Pinturas que demuestran cómo se siente vivir con depresión e intentar superarla todos los días
Arte

Pinturas que demuestran cómo se siente vivir con depresión e intentar superarla todos los días

Avatar of Olympia Villagrán

Por: Olympia Villagrán

11 de junio, 2016

Arte Pinturas que demuestran cómo se siente vivir con depresión e intentar superarla todos los días
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Por: Olympia Villagrán

11 de junio, 2016



Pareciera que la sombra de la creatividad se conforma de una mezcla de locura, un abismo de depresión y una genialidad ansiosa, pues muchos artistas, pintores en especial, sufrieron enfermedades mentales y/o emocionales a lo largo de su carrera.

Como si fuera un mal sueño, el tormento, la confusión y un sinfín de trastornos que plasmaban en muchos de sus cuadros, fueron los protagonistas, no sólo de su arte, sino del resto de su vida. Y aunque no todos sufrían de alucinaciones, trastornos de bipolaridad, esquizofrenia o episodios de ansiedad, la mayoría de estos particulares artistas expresaba en cada trazo lo que su mente no podía contener más.

De hecho, alguno autores de obras que trascendieron dentro de la historia del arte asumen sus enfermedades como parte de esa fuente de la que beben para convertir todas sus pinturas en algo inigualable, pues como Munch escribió en sus diario: "Mi temor a la vida es necesario para mí, como lo es mi enfermedad. Son indistinguibles de mí y su destrucción destruiría mi arte", puede que la sanación de estas mentes inquietas y un tanto desequilibradas significara la extinción de su éxito como artistas.


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Mark Rothko - (Sin nombre)

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La vida de este genio del arte estuvo llena de contradicciones y paradojas; sin mayor preámbulo, Rothko fue un autor que conforme aumentaba su éxito en el mundo artístico, también incrementaban las muestras de una depresión que acabaría por llevarle al suicidio.

A pesar de su trágica muerte, Rothko se distinguió desde los inicios de su carrera como un artista expresionista y abstracto inigualable. Muchos adjudican su primer cuadro depresivo al divorcio del pintor, pues aunque contrajo matrimonio una segunda vez, de la mano de ese compromiso vinieron una serie de cambios para el artista que lo orillaron a retraerse en una de sus últimas etapas como pintor. 

Justo cuando comenzó a pintar y popularizar las obras más representativas de la etapa multiforme de su arte, la cual se caracterizaba por líneas o bloques de color casi siempre rectas de forma vertical u horizontal, fue el momento en que Rothko comenzó a retraerse, no sólo del mundo artístico, sino de la vida misma. Parecía que el expresionista había decidido callar para siempre, consecuencia de las patologías psicológicas que en ese momento ya habían alcanzado un nivel importante, las cuales connotaban tragedia, éxtasis, fatalidad, entre otros los elementos que el pintor expresaba en sus cuadros.

Pero no fue hasta mitad de los 50 que sus cuadros comenzaron a tornarse más oscuros, haciéndose presentes el gris, el negro, el azul y el marrón en casi todas sus obras. Y junto con la oscuridad, las obras del pintor se transformaron en monocromáticas, siendo ese el último anuncio que nos dejaría Rothko, antes de suicidarse.


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Joan Miró - 'El carnaval del arlequín'

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*7 cosas que debes saber para poder diferenciar a Miró y Kandinsky



Miró fue una persona señalada por una tendencia depresiva constante, que lo llevó de un lado a otro entre situaciones psicópatas, oscilaciones de depresión y periodos alternados de productividad exitosa e inactividad irrevocable.

Las obras de este pintor son un simbolismo de la depresión que el grabador, escultor, ceramista y escenógrafo proyectaba en su trabajo. Con una sensible percepción para fragmentar la realidad y montarla en un cuadro fue como comenzó su carrera, la cual ya estaba llena de dudas y ansiedad debido al trágico temperamento del artista. Desde muy joven mostró eventos o reacciones anormales a situaciones que le provocaban una extrema tristeza o desesperación, por ejemplo, cuando su padre lo obligó a trabajar en una droguería para alejarlo de la pintura.

Las etapas artísticas de Miró están muy bien definidas por las mismas épocas, en las que su creatividad se paralizaba a causa de la misma depresión y por otras temporadas en las que el artista plástico completó hasta 130 pinturas en menos de dos años. Es impresionante admirar cómo el trabajo de Miró transmite su estado de ánimo, infestado de un vacío y una angustia ilustrada con distintos detalles en cada elemento de sus cuadros.

Para un artista como él, el dolor siempre iba de la mano con el placer y a pesar de haber tenido una vida muy dura y llena de soledad, encontró en el simbolismo, una pequeña válvula de escape con la que alcanzó un éxito del que también desconfiaba. 


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Jackson Pollock - "Blue Poles"

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Conocido como el pintor que hizo del caos una obra de arte, este alcohólico empedernido y extraordinario artista murió al estrellarse contra un árbol a metros de su casa.
Fue un pintor maravilloso que le debe mucho a su originalidad, pues utilizando una técnica de pintura que casi nadie más había experimentado hasta mediados de los 40, logró pintar cuadros antitradicionales que se caracterizaban por una estructura de pensamiento supercompleja, la cual venía de esa locura que el artista siempre demostró.

La extraña manera en que Pollock pintaba a través del dripping se convirtió más que en una obra, en una declaración en todos sus cuadros. Para él, la única manera de concentrarse en su trabajo era dejando que el inconsciente tomara su cuerpo y pintara por él, tal vez por eso su estilo parecía algo inesperado y fuerte a la vez, idéntico al tipo de vida que llevaba.

