Cine indie, o independiente, son aquellas cintas que han sido producidas fuera de los grandes estudios cinematográficos, generalmente con un bajo presupuesto. El propósito de las películas indie no es ser un éxito taquillero, aunque muchas de ellas, sin quererlo, lo han logrado. Los directores, productores, guionistas y actores que participan en estos filmes tienen la libertad de tomar decisiones que en el cine comercial normalmente no se harían por cuestiones comerciales. El amor al arte es lo que los lleva a romper el molde y tomarse todas las libertades resultando en ocasiones en obras verdaderamente revolucionarias e importantes para la historia del cine.
Los años 90 han sido la época de oro para el cine independiente, y es por eso que en esta compilación se mencionan varias películas de esa década. Sin embargo, a partir de entonces también se han producido muchas joyas del género que si bien, quizá algunos de nuestros lectores podrían no estar de acuerdo, la selección va más allá del gusto personal y se enfoca en su relevancia y aportaciones que tuvo al séptimo arte.
“Reservoir Dogs”, (1992), Quentin Tarantino
Esta cinta fue un tremendo éxito y una de las razones es la cronología fracturada con que Tarantino maneja la historia, además de romper por completo la idea que se tiene acerca de los grupos criminales, presentándolos como personas comunes y corrientes que bromean, consumen comida rápida y discuten sobre Madonna. La película causó gran controversia en su momento y fue considerada por algunos como perturbadora y racista.
“Mulholland Drive”, (2001), David Lynch
Este filme es considerado como un rompecabezas imposible de resolver, incluso las ‘pistas’ que Lynch ha dado a la audiencia para decodificarlo parecen más bien una mala broma. De hecho, se ha negado a ofrecer una explicación clara acerca de sus intenciones en la narración, dejando la historia abierta a la especulación. Originalmente concebida como un spin-off de la icónica serie de televisión Twin Peaks, la versión de Lynch fue rechazada por los ejecutivos de televisión y entonces decidió convertirlo en un largometraje. La película fue muy aclamada por la crítica y le valió a Lynch el Prix de la Mise en Scène del Festival de Cannes en 2001, así como una nominación al Óscar por la mejor dirección.
https://www.youtube.com/watch?v=lrMVNWbBgao
“Being John Malkovich”, (1999), Spike Jonze
Una historia sobre individualidad y control que habla acerca de quiénes somos en relación a los otros; sin embargo, su ejecución no es para nada habitual, lo cual sorprendió a la crítica y recibió numerosas nominaciones a diferentes premios, incluyendo el Oscar. Resultado de una colaboración entre el guionista Charlie Kaufman y Spike Jonze (debut cinematográfico para ambos), ellos decidieron no dar mayor explicación de la trama de la película, aunque Malkovich hizo su propia interpretación y dijo que no era un relato que solamente se trataba de escapar de nuestra mente durante algunos minutos, sino que era algo aún más siniestro, la idea de que tenemos vidas virtuales, lideradas por las penas y glorias de figuras públicas.
“Buffalo 66”, (1998), Vincent Gallo
Esta cinta contiene todos los elementos del cine independiente: pantalla dividida, narrativa no lineal, la ruptura de la cuarta pared y escenas que distan en demasía del realismo. Es tan indie, que incluso ha sido considerada por muchos como una parodia al género. Gallo se las ingenió para imprimir el romance en una historia de secuestro utilizando tanto el drama como la comedia, logrando un estilo sucio, minimalista y descolorido gracias al uso del formato de 35 mm y 16 mm para los flashbacks.
“Boyhood”, (2014), Richard Linklater
Quizá lo más significativo de esa cinta es el tiempo de filmación, que se llevó a cabo durante doce años. El reparto se reunía una o dos semanas cada año para continuar con la producción que se llevó a cabo de 2001 a 2013. Linklater sabía que quería hablar de la niñez, pero al no tener claro un momento en concreto, fue como decidió filmar la historia a lo largo de varios años. El director también se encargó del guión, que fue en realidad un esqueleto en el que permitió que los actores intervinieran para que pudieran complementarlo con sus propias experiencias de vida y así darle mayor realismo y frescura a la historia.
