Intentó suicidarse dos veces: cuando su madre falleció y cuando su padre la quiso casar con uno de sus amigos.
Louise Bourgeois vivió estos y otros acontecimientos amargos que condicionaron su arte oscuro, terrorífico y traumático. Todo ello es resultado de una vida sumida en la culpa y el miedo. Mucho miedo. A pesar de haber renegado una y otra vez de Freud y su obra, su arte se circunscribe como uno de los mayores ejemplos de lo que representa llevar a la materia todo el mar tumultuoso del inconsciente.
La artista vivió siempre bajo la protección (¿asfixiante?) de su madre, una especie de araña que con su tela construyó un nido en el que procuró el cuidado de Bourgeois y sus hermanos. Esta relación se vio reflejada en una de las obras más imponentes de la artista francesa, la titulada precisamente “Maman” (Mamá) (1999). Una araña de 22 toneladas y 10 metros de altura por 10 de diámetro que despliega unas enormes patas que parecen servir como barrotes para cualquier intruso que quiera hacer daño a sus crías. Debajo de su vientre se puede apreciar el espacio en el que carga a su descendencia enjaulada. Esta sobreprotección causó un profundo impacto en la mente de Bourgeois, quien se sentía sobrecogida al ver a su madre como un temible ser dispuesto a crear un cerco de siniestro amor alrededor suyo.
Su madre fue la que la llevó al estudio de las matemáticas. A su muerte, Louise Bourgeois abandona este hilo que las unía y es cuando se inicia en la exploración del arte. En ese momento comienza la desvinculación con la figura materna, aunque esta sombra jamás se desvanecería tal y como lo muestra la existencia de “Maman”.
Por otro lado, su padre es la otra parte definitoria de su vida y obra artística. Por él experimentaba el llamado complejo de Edipo, una relación de amor-odio hacia un hombre que dejó a su familia durante varios años por tener que acudir a la guerra. Louise Bourgeois experimentó el sentirse apartada de los pensamientos de un hombre que tenía la obligación de protegerla no sólo ante los peligros del mundo sino al mismo tiempo de esa gigantesca araña que la devoraba con sus cuidados extremos.
“La destrucción del padre” (1974) es la obra que mejor retrata el deseo de asesinar a un hombre que no sólo la dejó sino que también mantuvo relaciones extramaritales con la niñera que cuidó de Louise y sus hermanos. Era un sujeto promiscuo, hambriento de sexo, que constantememte aparecía con la cara manchada de lápiz labial por sus constantes aventuras con otras mujeres. Su esposa lo sabía y guardaba silencio al respecto. Como una araña que prefiere esconderse en un rincón oscuro porque le asusta el gigante que está allá afuera y que podría asesinarla en cualquier instante. Esa irresponsabilidad y mayúscula promiscuidad del padre se vieron reflejadas en la negación de dejarlo con vida. La obra se compone de una representación simbólica del padre presidiendo la mesa familiar en la que todos se disponen a comer: Louise Bourgeois, su madre y sus hermanos. Tras un momento de incómodo silencio, todos se arrojan al padre para terminar con él y desmembrarlo. Después lo devoran y la paz llega a sus vidas una vez que han quitado de en medio al ser al que aman y desprecian al mismo tiempo.
El crítico de arte Philip Larratt-Smith, dice: «El arte de Bourgeois permite comprender de un modo privilegiado la conexión entre el proceso creativo y su función catártica. En su conjunto, el arte y los escritos de Bourgeois representan una contribución original a la investigación psicoanalítica sobre la formación del símbolo, el inconsciente, la cura por la palabra, la historia familiar, la identificación materna y paterna, y el cuerpo fragmentado. A través de la exploración de materiales, formas y procesos escultóricos, Bourgeois encuentra equivalentes plásticos de los estados psicológicos y los mecanismos del miedo, la ambivalencia, la compulsión, la culpa, la agresión y el retraimiento».
Su mente, prolija e inquieta, al igual que oscura y atormentada, le llevó a recorrer los pasillos de la escritura y la poesía, en la que también se descubre la funesta carga de emociones dentro de su ser:
24 de abril de 1952
Mi madre me dejó atrás dos inviernos
invierno del 26-27 cuando fue a Pau
Yo quería escapar y salvar a la gente del mal. Trabajo deber deseo
todo ya. Y así durante años. Tenía 16 años de edad.
Mi padre nunca perteneció a la casa. Se sentía en el hotel des anges
con las tres niñas. y el maniquí en su cama.
La larga búsqueda de un padre que perteneciera a la casa. En St. Sulpice y St. Germain des Prés. Me siento en paz.
Sentimiento de culpa y necesidad de ser castigada o expiar. Incapaces de culpar a sus padres algunos niños aceptan la culpa como propia, y quieren pagar por ella. Si mi padre hubiese fracasado en su mal comportamiento, como pasa con los tontos borrachines, gustosos lo habríamos ayudado y sentido pena por él. Pero mi padre no era para compadecerse, él sentía placer, injustamente, y no pagaba por abandonar a su familia. Hasta puso a Dios de su lado, burlándose de la religión y al mismo tiempo predicando “honestidad”.
