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Cine monocromático: la belleza del blanco y negro

Cine Cine monocromático: la belleza del blanco y negro


El color es parte esencial del arte, ha estado en las obras desde hace miles de años y la expresión y simbolismo de cada color pueden tener un gran significado. El cine comenzó como una secuencia de fotogramas sin color, la realidad estaba atrapada y se podía reproducir cuantas veces quisieran, pero la tecnología de finales del siglo XIX y principios del XX no era suficientemente buena para poder reproducir el color real de las cosas.

  Llegada del tren Lumiere


Con el tiempo la practica mejoró y el color llegó a las salas de cine, pero ciertos directores han prescindido del circulo cromático para concentrarse en la escala de grises. Sin duda el formato monocromático en las películas da una carga diferente, las hace atemporales y el lenguaje visual juega un papel mucho más importante, la fotografía debe ser mucho más cuidada y las sombras se convierten en protagonistas.

 
Frances Ha peliculas blanco y negro


Son muchos los directores que han optado por grabar sus cintas con el color original del cine, ese que no nos pertenece sino que hace de nuestra realidad poesía visual que evoca sentimientos nostálgicos y artísticos. Entre estas grandes obras se encuentran películas cómo Dead man de Jim Jim Jarsmuch, The man who wasn`t there de los hermanos Cohen o Frances Ha de Noah Baumbach; pero estas películas mostradas a continuación han logrado capturar la atención de la critica por su buen uso de un recurso narrativo tan poco usado como la monocromía.

 

La Haine – Mathieu Kassovitz (1995)

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Esta película retrata la cruda realidad de la vida en los suburbios franceses de hace veinte años. Con la actuación de un joven Vincent Cassel, quien siempre ha demostrado tener talento para retratar personajes que poco a poco van perdiendo la cordura, esta cinta lo muestra la relación de su personaje y otros dos amigos que tienen problemas con la justicia, otras bandas y más. El personaje de Cassel,  quien después de obtener una pistola ilegalmente decide que si un amigo suyo muere en el hospital debido a la agresión policiaca, hará justicia con sus propias manos matando a otro policía.


El caballo de Turín –
Béla Tarr (2011)

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Con una excepcional fotografía en blanco y negro, el director Béla Tarr dejó esta cinta como su testamento cinematográfico. El mito en el que Nietzsche se derrumbó tras ver cómo un hombre lastimaba a su caballo es el inicio de esta película contemplativa que si bien no es una cinta fácil que se puede ver con distracciones, si hace justicia a la experiencia del director y su experto manejo de estos dos colores.

 

The Artist – Michel Hazanavicius (2011)

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2011 pareció ser el año en el que la nostalgia por el cine atrapó a los realizadores. Durante este año la competencia por los mejores premios a la realización cinematográfica estaban peleados por la cinta Hugo de Martin Scorsese en la que hace un brillante homenaje a los hermanos Lumiere y en especial al mago del cine George Méliès y la cinta que se encuentra en esta cinta, la cual toca el tema del cine mudo y su transición al sonoro. En esta cinta una estrella de cine mudo ve su vida cambiar cuando deja de ser indispensable para las productoras cinematográficas. Conservando la sonoridad del cine mudo, la película no contiene nada más que música y fue filmada en blanco y negro para continuar con el espíritu del momento.

 

Temporada de patos – Fernando Eimbcke (2004)

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Este filme independiente fue rodado casi en su totalidad en un departamento, por lo que el director decició que se filmara en blanco y negro debido a que la repetición de locaciones haría que los colores comenzaran a incomodar al espectador. Sin embargo, esta cinta no solo entra en la lista debido a ese cambio casual, sino porque el blanco y negro ilustran a la perfección el sentimiento de la película, creando una bella secuencia cinematográfica que retrata la juventud de la época.

 

Schindler´s list – Steven Spielberg (1993)

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La Segunda Guerra Mundial es una de las más importantes épocas retratadas en el cine a nivel mundial, y está película de Spielberg ha sido una de las más famosas. El blanco y negro que Spielberg solo rompe una vez es suficiente para justificar toda la película. Con tomas tradicionales del cine mezcladas con la compleja producción con la que el director suele usar en sus películas esta cinta es un espectáculo visual con una de las historias más emotivas del cine.

 

Raging Bull – Martin Scorsese (1980)

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Es poco lo que Scorsese ha hecho mal en su carrera, y Raging Bull es un claro ejemplo que el director suele saber lo que hace. La historia del boxeador Jake Lamotta a través de los años no solo fue aplaudida por la actuación que le valió un premio de la academia a DeNiro, también fue el brillante uso del formato monocromático en la cinta. Esta cinta no solo es considerada la mejor cinta del director, también es un referente indispensable en la cinematografía estadounidense.

 

Güeros – Alonso Ruizpalacios (2014)

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La ultima cinta en ganar el premio Ariel a mejor película, el blanco y negro ayudan a darle ese sentimiento de atemporalidad a la historia que si bien podría transcurrir en la huelga de la UNAM de 1999, parece no centrarse en ningún tiempo. Por otra parte, este formato permitió abordar un tema central de la película desde un punto de vista meramente visual, el aburrimiento. La sensación de no tener nada que hacer, la pasividad de los personajes se funde perfectamente con el color de la película, combinado con la magistral fotografía de Damian García, esta cinta explota al máximo su potencial.

 


Pi –
Darren Aronofsky (1998)

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La opera prima del famoso realizador que suele se considerado entre unos director de cine de arte y entre otros director de cine comercial, esta obra demuestra porqué. Con una historia confusa en la que un hombre con una asombrosa capacidad matemática comienza a meterse con la bolsa de valores estadounidense, y cegado por su creencia de que todo puede ser entendido por medio de los números pronto se ve atrapado en una persecución cuando hace un descubrimiento más allá de lo que le corresponde. La cinta no solo emplea el blanco y negro, las imágenes distorsionadas y el cambio de grano en la cinta parecen mostrar la mente del protagonista.

 

 

Sin City – Robert Rodríguez (2005)

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Una de las producciones más famosas de Robert Rodríguez está basada en la novela gráfica de Frank Miller que también hace uso de la tinta negra para mostrar una bidimensionalidad bastante profunda en sus personajes. Las historias de una ciudad peligrosa son el escenario en el que el director explora no solo el formato del blanco y negro sino también crea una especie de cómic animado en el que transcurren las historias.

 

 

Manhattan – Woody Allen (1979)

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Con esta película que Woody Allen pidió que no se exhibiera debido a que la consideraba un fracaso, se ganó a la critica de una vez por todas. La cinta fue aclamada internacionalmente debido al trabajo fotográfico en manos de Gordon Willis, quien dio a Nueva York un aspecto romántico, nostálgico y bastante emocional debido a que Allen le dijo que así es cómo el recordaba el Nueva York en el que creció. La musicalización de George Gershwin es otro de los factores inolvidables en está cinta junto con el obvio trabajo de Woody Allen en la dirección.

 


Referencias: