20 preguntas sobre arte que todos se hacen pero sólo un experto conoce la respuesta
Arte

20 preguntas sobre arte que todos se hacen pero sólo un experto conoce la respuesta

Avatar of Rodrigo Ayala Cárdenas

Por: Rodrigo Ayala Cárdenas

17 de agosto, 2017

Arte 20 preguntas sobre arte que todos se hacen pero sólo un experto conoce la respuesta
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Por: Rodrigo Ayala Cárdenas

17 de agosto, 2017


¿Cuándo estudiabas te gustaban los exámenes? ¿Eras de los que rezaban para que jamás llegara la hora en que te tenías que enfrentar a los horribles cuestionarios que otros resolvían con rapidez mientras tú te quebrabas la cabeza con la primera pregunta? O por el contrario, ¿amabas poner a prueba tus conocimientos ya fuera en una materia de ciencias o humanidades?


Si sufrías al resolver un examen no era porque no tuvieras la capacidad de hacerlo, sino porque simplemente no te gustaba la materia. Es así de sencillo. En cambio, si ahora estás leyendo esta introducción es porque seguramente te fascina el arte en todas sus manifestaciones, épocas y tendencias y quieres comprobar tus conocimientos acerca de ello o por lo menos hacer reflexiones en torno a él. Haz dejado de temer a las preguntas porque disfrutas poner a prueba tu sabiduría en un terreno que dominas.


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1. ¿Qué es el arte?

Podría parecer estúpido pero el arte es indefinible. Para hacerlo hay que revisar su historia y repercusión a nivel social para entender sus alcances y sentido. Sólo así se puede entender lo que hay detrás de él. Paul Valéry lo descubre muy bien de la siguiente manera: «Si un pájaro supiera explicar lo que canta, por qué y cómo canta, dejaría de cantar».


2. ¿Cómo era el proceso de creación de los artistas del Renacimiento?

Primero pintaban el contorno de las figuras, después hacían las sombras y, por último, rellenaban los espacios en blanco. Esta técnica culminó con el comienzo del Barroco.


3. ¿Cómo lograba Caravaggio plasmar de manera tan real la luz en sus cuadros?

Pintaba en una especie de cuarto oscuro en el que hacía pequeños agujeros en el techo que dejaran pasar la luz. Ésta se reflejaba en sus modelos y Caravaggio hacía un bosquejo de ellos. Así es como lograba captar la luz sobre las personas de manera tan real, casi con una técnica fotográfica.


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4. ¿Quién son considerados los padres del arte moderno?

Algunos mencionan a Henri Matisse y otros a Paul Cézanne como los padres del arte moderno. El primero, líder del fauvismo, practicó un estilo nunca antes visto hasta aquel entonces, donde destacaba una gran explosión del color y la deformación de los objetos. Cézanne afirmaba que el artista tenía la misión de hallar en la naturaleza la presencia del cono, el cilindro y la esfera para así demostrar la presencia de la geometría en todos los seres vivos. Ambos dieron la pauta para el arte no figurativo y la experimentación.


5. ¿Cuáles son las distancias en las que un cuadro debe causar una buena impresión sensorial en quien la observa?

Para que una pintura sea considerada de "buena manufactura" y de "alta calidad" debe causar una satisfacción sensorial tanto a una distancia de 3 metros como de 30 centímetros. Si esta prueba es superada, el artista se puede considerar que ha hecho una buena tarea. 


6. ¿Es válido que un artista reciba ayuda para la creación de sus obras?

Desde el Renacimiento muchos artistas trabajaban con aprendices que se convertían en ayudantes para sus obras. La ayuda de terceros no es algo nuevo en la historia del arte. El pintor barroco Rubens también tenía ayudantes que le apoyaban en la ejecución de sus trabajos. En la actualidad, Mark Kostabi tiene un grupo de creativos y ejecutantes a su cargo que le dan vida a su obra artística sin que él se manche las manos. Es una herramienta que siempre ha formado parte de creación.


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7. ¿El arte cubre una necesidad básica en la vida de los seres humanos?

En realidad no. Sin embargo, es una expresión necesaria que otorga una personalidad individual y colectiva a una persona o sociedad. De esa manera se crea una identidad para la posteridad.


8. ¿Cuáles son las directrices principales del happening?

La interacción entre la obra y el espectador de manera activa, complementándose con otros elementos como la danza y la música. Podríamos decir que es un “todo artístico” reunido en un solo lugar y momento.


9. ¿Al op-art le falta una “p”?

No, es algo diferente al pop art. Se refiere al tipo de arte que se basa en los principios de la óptica, las percepciones y las vibraciones del color. Victor Vasarely, el español Francisco Sobrino, el alemán Joseph Albers y los franceses Ivaral, Joel Stein y François Molleret son las principales figuras del op-art.


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10. ¿Son necesarios los críticos de arte para valorar una pieza?