Se caracterizó por tener una polémica historia de angustia, depresión, alcoholismo y un desenfrenado impulso que lo llevaba a siempre actuar de manera espontánea, tanto en la vida como en el arte.


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Paul Gauguin - "El Cristo amarillo"

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Los experimentos sobre el color y el conjunto influyeron en el éxito de las pinturas del postimpresionista. A pesar de llevar una aparente vida tranquila con su esposa y sus cinco hijos, al igual que Van Gogh, el artista también experimentó ataques de depresión que lo llevaron a varios intentos de suicidio.

Los rumores hablan de que Gauguin estaba decepcionado del Impresionismo, por lo que buscó nuevas formas y simbolismos que enmarcaran su propio arte. Harto de la miseria y el poco reconocimiento que su trabajo tenía en ese entonces, viajó a Tahití, en donde además de pintar se metió en una serie de problemas que lo encerraron en prisión.

En 1903 el artista murió a consecuencia de una sífilis y su débil voluntad, afligida por una vida acompañada de alcohol, la soledad y una gran decepción.


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Edgar Degas - "Los bebedores de absenta"

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Pocos artistas demostraron tantas contradicciones en su obras como Degas, quien desde pequeño era más que apegado a su madre, por lo que su muerte debió haberle afectado en demasía. Cuando decidió, desde muy joven, dedicarse al arte, comenzó a ser influenciado por otros artistas como Gustave Moreau.

El impresionista también fue influenciado, en gran medida, por la danza, tema que vemos reflejado en muchos de sus cuadros iniciales, pues la complejidad psicológica de su obra fue tornándose oscura al pasar de los años debido a una serie de temas que agobiaban al autor, como la crisis económica de su familia, el fallecimiento de su padre y la mala reputación que el pintor se había ganado hasta el momento.

Pero nada fue más traumático para el artista que la pérdida progresiva de la visión, la cual le impidió y dificultó terminar muchas de sus obras, razón por la cual comunicaba en sus pinturas una percepción distinta a la realidad, un mundo alterado que para él se trataba más bien de un mundo interior, perspectiva que para cualquier médico tendría el nombre de esquizofrenia o alteraciones mentales debido a una profunda depresión.


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Francisco de Goya - "Viejas comiendo sopa"

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El gran motivo por el que la obra de Goya revelaba tantos cambios fue la enfermedad que el artista sufrió y de la que no se tiene un dato certero del diagnóstico, acompañada de una depresión en toda la extensión de la palabra, que se exteriorizaba a través de la mutación de sus pinturas.

Los cuadros de Goya se caracterizan por sus temas catastróficos, colores negros, ocres y rojos, símbolos de la violencia, una perspectiva desorganizada y figuras humanas deformes, toda esta compilación atormentada fue la que diagnosticó a Goya como un cautivo de la enfermedad depresiva. Gracias a ésta pintó obras mundialmente reconocidas, que más que enigmas artísticos, resultaron una prueba ferviente de sus desórdenes mentales.

Francisco de Goya mostró las distintas etapas de su locura en segmentados estilos artísticos, primero comenzó con pinturas borrascosas, llenas de luz y muy complicadas; estas formas en sus cuadros connotaban un infantilismo en el pintor, poco a poco, su depresión se concatenó con monstruosas figuras que desataban la crisis psicológica que atravesaba la mente del autor.


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Edvard Munch - "El grito"

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Secretos que no sabías sobre los mejores cuadros de van Gogh


Se ha especulado bastante sobre la supuesta esquizofrenia que padecía el pintor expresionista, aunque el diagnóstico final arrojó una depresión caracterizada por su introversión fundamentada en los excesos alcohólicos y su continuo acercamiento con la muerte, pues vio fallecer a su madre y hermanas. 

La obra más celebre del pintor noruego es "El grito", de la cual se extraen la pruebas más veraces sobre lo que pasaba por la mente del artista, una melancolía incontrolable, un cansancio insoportable, una desesperación alimentada por el miedo y un grito ansioso. Pruebas contundentes de cómo Munch retrataba en sus cuadros cada recaída en la depresión, misma que lo acompañó casi toda su vida.


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Vincent van Gogh - "Anciano en pena"

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Uno de los artistas más cotizados a nivel mundial fue el holandés van Gogh, además de su trabajo, su polémica vida lo posicionó como uno de los pintores con más problemas a nivel psiquiátrico.

La esquizofrenia y el trastorno bipolar fueron las dos razones por las que el pintor entró en un cuadro maníaco-depresivo del que le fue imposible salir, pues todos estos desórdenes convertían los días del pintor en momentos de alucinaciones, tanto de voces como de visiones, episodios de una epilepsia psicomotora que lo confundía hasta el grado de la amnesia y una psicosis que alteraba su capacidad creadora.

El encanto de este artista, radicó en que algunos de sus cuadros, y de hecho los más famosos, fueron pintados cuando estaba en la fase más aguda de su enfermedad, mientras se encontraba internado en el manicomio de Saint-Rémy.


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La lucha personal de cada uno de estos artistas aún resuena en el legado artístico que le entregaron a la humanidad, dando lugar a la creencia de que los artistas son más susceptibles a una serie de enfermedades mentales, incluidas el trastorno bipolar y la esquizofrenia. Hoy en día, varias investigaciones sugieren que hay algo de verdad en esa suposición, la cual giraría en torno a la afirmación de que la locura puede acechar, donde reside la creatividad.

Como ellos, existen mucho pintores que de forma consciente o inconsciente representaron los rostros desfigurados de sus patologías mentales en su arte, por ejemplo, El pintor mexicano que retrató los rostros de la locura en La Castañeda o el drástico cambio de El hombre que se hartó de pintar paisajes soleados y decidió pintar la locura de su mente.

 

 


Referencias: