¿Sabes lo que marca la diferencia entre una película buena y una mala?
Así como tú lo estás reflexionando, en la historia existieron muchos pensadores cinematográficos que trataron de revelar este secreto. Por ejemplo, Vladimir Propp estudió todos los cuentos populares rusos, incluso llegó a analizar los relatos de historias tan famosas como Caperucita Roja o Hansel y Gretel. Claro, reconoces esto cuentos porque fueron adaptados y explotados por el mercado como películas para niños, pero en realidad eran anécdotas, muchas de ellas salvajes, que aleccionaban a la sociedad. Si quieres conocer toda la historia sobre esos cuentos, puedes leerla aquí.
En su estudio, Propp encontró muchas constantes que de golpe categorizó y nombró como “funciones dramáticas”. Por decirlo de una manera sencilla, encontró los pasos que todas las historias deben seguir para que el relato avance por un curso eficiente y pueda llegar a un final sorprendente para que el lector o espectador quede encantado. Sin querer, él descubrió la manera más pertinente para presentar cualquier tipo de anécdota. Hasta la fecha, la mayoría de películas y cuentos siguen este sendero, asegurando su aceptación en el público.
En total, Propp encontró 31 acciones o “episodios” que se repetían en los cuentos y que debía seguir el personaje principal para llegar a una resolución. Por ejemplo: la prohibición, el engaño, el alejamiento de la familia, la prueba, la lucha, el viaje y el regreso son etapas que tiene que superar el héroe. El cine retomó mucho de estos puntos para realizar sus historias y, por supuesto, encontró el éxito. Así se hicieron cientos de películas que hasta la fecha se convirtieron en un clásico. Seguir este sendero es bueno, pero no es el único camino.
Otros directores más arriesgados se apropiaron de este modelo y lo reinventaron a su forma, imprimiendo un estilo único. Las siguientes películas dan muestra de este espectacular acto de mutación narrativa, y aunque algunas cintas respetan a Propp al pie de la letra, otras sólo lo toman como pretexto para iniciar una historia. Estas películas cambiaron la forma de apreciar el cine y han sido elogiadas por muchos críticos y especialistas, influyendo en la mente de todas las personas que quieren hacer cine.
“El ángel exterminador” (1962) – Luis Buñuel
La historia es muy sencilla. Una fiesta de la alta sociedad se convierte inexplicablemente en una pesadilla de la que nadie puede salir. Este enigmático argumento dejó con la boca abierta a todo el mundo. ¿Por qué no se van? Es la pregunta que todos hicieron y a la fecha ha creado un sinfín de teorías y especulaciones. Lo que quería Luis Buñuel era experimentar con la mente del humano, saber hasta dónde podía forzar una realidad creíble con algo absurdo. El resultado es una de las películas más controversiales de todos los tiempos.
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“La diligencia” (1939) – John Ford
Los inicios formales de la industria del cine estuvieron en el western. En esta etapa se comenzaron a consolidar los primeros arquetipos del cine. Con John Ford y John Wayne surgió la figura del héroe que sufrió en el pasado y gracias a ello obtuvo la fuerza y la motivación de enfrentar el mal. Él es superior a todos, no hay prueba que no pueda superar. Durante mucho tiempo este modelo narrativo reinó en el cine y hasta la fecha se sigue repitiendo en relatos sencillos. Para entender el cine hay que remitirse a esta época y al director John Ford.
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“La mujer de las dunas” (1964) – Hiroshi Teshigahara
Esta obra maestra del cine oriental presenta a la mujer como una prisión. Hasta ese momento, el cine concebía al género femenino como un ser seductor que empleaba su belleza para encaminar a su víctima y despojarlo de algún bien material. En cambio, “La mujer de las dunas” atrapa a su presa como último recurso para su salvación. Sin él, ella no podría sobrevivir enterrada en la arena. Este tratamiento en los personajes es único en Occidente y Oriente, por lo que grandes directores califican esta cinta como excelsa.
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“Stalker” (1979) – Andrei Tarkovsky
Andrei Tarkovsky va de la mano con la palabra “subjetivo”. Su cine es una representación de lo que él percibe de la realidad. Al ser un cine propio, se necesita de una increíble sensibilidad para encontrar algún punto del cual sujetarse y poder terminar sus obras. Tarkovsky es un enorme sueño que abre sus puertas a todos los aventurados que se arriesguen a pisar un mundo extraño y misterioso. “Stalker” presenta el deseo de tres hombres por querer entrar en un plano irreal al estar hastiados de la realidad. Este director ha sido la primer influencia de miles de directores en el mundo, sin él, el cine sería una prisión de lo predecible.
