser usadas en diferentes cuestiones, la primera, para hacer pigmentos y usarlos en el arte. Este recorrido pictórico se muestra en una línea histórica que se divide en Textil y artes plásticas; La cochinilla, el color del poder; La cochinilla, color del poder civil y La cochinilla en el siglo XIX.




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Treasures from the Wreck of the Unbelievable

Damien Hirst


La primera gran exposición de Damien Hirst en Italia después de la retrospectiva en 2004 fue en el Palazzo Grassi en donde muestra más de 5 mil metros cuadrados de la exposición más grande y larga de fabricación del artista, ya que se llevó cerca de diez años fabricándola. Es una exposición que cuenta la historia del naufragio de un antiguo y vasto barco. Sin embargo, el hallazgo dentro de él es mucho más valioso, una colección de Aulus Calidius Amotan, un esclavo que dedicó un templo al Sol.




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Picasso y Rivera


La unión entre ambos artistas es mucho más grande y profunda de lo que pareciera. Además de vivir en un países con un profunda historia, ambos estuvieron inmersos en la vanguardias parisinas y llevaron una forma de vida muy similar. Aunque luego tuvieron una pelea de la que ninguno pudo salir ileso y desafortunadamente, no hubo manera de rehacer su amistad. El talento de los dos iba desarrollándose de manera paralela, ambos fueron grandes exponentes del cubismo, aunque Picasso es el máximo representante del movimiento, Rivera tiene un lado cubista que ha sido poco explorado y ambas partes fueron expuestas en el Palacio de Bellas Artes, con la finalidad de comparar a ambos artistas y exponer las vanguardias —no tan— ocultas de los dos.




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Aprendiendo a leer con John Baldessari

John Baldessari


Con más de 80 obras, el Museo Jumex presenta algunas pinturas, videos, esculturas y fotomontajes, además de piezas audiovisuales como videos que explican su trayectoria de más de medio siglo. La exposición se inspira en su práctica artística, misma que borda temas pedagógicos, mismos que son una de las características de su obra. Dividido en varias secciones, cada una se acerca a la interpretación desde una perspectiva diferente y hace referencia a lo imposible de leer al autor, ya que usa la ironía para explicar su obra y como nos comunicamos a través de la cultura.




El 2017 nos ha dejado meses de arte. Algunos de estas exhibiciones se dieron en nuestro país. El siguiente año nos esperan más exposiciones que serán tan aclamadas como las que ya tuvimos. Somos un país con gran oferta cultural, por lo que las exhibiciones artísticas son muy comunes. No dudes en asistir a ellas. Algunas son gratis, otras tienen un costo, pero la realidad es que cada una de las exposiciones presentadas valen la pena.


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Estas exposiciones fueron lo mejor de la segunda mitad del año y algunas se presentaron en los museos de la Ciudad de México.

Diana Garrido

Diana Garrido


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