“Dogville”, (2003), Lars von Trier
Aclamada como una de las películas independientes más atrevidas de los 2000, comienza por romper los esquemas de la escenografía cinematográfica, que se asemeja más bien a la del teatro, pues es sumamente minimalista y en ella se trazan los límites con líneas blancas, marcando con letreros donde se supone que debe haber algún objeto. Esto acompañado del uso de la cámara en mano, con movimientos libres y a veces caóticos permiten la libre interpretación del espectador, tanto del lugar, como del relato y los personajes.
“Under the Skin”, (2013), Jonathan Glazer
Esta cinta fue una adaptación de la novela homónima de Michel Faber. Glazer produjo “ Under the Skin” durante más de una década hasta que por fin pudo llevarla a la pantalla. La mayoría de los personajes fueron interpretados por actores no profesionales, excepto por Scarlett Johansson, quien protagonizó la historia; incluso muchas de las escenas fueron filmadas espontáneamente con cámaras ocultas en las calles. La película no recuperó su inversión, sin embargo, recibió el elogio de los críticos y fue nombrada como una de las mejores películas del 2014, además de haber recibido múltiples galardones.
https://www.youtube.com/watch?v=NoSWbyvdhHw
“Before Sunset”, (2004), Richard Linklater
Esta, así como su secuela han sido consideradas como unas de las películas más románticas de todos los tiempos. Entre una película y otra transcurrieron nueve años, mismos que pasaron en la narrativa de la cinta. A pesar de que se trata de 85 minutos de dos personas hablando sobre diversos temas y hay muy pocas variaciones en el ritmo de la cinta, el romanticismo de la misma es lo que termina atrapando al espectador. Fue nominada al Premio Oscar a mejor guión adaptado y recibió muchos otros premios y nominaciones.
“Drive”, (2011), Nicolas Winding Refn
Basada en el libro de título homónimo escrito por James Sallis, se piensa que esta película fue diseñada para ser de culto, y muchos otros consideran que la historia es como una fábula de los hermanos Grimm que se lleva a cabo en tiempos modernos, en que los personajes están pensados para conformar un cuento de hadas en la ciudad de Los Ángeles. En los créditos, Winding Refn indica que el filme es un tributo a Alejandro Jodorowsky, quien es su mentor y amigo. Recibió múltiples nominaciones a diferentes premios, como el Oscar, por mejor montaje de sonido; Globo de Oro, por mejor actor de reparto y ganó en el Festival de Cine de Cannes, por mejor director.
“Chasing Amy”, (1997), Kevin Smith
La película está inspirada en la experiencia personal del director con la protagonista, Joey Lauren Adams. Definida como una cinta de estilo posmoderno y obscura, ganó el premio Independent Spirit Award al mejor guión y mejor actor secundario. También fue nominada como mejor película independiente extranjera por los British Independent Film Awards y Joey Lauren Adams fue nominada al Globo de Oro por su actuación. En el filme hay algunas referencias a las películas anteriores de Smith que se ambientaron en Nueva Jersey.
“The Last Seduction”, (1994), John Dahl
“Inside Llewyn Davis”, (2013), Ethan Jesse Coen, Joel David Coen
“Short Term 12”, (2013), Destin Daniel Cretton
“Dead Man”, (1995), Jim Jarmusch
“Rushmore”, (1998), Wes Anderson
“The Blair Witch Project”, (1999), Eduardo Sánchez, Daniel Myrick
“Broken Flowers”, (2005), Jim Jarmusch
“The Squid and the Whale”, (2005), John Dahl
“Adaptation”, (2002), Spike Jonze
“Blue Valentine”, (2010), Derek Cianfrance
“In the Bedroom”, (2001), Todd Field
“The Limey”, (1999), Steven Soderbergh
“Martha Marcy May Marlene”, (2011), Sean Durkin
“Barton Fink”, (1991), Ethan Jesse Coen, Joel David Coen
“Punch-Drunk Love”, (2002), Paul Thomas Anderson
En diferentes niveles, cada una de estas películas han marcado la historia del cine y servido como ejemplo e inspiración para otros directores, así como las nuevas generaciones. Ya sea por su narrativa, fotografía y demás rupturas al sistema tradicional de producción fílmica, las cintas que aquí se mencionan han trascendido a las salas de cine para ser ahora importantes referencias en el estudio y creación cinematográfica.
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Referencia: Taste Of Cinema
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