8 oscuras obras de arte pop que hablan sobre muerte, decadencia y consumo
Arte

8 oscuras obras de arte pop que hablan sobre muerte, decadencia y consumo

Avatar of Eduardo Limón

Por: Eduardo Limón

7 de junio, 2017

Arte 8 oscuras obras de arte pop que hablan sobre muerte, decadencia y consumo
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Por: Eduardo Limón

7 de junio, 2017



«En el futuro, todo el mundo será famoso durante quince minutos», es quizás una de las frases más trivializadas en toda nuestra historia. Cuando Andy Warhol la enunció por vez primera muchos creyeron que era un capricho superfluo y falto de información, justo como parecían serlo el resto de sus trabajos ante el ojo poco atento o realmente alejado del arte contemporáneo. Y no sólo del arte, sino de la política y el curso narrativo de la humanidad. Sin notarlo a tiempo –mas que alguno que otro filósofo o crítico de verdad sumergidos en el paradigma que tenían al frente–, esta opinión que aparecía vaga, sin sentido, era de hecho una sentencia oscura sobre el futuro de la especie que nos abraza. Era la descripción exacta sobre nuestra perdición en el hondo fango de la utopía bella.

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Todas sus ideas, no sólo la del lapso de celebridad, sino de aquellas que se atravesaban por los conceptos de mismo origen y consecuencia, como el de artista-máquina, estudio-fábrica, arte-trabajo, etcétera, fueron dictadas con el mismo tenor: el registro obsesivo y de ruptura en torno a la fascinación, la enajenación, el desastre, los impulsos banales, el narcisismo y la plasticidad en una historia que no parecía contar nuestro contexto mas que en sentido de farándula y entretenimiento. Es decir, con un vuelco de perspectiva hacia la manera en cómo consumimos la noticia y la imagen, Warhol logró dar vestigio posthistórico de la oscuridad que se nos abría y la muerte lenta pero asombrosa que nos aguardaba.

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Hoy, que explotan las redes sociales y las enajenaciones adquisitivas pueden más que la fotografía del desastre –aunque ésta se ha convertido en un espectáculo a su vez–, que los medios son más relevantes que la realidad misma, vale la pena, totalmente, que revisitemos nuestros movimientos en y desde las herramientas de comunicación y estética el legado de Andy Warhol y lo que tenía por decir más allá de la vulgarización en sus palabras. Merecen, entonces, toda nuestra atención aquellas producciones que exponen el arrojo caníbal de la sociedad, del consumo, y nos hacen reflexionar sobre nuestro entorno y sus consecuencias sombrías, sus exigencias umbrosas.

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Por ejemplo, en “Sixteen Jackies” (1964) el contexto posthomicidio de JFK posibilitó que Warhol extendiera todavía más la imagen de la viuda en una suerte de before and after, que anunciaba la yuxtaposición de esperanza y desencanto en la sociedad norteamericana. Con esta evolución de Onassis se vaticinó una nueva era de espectáculos con la noticia de 24 hrs como soporte.

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Bajo la misma línea se realizó “Silver Liz as Cleopatra” (1963), resultado del bombardeo televisivo y editorial cuando ella estaba muy enferma y todos aseguraban su pronta muerte, mientras rodaba el filme de la aristócrata egipcia. Retomadas de la revista Life, estas fotos muestran a Elizabeth Taylor como esa deidad que ya se prefiere en el panteón en vez de la atmósfera, con tal de hacerla aún más mítica.

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En su colección alguna vez titulada “Death in America” (1963), Warhol toma al desastre como un concepto central en su trabajo para ligar a la fama y la tragedia en un mismo hilo. Accidentes, suicidios, disturbios, condenas penitenciarias y asesinatos marcan otra faz de lo que significa tener tus minutos de fama en el futuro. No importa cómo, no importa si en estado de cadáver, aparecerás en la visibilidad pública.

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En estas réplicas, como en “Orange Disaster” (1963) y “Gangster Funeral” (1963), se arroja lo inaudible, lo casi imperceptible, el proceso en que nuestra cultura nos consume y, por ende, nos depredamos unos a otros.

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Mao” (1973) es un retrato que contrapone a las dos revoluciones culturales en el mundo, Occidente VS Oriente, que convergen en un mismo fin: el trauma de una sociedad que devora a los dirigentes para hacerlos estrella y perpetrar esa muerte que tanto idolatramos.

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Most Wanted Men” (1964) es un perspectiva de celebridad que se otorga a mugshots y retratos hablados que se serigrafiaron en su mayoría sobre lino; convertir al asesino serial en una obra de reivindicación es una de las etapas más oscuras en el timeline Warhol, la cual desenvuelve posibilidades de disfrute trágico que de otra forma nos sería imposible advertir.

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Por último, la Marilyn de Warhol, que no obtuvo su mayor aura monstruosa sino hasta “Marilyn Monroe in Black and White” (1962), amalgama de mujeres-fetiche que se degradan, desfallecen en su impresión una a una, para dar esa sensación de filme quemado y la estrella que se convierte en leyenda.

obras de arte pop marilyn black and white

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Tener 15 minutos de fama no es sólo tener 15 minutos de fama, no es la trivialidad de aparecer en una revista del corazón con ese espíritu cheesy que se cree al escuchar esa enunciación, no es el presagio inexacto del reality show; al contrario, es el reconocimiento –muy reflexionado– sobre el devoramiento de cultura que en realidad se vuelve un consumo descarnado. 

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Fuentes:
Andy Warhol: Estrella Oscura. Catálogo de exposición en México.
"Más allá de la Caja Brillo" (2003), Arthur Danto


Referencias: