Neo-pop, el movimiento al que no sabías que pertenecen tus artistas favoritos
Arte

Neo-pop, el movimiento al que no sabías que pertenecen tus artistas favoritos

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Por: Natalia Lomelí Bautista

2 de mayo, 2019

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Por: Natalia Lomelí Bautista

2 de mayo, 2019

Keith Haring, Jeff Koons y Kenny Scharf son los principales exponentes de esta corriente artística contemporánea.


El movimiento neo-pop se desarrolló en la década de los 80 y aunque muestra una clara influencia del pop art al usar representaciones de la cultura popular y los medios masivos, traspasa los límites de esa corriente y utiliza nuevos e inesperados materiales para re-significar imágenes de diversos períodos de la historia visual de la humanidad. 

Para los artistas neo-pop cualquier imagen trasciende la realidad al ser una representación, es decir, una interpretación subjetiva humana fabricada por la mente con recursos del imaginario colectivo, por lo tanto las imágenes plasmadas en su obra responden a ese lenguaje popular fácilmente reconocible para cualquier persona que comparta su contexto. 

A diferencia del arte conceptual o abstracto, el recurso más valioso del neo-pop es la aparente banalidad de los objetos cotidianos y de la cultura de masas.

Si te encuentras con una obra cuyo mensaje remite al consumismo o a la saturación de imágenes a través de las pantallas, su iconografía contiene elementos de cómics o dibujos animados y sus materiales son tan cotidianos que los tienes en casa, posiblemente estas frente a la obra de un artista neo-popComo las anteriores, las siguientes características te permitirán identificar a las obras que forman parte de este movimiento, al que pertenecen algunos de los artistas más famosos del mundo como Keith Haring, Jeff Koons, Kenny Scharf y Takashi Murakami.

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Kenny Scharf, Hurdy Gurdy, 2008.

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Jeff Koons, Tulips de la serie Celebration, óleo sobre lienzo, 1995-1998.

Los movimientos artísticos contemporáneos se diferencian de las vanguardias porque no existe un manifiesto que los limite, y su estilo varía de acuerdo al concepto e intención de cada artista. Aunque sus obras comparten elementos estéticos y críticos que los unen.

Después del pop art de la década de los 60 y 70, la concepción del ícono en el arte se transformó considerablemente, Warhol había convertido una lata de sopa Campbell's en una metáfora del estilo de vida americano y los retratos de las celebridades en íconos cuya alabanza -casi religiosa- determinaba las aspiraciones morales de la sociedad moderna. Las obras del neo-pop son herederas de estas concepciones del pop cotidiano y se convierten en celebraciones de la banalidad. Pero una de las principales diferencias entre estos artistas y quienes pertenecieron a la generación del pop art es la importancia que le dan al espectador, al habitante de la ciudad, a las personas a quienes invitan a interactuar con sus obras. 

Este paradigma está estrechamente ligado con el street art y el lenguaje del graffiti. Dicha influencia resulta evidente en la obra de dos de los principales exponentes del movimiento: Keith Haring y Kenny Scharf. Scharf conquistó las calles de Nueva York durante la década de los 80, muro tras muro, aprendiendo de manera cercana de su amigo de Andy Warhol -principal influencia del movimiento-, Jean-Michel Basquiat y el propio Keith Haring.

Las imágenes de Scharf son una mezcla vibrante de personajes inspirados en caricaturas, e incluso se consideran predecesoras de los emojis al ser imágenes de fácil reconocimiento con un lenguaje gráfico tan cotidiano que cualquiera reconoce su significado. 

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Kenny Scharf, Mural en Houston y Bowery.

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Keith Haring, mural Tuttomondo, Pisa, 1989.

Los artistas neo-pop no creen que el arte sea superior -a creaciones como el arte popular y el diseño- y rechazan la concepción elitista de un círculo al que sólo pocos pueden entrar. Por eso su obra se mantiene cercana a las personas. 

En la obra de Keith Haring, por ejemplo, el artista trataba de crear imágenes accesibles, simples y lo suficientemente genéricas para ser aceptadas sin una intervención crítica, mismas que plasmó en los pasillos del metro de Nueva York; mientras que en la obra de Jeff Koons el cliché y el pop en sus pinturas y esculturas resignifican y critican el consumismo desde una visión perturbadora e irónica, y al mismo tiempo le dan al objeto un carácter de espejo donde cada persona puede reflejarse para hallarse a sí mismo dentro de la obra de arte, como un recordatorio de que el arte está en todos lados, incluso en nuestro interior. Por otro lado, Kenny Scharf ha declarado que en su obra la razón de usar dibujos animados es llevar la cultura popular a las bellas artes y desafiar, así, las barreras impuestas entre la alta y baja cultura. 