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“Diario de un cura rural” (1951) – Robert Bresson
Este es el primer paso que dio la narrativa cinematográfica hacia un camino de trastornos. El personaje de Claude Laydu es el primero que se encarga de presentar por primera vez las dudas existenciales que tiene el hombre terrenal respecto a un dios. Este cura llega a una nueva ciudad con toda la intención de predicar la palabra de Dios, pero el rechazo del pueblo lo hace perder todo tipo de fe.
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“El hombre de la cámara” (1929) – Dziga Vertov
Dziga Vertov es el padre del montaje. Sin él, seguramente la secuencia de las películas serían cortes sencillos y monótonos. Para su tiempo, Vertov experimentó a tal grado con el cine que reinventó y mejoró la forma de postproducción, por muy básica que fuera en ese entonces. “El hombre de la cámara” es la película más representativa de la vanguardia rusa, cuyas obras experimentales ofrecieron un nuevo modelo de documental.
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“8 1/2” (1963) – Federico Fellini
Hasta 1963, el cine se había alejado del terreno de los sueños. En ese tiempo el Surrealismo acaparaba los sueños y se traspasaba a otras áreas. Federico Fellini fue el primero en hacer una película de esta magnitud, claro, respetando la elegancia y simpleza, pero otorgando un peso tremendo a esta corriente artística. El Surrealismo es la oposición al Realismo, por tanto niega al mundo consciente, al real, y toma como centro el inconsciente y los sueños. Decir que es una película surrealista no significa que deba tener escenas fantásticas e ilógicas, sino lo contrario, una profunda reflexión sobre el interior de la psique del hombre.
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“Salida de los obreros de la fábrica” (1895) – Louis Lumière
La película es un plano fijo de 46 segundos que documenta la salida de los trabajadores de la fábrica Lumière, de Lyon. Este pequeño documento fílmico trasciende en la historia porque significan los primeros pasos del hombre en el cine. Sin los hermanos Lumière, hacer cualquier tipo de obra cinematográfica no sería la misma. No hay director que no encuentre inspiración en estas dos personas.
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“Blue Velvet” (1986) – David Lynch
David Lynch se caracteriza por experimentar con el cine, muestra de ello es la película “Mullholan Drive”, la cual rompe con todo orden estructural y narrativo pero que se pierde en el abismo de lo extraño. Antes de llegar a la cima de la experimentación, realizó una película que cumplía en casi todos los puntos clásicos que estudió Propp, pero por primera vez en la historia, los transformó en una estructura siniestra, donde la figura del villano supera por mucho a la del héroe. Hasta ese momento, el protagonista, símbolo del bien, siempre podía superar cualquier prueba con facilidad. Llegó Lynch y demostró que la vida real no es así y no había sentido en seguir mintiendo.
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“Fargo” (1996) – Ethan y Joel Coen
Diez años después de “Blue Velvet”, el tema de lo siniestro y el azar volvió a dar un golpe duro a los espectadores. Si ya se había presentado a los villanos como una fuerza superior, ahora los hermanos Coen retomaron este rumbo un tanto pesimista para presentar una increíble historia de traiciones, engaños y misterio. En esta película se presentan a dos protagonistas: por un lado, la persona que encarna a la ley, y por el otro, el sujeto que comete actos negativos que rompen con el equilibrio de la historia. Esta película introduce al arquetipo del antihéroe en la industria cinematográfica de Hollywood.
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“El secreto de sus ojos” (2009) – Juan José Campanella
Hay etapas donde los estilos se vician y es difícil romper con los hábitos. Así pasó durante mucho tiempo en el género del drama hasta que llegó el director José Campanella y presentó una historia retorcida de trastornos y obsesiones. Esta increíble película goza de un guión que parece haber sido escrito por la pluma de Hitchcock y lo combina con la modernidad, que marcó la ruptura y el inicio de un nuevo estilo para el cine argentino y latinoamericano.
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“El nacimiento de una nación” (1915) D. W. Griffith
Esta película rompió con lo establecido, pues al inicio del cine, las películas a lo mucho llegaban a durar media hora, pero Griffith se atrevió a hacer un largometraje. Él mostró que se podía hacer lo que se quisiera con el cine, al menos en cuestiones técnicas, e implementó las películas de larga duración. “El nacimiento de una nación” es un panfleto racista que, al día de hoy, resulta intolerable, pero sin duda enseñó lo que se tenía que hacer.