Y encima de todo estaba mi madre inocente que sufría, eran dos injusticias. Mi padre era un ejemplo de éxito en la familia, la comunidad. Fue recompensado tanto con placer como con renombre. Pierre no tuvo ni uno ni otro.
El sentido catártico de su obra y el alivio que representa deshacerse de la pesada carga emocional, se refleja en las siguientes palabras ofrecidas por la artista en entrevista a Donald Kusoit: «A veces, cuando termino de trabajar, veo que conseguí darle forma tangible a lo que quería expresar. Casi, casi, casi siempre lo consigo. Hay una tensión creciente que surge de mi encuentro físico con el material concreto. De esa tensión creciente, que siempre aparece, surge lo que quiero decir. De pronto uno interpreta esa tensión y consigue expresar lo que quiere. De pronto se produce una liberación total, como cuando te despiertas con hambre. Es una señal. Si tienes hambre es que lo lograste».
La artista que falleció a los 99 años en 2010 encarnaba la obsesión de regresar una y otra vez a los aspectos más dolorosos de su vida. Jamás pudo desprenderse de ellos, al contrario, se alimentaba de esa pena, del recuerdo maldito que hería su mente a diario. Louise vivió en una espiral que necesitaba para hacer arte, para ser mujer, para ser mente que creaba una pieza tras otra. Esto hace pensar que su deseo de acudir al psicoanálisis no era tanto para olvidar los traumas, sino para dimensionarlos de tal manera que continuaran presentes, al acecho de ella porque anhelaba sentir el castigo de su infancia y de toda su vida en un único presente. El dolor para sus manos, para su alma y para el aire que respiraba significaba vida. Ese dolor se tatuó en su rostro parecido al de una tela de araña vieja y carcomida.
Otras obras fundamentales para entender la obra y la mente de la artista son:
“Fragile Godess” (1970)
Esta inexacta escultura que se puede interpretar como un cuerpo femenino a la vez que como un pene con sus testículos es la unión de su obsesión con las figuras materna y paterna en un solo ser. Su repudio hacia ambas entidades, a la vez que un profundo amor, se refleja en el monstruo surgido de su imaginación.
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“Cell (eyes and mirrors)” (1989-1993)
Esta serie de instalaciones es una de las representaciones más firmes de la niñez de la artista: un espacio de encierro, claustrofóbico, limitado por la sobreprotección de la cual fue víctima y que, como ya hemos visto, definió gran parte de lo que fue y lo que hizo.
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“Spiral Woman” (2003)
De nueva cuenta nos encontramos ante una representación de lo femenino y lo masculino en una sola pieza. Sólo que aquí se profundiza en otra noción de su niñez: «Es una torcedura, cuando era niña, después de lavar los tapices en el río, me volvía, los retorcía y los sonaba. Más tarde soñaría con la amante de mi padre… lo haría en mis sueños retorciéndole el cuello. Me encanta la espiral, representa el control y la libertad».
¿Acaso hay alguien en este mundo que se libre de cargar con traumas del pasado, con imágenes que se han quedado alojadas en la memoria para recordarle una vez y otra que la vida es una cinta de horror surrealista? Louise Bourgeois es la muestra de que los miedos son espejos infinitos condenados a reflejar los monstruos de cada persona viva. Estos miedos pueden ser arañas o bien tratarse de palabras que nos insultan, sonidos que nos ensordecen con su cacofonía, parajes sembrados de cosas fétidas y hambrientas que buscan nuestra alma para saciar su apetito.
«Tenía sus problemas sicológicos, claro, mucha ansiedad, temores, miedos, depresiones y un gran sentimiento de culpabilidad por no ser buena madre… pero sabía que el arte le ayudaba a sobrevivir, todo su proceso creativo, no sólo las celdas, eran una terapia», afirma Jerry Gorovoy, asistente personal de Louise Bourgeois durante 30 años.
Tras la muerte de sus padre, en 1951, la artista comenzó a refugiarse en la lectura de autores como Sigmund Freud, Erik Erikson, Anna Freud, Melanie Klein, Heinz Kohut, Susanne Langer, Otto Rank, Wilhelm Reich y Wilhelm Steke. Además inició terapias de psicoanálisis con el doctor Leonard Cammer y más tarde con Henry Lowenfeld.
«El arte es una garantía de cordura», relató alguna vez Louise Bourgeois, palabras que declaran su firme intención de alojar su mente en el arte como una vía de sanación con su pasado y sus horrores internos. Pese a huir de Freud y sus teorías del psicoanálisis es claro que encarna a la artista que explora y materializa sus miedos. Psicoanálisis hecho araña, miedo y oscuridad.
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Una vez que te has adentrado en la obra de una de las artistas que definieron el rumbo del arte en los últimos años, estos son los nombres de obras que debes conocer para mantener una plática básica sobre arte; te invitamos a rendir tributo a las mujeres que merecen ser recordadas por su arte.
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Fuentes
El País
Universidad de Palermo
El Cultural
La Hornacina
Proa Exhibiciones
The Guardian