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Keith Haring, Pop Shop 1, 1987.

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Jeff Koons, Balloon Dog, óleo sobre tela. 1995-1998.

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Para los artistas neo-pop, el papel del mercado es fundamental porque su obra resulta tan política y monumental que logran invertir el juego del coleccionista e introducirse en las tendencias mainstream

La principal paradoja de los artistas que forman parte de este universo visual es que aunque el valor de sus piezas alcanza precios estratosféricos - Koons es el segundo artista vivo con la obra más cara- la subversión ingeniosa de la lógica económica que sostiene su éxito es donde radica su genialidad al proponer un juego que en lugar de ofender al arte snob con esculturas que simulan baratos globos o personajes de caricaturas, desafía a los coleccionistas a que reevalúen sus nociones acerca de lo que puede, o no, ser arte. 

Lo mismo sucede con la obra de Keith Haring, cuya relación se equilibró entre las calles y las vitrinas,  ya que cuando su arte se volvió popular y económicamente inaccesible, abrió una boutique con obras al alcance de todos, convirtiéndose en uno de los pioneros en romper las barreras del arte y el producto. Este es otro paradigma de un contexto contemporáneo que ha desacralizado la figura del artista para convertirse en empresario, en respuesta a una lógica de mercado que ha entendido a la creatividad como una fuente de negocio. El arte ya no está peleado con el diseño y son posibles colaboraciones con marcas para crear productos con un valor agregado al ser intervenidos por los grandes artistas de nuestra época. Lo que para Warhol fue la serigrafía, hoy es el diseño de productos para los artistas neo-pop: un medio democratizador del arte.

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El neo-pop se alimenta de la saturación de imágenes publicitarias, el cine y la televisión como una crítica a la sociedad que las consume sin control. 

La diversidad de fuentes y materiales es también una clave para los artistas de este movimiento, como la artista francesa Dominique Fury, quien explora materiales poco convencionales como pinturas industriales, pieles y telas, para ensamblar y remezclar patrones e imágenes que extrae de fuentes como prensa, enciclopedias o anuncios publicitarios. Como en la obra de Fury, la saturación de imágenes es un estímulo visual para estos artistas que indagan en su significado pues al existir tantas fuentes como en la cultura contemporánea todo es posible. 

La categoría kitsch es también común para describir y categorizar el estilo neo-pop -debido a que se apropian de elementos con una supuesta inautenticidad estética considerados de "mal gusto"- como en el caso de Romero Britto, exponente neo-pop latinoamericano, en cuyas obras utiliza elementos que relacionamos con la felicidad y la esperanza, como corazones, flores y cachorros de animales. De una manera similar, la serie Celebration de Jeff Koons utiliza tulipanes, globos y juguetes inflables como exaltación de lo superfluo y de lo falsa que resulta la "felicidad" del mundo actual que nos vende un comercial. Mientras que en la obra del japonés Takashi Murakami, se trata de una estética híbrida entre el anime y la caricatura japonesa con críticas a la sociedad conservadora llena de tabúes, aunque su obra ha sido clasificada también como pop surrealista o superflat Murakami denuncia -como sus colegas neo-pop-  que la cultura local se estaba hundiendo lentamente en superficialidad y careciendo de profundidad. 

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La obra, la estética y el estilo de cada artista responde al concepto y discurso que manifiesta su postura ante el mundo, por eso aunque los críticos y especialistas los reúnan en un mismo movimiento, cada uno tiene particularidades que dependen de su formación, intención e incluso de su personalidad. Los neo-pop no son la excepción, pero si algo comparten es el deseo por alzar la voz ante un mundo que asegura poder vendernos la felicidad empacada en cualquier tamaño y color. Y ese es, quizás, el mayor engaño y desencanto de la cultura contemporánea. 

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Romero Britto, Urso Love Bear.

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Obras de Takashi Murakami en su exposición retrospectiva The Octopus Eats Its Own Leg en el MCA Museum of Contemporary Art Chicago.

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Dominique Fury, Coke, 2008.

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