“Tokyo Story” (1953) – Ozu Yasujito
“Viaje a la Luna” (1902) – Georges Méliès
“El gabinete del Doctor Caligari” (1919) – Robert Wiene
“El chico” (1921) – Charles Caplin
“O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro” ( 1969) – Glauber Rocha
“El acorazado de Potemkin” (1925) – Sergei M. Eisenstein
“Metrópolis” (1928) – Fritz Lang
“Un perro andaluz” (1928) – Luis Buñuel
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“Shoah” (1985) – Claude Lanzmann
El Holocausto fue un suceso sin precedentes en la humanidad. Dejó la herida más grande en el corazón del mundo. Siendo un tema tan delicado, documentar este suceso ameritaba el mayor esfuerzo y seriedad. Claude Lanzmann lo sabía y se encomendó la magna tarea de presentar un tema muy controversial. El resultado es un documental que fue grabado durante 10 años, reuniendo las declaraciones de los sobrevivientes a este acto. Sin duda, por la carga simbólica de esta película, muchos documentalistas la toman como ejemplo.
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“2001: Una odisea del espacio” (1968) – Stanley Kubrick
Antes de esta película, la ciencia ficción no gozaba de buena aceptación entre la comunidad y mucho menos se pensaba que podría incitar tanto a la reflexión. Con la ayuda de Arthur C. Clake, Kubrick enseñó a la industria que se podía hacer buen cine con cualquier tema y cambió la forma de concebir a las naves extraterrestres, que hasta ese momento sólo eran platillos voladores. Si quieres conocer otras cintas que también cambiaron la concepción de la ciencia ficción en el cine, da click aquí.
“Sucedió una noche” (1934) – Frank Capra
“Lo que el viento se llevó” (1939) – Victor Fleming
“Ciudadano Kane” (1914) – Orson Welles
“Los siete samuráis” (1954) – Akira Kurosawa
“El séptimo sello” (1957) – Ingmar Bergman
“Psicosis” (1960) – Alfred Hitchcok
“Por un puñado de dólares” (1964) – Sergio Leone
“La noche de los muertos vivientes” (1968) – George A. Romero
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“Easy Rider” (1969) – Dennis Hopper
Peter Fonda y Dennis Hoper le quitan la sobriedad a Hollywood y emprenden un viaje en moto en busca del “sueño americano”. Al final del camino les espera un premio al mejor debut y una nominación a la Palma de Oro en Cannes. “Easy Rider”, además de ser aplaudida por su increíble historia y tratamiento de personajes, innovó con una banda sonora compuesta íntegramente por canciones de rock ásperas y salvajes. A partir de ahí, este género musical tomó mucha fuerza en el cine.
https://www.youtube.com/watch?v=UjlxqANj68U
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“El silencio de los inocentes” (1991) – Jonathan Demme
“El silencio de los inocentes” es la película de Hannibal Lecter. No hay más. Por primera vez en la historia del cine una villano toma tanto protagonismo en una película, porque sin lugar a dudas, su imponente figura seduce a todo espectador al punto de querer ser como él, o al menos ser tan listo como él. Nunca había pasado esto en la industria cinematográfica y la industria lo sabía, por eso le otorgaron un Oscar a Anthony Hopkins, por su espectacular actuación. Es el primer villano de la historia que se lleva un reconocimiento.
“Tiburón” (1975) – Steven Spielberg
“Blade Runner” (1982) – Ridley Scott
“La noche de Halloween” (1978) – John Carpenter
“Pulp Fiction” (1994) – Quentin Tarantino
“Fight Club” (1999) – David Fincher
“Celebración” (1998) – Thomas Vinterberg
“Annie Hall” (1978) – Woody Allen
“Ni uno menos” (1999) – Zhang Yimou
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¿Estás de acuerdo con las cintas que se muestran en este artículo? Si quieres completar esta lista, puedes conocer las mejores películas según los críticos de cine, dando un click aquí. Tal vez tanto cine ya te cansó un poco y está bien si quieres leer sobre otro tema, si ese es tu caso, puedes conocer la historia de la mujer que coleccionaba pieles tatuadas o por fin saber por qué en los hospitales de Japón no existe el piso 4.
