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¿Cuáles eran los colores más usados en las pinturas del Renacimiento y por qué?

14 de diciembre de 2017

Diana Garrido

El simbolismo de los colores en la pintura renacentista cambiaba según la cultura local y el área geográfica en la que se iba desarrollando. De igual manera, era un aporte de la propia vida del artista.



Naranja, rosa, verde, blanco y marrón. Son los colores que predominan en El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli decidió plasmar la calidez de los colores en un cuadro en el que la belleza era fundamental. En los personajes que aparecen en la esquina superior izquierda se nota un color azul muy tenue que a decir verdad podría pasar más por verde o gris que por otra tonalidad. Botticelli se empeñó en usar un color que fuera distinto a lo que siempre predominaba en sus cuadros, pero era más por distinción y estatus que por mera técnica.



Entonces, buscó incansablemente la piedra lapislázuli, misma que daba a la pinturas una tonalidad azulada. Éste era mucho más difícil de conseguir que cualquier otro pigmento, puesto que no bastaba con saber cómo conseguirla, había que producirla y enseguida, obtener el pigmento. No era un procedimiento rápido ni barato; por lo que Botticelli y otros artistas se empeñaron en conseguirlo para que su obras tuvieran mucha más relevancia y desde luego, se cotizaran más alto, al igual que su trabajo. Los colores caros le dieron mucho más sentido e importancia al arte renacentista. Entonces, cada color cobró un significado mucho más profundo del que ya tenía.


Por ejemplo, al unir tres colores en las pinturas como en el caso de la Mona Lisa, emitía un mensaje en específico. En ella se mezcla el verde con el rojo y el blanco creando tres puntos cardinales de la fe, la caridad y la esperanza. El amarillo que también tiene presencia en aquella obra simboliza la melancolía y la calma. De igual forma, las prendas representaban el estatus y la fama de cada personaje, es decir, los curas usaban rojo ya que era sinónimo de poder y fuerza, pero también hacía alusión a la maldad y al odio, era una contraparte; el arte renacentista también era un juego.



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Rojo


Además de connotar estatus social alto como el de los curas, los caballeros, la realeza y los soldados, lo llevaban personas de justicia, como los jueces o el rey. Es la representación del fuego del infierno o de la luz del sol. Esto quiere decir que si sobresalía el color rojo era para poner en primer plano (intelectualmente) la importancia de un elemento o personaje en particular, quizá tan vital como las llamas en una fogata.


El Expolio, El Greco


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Amarillo


El amarillo era considerado un color armónico y equilibrado comparándolo y posicionándolo entre el rojo, señal de poder y estatus y el blanco, color de la paz y la compasión. Si este color aparecía en los cuadros era para equilibrar la pintura y aminorar algunos detalles que podían parecer perturbadores o inadecuados para la época.


El beso de Judas, Giotto


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Verde


Antes de usar el azul como tal, se ponían las tonalidades del cielo y el mar con color verde, por ello, había una idea un tanto distorsionada sobre cómo era el azul en la naturaleza. El verde siempre se asoció con la juventud de los campos, el nacimiento de plantas, así como el nacer y renacer de algo. De igual manera, simbolizaba la castidad, razón por la que algunos fondos y formas dentro de los cuadros eran de ese color, en especial en obras de mujeres y de santos o representaciones divinas.


La Mona Lisa, Leonardo daVinci


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Negro


Cuando querían representar un estatus alto, pero no monarquía o autoridades eclesiásticas, usaban el color negro, señal de distinción y refinamiento. Sin embargo, antes del 1400, el color negro era señal de humillación y humildad, por ello La Verónica de El Greco porta ese color, ya que era una mujer pobre y de baja escala social.


Felipe el bueno de Borgoña (de negro) y su corte, Rogier van der Weyden


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Marrón y Gris


Estos eran los colores para mostrar la pobreza, misma que se veía en cada una de las pinturas que hablaban de situaciones sociales, aunque el Renacimiento no se caracterizara precisamente por ello. Eran también colores para plasmar la muerte, el dolor, la desesperación y hasta el odio por la situación en la que se vivía. Así que si un artista lo hacía predominante en su obra era para marcar una diferencia entre las clases sociales y el estatus político.


La última cena, Leonardo da Vinci


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Blanco


Este color simboliza la pureza en las mujeres y la castidad, por ello no es de asombrarse verlo sobresalir en diversas pinturas sacras, mismas que son señal de la bondad de Dios, de la elegancia de una dama y de la sinceridad con la que manejaban sus vidas, así como los deseos reprimidos (como cubrir las partes privadas con mantos blancos) y la paz.


Amor sacro y profano, Tiziano

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El significado de los colores en la pintura renacentista cambió según la cultura local y el área geográfica en la que se iba desarrollando, de igual manera es un referente a la vida de cada uno de los pintores, mismos que plasmaron un poco de su contexto social e hicieron del más mínimo detalle un paisaje o escena relevante dándole al espectador un reconocimiento más amplio de las obras, es decir, eran mucho más fáciles de adoptar y de mantenerlas en la memoria ya que ahora eran más cercanas a lo que se veía. En parte, era gracias a la inclusión de pigmentos y tonalidades diversas como el azul, color que le dio estatus a la obra renacentista.


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Conoce a las mujeres que dominaron el mundo durante el Renacimiento y la historia no las recuerda, así como los hábitos de los artistas de dicho período, los cuales, son más sorprendentes de lo que parece.


TAGS: Grandes artistas Renacimiento Pintura
REFERENCIAS: Sobre Colores Classroom En Colombia Todo Cuadros

Diana Garrido


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