Una vez hecho, el arte se construye por la exposición pública y el juicio de los espectadores, por lo que es casi natural que la crítica y la discusión comiencen hacia la obra de un creador. Podríamos afirmar que la presencia de un crítico la provoca el artista mismo en el instante en que decide exponer su obra a los ojos de un grupo de personas.  


11. ¿En qué momento un artista debe cobrar por su obra?

Son varios los elementos a considerar: ¿La obra tiene un numeroso grupo de seguidores? ¿La obra es única y distinguible entre muchas otras? ¿Ha recibido evaluaciones positivas de parte de críticos especializados? ¿Las personas han manifestado el deseo de tener en su colección o galería una pieza del artista? ¿La obra ha sido expuesta en galerías o museos de manera constante y por tiempo prolongado? Si la respuesta a las preguntas es sí, entonces el artista puede comenzar a lucrar con la realización de su producción.


12. ¿Qué pasa si no se entiende una obra de arte?

De manera general y práctica, nada. Ninguna persona ha muerto por no entender una obra de arte. Sin embargo, no hacerlo equivale a tener una conversación donde no se ha entendido el mensaje entre interlocutores.


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13. ¿El arte es totalmente subjetivo?

Los expertos señalan que ningún arte nace completamente del yo, si bien termina siendo el último filtro para la creación de una obra. Fuentes familiares, afectivas, sociales e incluso históricas conforman el agua de la cual bebe un artista para llevar a cabo una obra con su propia visión. Es decir, una obra se compone de las visiones ajenas y personales de un creador. La subjetividad al final se encarga de moldear nuestra visión del mundo.


14. ¿Una falsificación puede ser considerada una obra de arte?

¡Jamás! Es como si se debatiera acerca de si tu clon y tú son la misma persona. Tú eres único y el clon es simplemente una copia desprendida de ti. Lo mismo pasa con una pintura: la primera en haberse creado, con todos los sentimientos del artista de por medio, es la auténtica obra.


15. Si un artista hace una sola pintura en su vida y después se dedica a otra actividad, ¿puede ser considerado un pintor?

Si dicha obra alcanzó fama y reconocimiento, sí. No importa la cantidad sino la calidad y la trascendencia obtenida.


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16. Para que un artista sea considerado artista, ¿debe tener éxito?

El éxito no es sinónimo de calidad. Quizá haya un artista muy bueno que no haya obtenido el reconocimiento porque jamás quiso exponer su obra o lo hizo en círculos muy reducidos. En cambio, un artista menor con una gran exposición mediática puede obtener un reconocimiento total sin ser la mitad de bueno en comparación al otro. En todo caso, hablaríamos de artistas famosos o desconocidos.


17. ¿La curaduría es una especie de arte?

Es una herramienta para que el arte se conserve en estado óptimo. El curador, sin embargo, debe tener conocimientos de arte y la capacidad de llevarlo a cabo para hacer un trabajo adecuada. Un técnico de sonido no es un músico propiamente dicho pero debe saber de música para ejercer su actividad con calidad. El curador es el encargado de que una obra tenga voz propia y sea capaz de ofrecer un discurso claro.


18. ¿Cuál es la función del arte?

Ello depende de su etapa histórica. Por ejemplo, el arte rupestre tenía una función mágica, en el Renacimiento la intención de parte del artista era demostrar su habilidad como creador y el dominio de una técnica. Los impresionistas buscaban captar toda la esencia de la luz y después cumplió una función más subjetiva y personal en el expresionismo. Es decir, cada época ha ofrecido su propósito particular, lo cual ha ido moldeando la función del arte. El arte contemporáneo intenta fungir como herramienta de crítica social o como una provocación a las buenas costumbres. Incluso existen ciertos artistas que no buscan otro objetivo más que vender. El fin del arte se ha vuelto un tanto difuso, debido a que existen muchos artes, visiones y objetivos de parte de cada creador.


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19. ¿Cómo sé que estoy viendo una obra de arte y no cualquier otra cosa que pretende serlo?

Todo se reduce a algo muy básico: depende de la intencionalidad del artista. No importan los códigos estéticos y mucho menos provocar una reacción en los sentidos del espectador para que alcance el estatus de obra de arte.


20. ¿Es necesario estudiar en una escuela de arte para aprender a hacer arte?

No necesariamente, sin embargo, la formación dentro de las aulas puede proporcionar grandes ventajas respecto a los que lo hacen de manera autodidacta, pues el intercambio de ideas entre colegas puede ser un aliciente para descubrir nuevos métodos.


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Quien piense que ya lo sabe todo acerca del arte puede que esté por completo equivocado. Es como si dijéramos que un astrónomo lo ha descubierto todo acerca del Universo: imposible. Para dar un buen paso al respecto, debes conocer los 9 conceptos del arte para comprender el siglo XXI y los 30 pintores clave para entender la historia del arte cuya vida y obra te harán estar más cerca de un conocimiento pleno de las principales corrientes del arte.


Bibliografía:

White, Kit. 101 cosas que aprendí en la escuela de arte. Editorial Gustavo Gili, 2014



Referencias: