Por su argumento, el momento histórico recreado, la época en que fueron realizadas, la elección del elenco y los ecos simbólicos alrededor del sexo, la violencia y la religión, la siguiente lista está integrada por 50 películas consideradas algunas de las más polémicas en el cine. El conteo fue realizado por el sitio listas.20minutos.es. Presentamos la primera parte de este listado de filmes que por su valor cultural han trascendido las barreras del tiempo y de sus géneros.
La naranja mecánica (1971)
En 1962, el polímata Anthony Burguess publicó su obra más reconocida: A Clockwork Orange (La naranja mecánica). Casi una década después, el director norteamericano Stanley Kubrick haría de esta historia una de las más polémicas y decisivas del cine del siglo XX. La naranja mecánica es una novela considerada parte de las obras cuya trama sucede en medio de una sociedad ficticia indeseable, en oposición a la utopía, heredera de títulos como 1984, de George Orwell, y Un mundo feliz, de Aldous Huxley.
Después de que el guionista Terry Southern hiciera llegar a Kubrick la novela de Burguess, el director cautivo la leyó tan deprisa que decidió llevar a la pantalla al controvertido Alex DeLarge, un psicópata obsesionado con la ultraviolencia y la música de Beethoven, y líder de Los Drugos, una pandilla que comete atroces crímenes que incluyen asaltos, golpizas, sexo y muerte. Cuando las circunstancias llevan a Alex a prisión, éste decide someterse a un tratamiento para reivindicar su naturaleza violenta: la técnica de Ludovico, cuyo fundamento se halla en el condicionamiento clásico de Pavlov.
La naranja mecánica es un argumento literario acerca de la moral, el libre albedrío, la manipulación, la violencia y el deber ser, y un acercamiento cinematográfico a la corrupción del ser humano por medio de los sistemas imperantes en una sociedad. La película es una agitada adaptación de la obra de Burguess en la que Kubrick imprime gran fuerza visual con secuencias aceleradas, tomas con cámara en mano, collage y en la que hace gala de una violencia explícita que raya en la crueldad.
La película se estrenó por primera vez en Estados Unidos en 1971; después de una reedición de Kubrick que incluyó un recorte de 30 segundos, la película volvió a exhibirse en 1973. Un año antes se estrenó en Gran Bretaña, pero su contenido “altamente violento” significó un impacto negativo entre el público quienes consideraron a la película una incitación al crimen, pues algunos delincuentes cometieron actos fuera de la ley en una reinterpretación de las escenas de la cinta mientras entonaban “Singing in the rain” o vestían atuendos como Los Drugos. Con una gran presión mediática, Stanley Kubrick pidió a Warner Bros detener la distribución de la película en el país, además por supuestas amenazas de muerte en su contra. Kubrick señaló que sólo se reestrenaría la película tras su fallecimiento, el que ocurrió en 1999. El nuevo milenio recibiría a La naranja mecánica en video y DVD en su relanzamiento en Inglaterra.
El exorcista (1973)
Considerada la mejor película de terror de todos los tiempos, El exorcista representó una vuelta de tuerca en la eterna lucha entre el bien y el mal al tener como protagonista y representación de este último a una niña.
La película se estrenó en 1973 y es la adaptación de la novela homónima de William Peter Blatty, publicada un año antes. William Friedkin fue el director de la versión cinematográfica que cuenta los pormenores de la posesión diabólica que sufre Regan MacNeil, una niña de 12 años quien se ve envuelta entre bruscos cambios de personalidad, comportamientos inexplicables y erróneos diagnósticos médicos hasta considerar la posibilidad de una posesión demoniaca que la hacen el objeto de los esfuerzos del padre Karras, Merrin y su madre, Chris MacNeil.
Basada en un hecho real, el argumento de El exorcista revolucionó al género en la época, y su estreno determinó un antes y un después al cimentar una historia sobre temas de esta índole. La película fue bien recibida por el público y la crítica, y obtuvo una decena de nominaciones a los Oscar y otras a los Globos de Oro. La trascendencia de la película la hizo un clásico en el cine y una referencia cultural obligada en el género de terror.
Aunque con varias secuelas y un reestreno mas bien soso, El exorcista (1973) se recuerda por la simpleza de su producción pero la solidez en su argumento, además por los extraños sucesos que ocurrieron durante el rodaje: el incendio de uno de los sets, accidentes, fallecimiento de familiares o cercanos a los miembros de la producción y una serie de acontecimientos que forjaron mitos sobre esta película, una de las más aterradoras en la historia del cine.
Holocausto caníbal (1980)
Una producción italiana de 1980 considerada en el género de ficción de explotación; bajo la dirección de Ruggero Deodato, con guión original de Gianfranco Clerici, Holocausto caníbal es la historia de un grupo de jóvenes quienes hacen un viaje documental a la selva amazónica (Infierno Verde); después de los días de viaje, no se sabe nada de ellos, por lo que el antropólogo Harold Monroe viaja al lugar para investigar el paradero del grupo.
Cuando llega al Amazonas, junto a dos guías, se encuentran con la tribu de los Yacumo, a partir de ese suceso la historia continúa entre el asesinato de los exploradores por parte de los miembros de la tribu y una serie de videos que desvelan escenas de sexo, tortura, asesinato y violencia que llevan al límite lo que los ojos ven.
La película fue prohibida para su exhibición en países como Italia, Australia y el Reino Unido por su alto contenido de imágenes gore.
La Pasión de Cristo (2004)
Esta no fue la primera vez que una película representó el calvario de Jesús de Nazaret a manos de los soldados romanos durante sus últimas horas de vida, pero sí la primera que llevó con crudeza y criticada extrema violencia el peregrinaje de Jesús después de la Última Cena, desde el momento en que ora en el Huerto de los Olivos y mientras es tentado por Satanás y traicionado por Judas Iscariote.
Dirigida por Mel Gibson, La Pasión de Cristo tuvo como protagonista a Jim Caviezel (Jesucisto) en una historia escrita por Benedict Fitzgerald y el propio director, quienes llevaron a la pantalla grande en 2004 este episodio de acuerdo con el Nuevo Testamento y los Evangelios de los apóstoles Mateo, Marcos, Lucas y Juan.
Es bien sabido que Mel Gibson invirtió más de 40 millones de dólares de su bolsillo para financiar la película, la que se grabó en tres idiomas distintos: arameo, latín y hebreo. Aunque existen diferencias entre el argumento y los evangelios, la cinta fue bien acogida como un acercamiento de la vida de Jesús hacia los no creyentes, y un recurso para la evangelización para con ello extender la religión cristiana a través del cine.
Nominada a tres premios de la Academia en las categorías de mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía, La Pasión de Cristo fue principalmente criticada por considerarla antisemita y por el uso de extrema violencia. Frente a esto, Mel Gibson siempre señaló que su interés estuvo en exaltar el amor y la entrega de Jesús a pesar del abuso, el dolor y el sufrimiento, y si para esto tenía que violentar su imagen, era necesario. Dijo, quería que resultara extrema y chocante para dimensionar los dolores físicos y el desgaste emocional de Jesús el hombre, y comprender con ello el mensaje de fe, esperanza, amor y perdón.
La vida de Brian (1979)
Considerada un clásico de los Monty Python, La vida de Brian no es una comedia sobre los días de Jesucristo, es mas bien una divertida historia alterna sucedida en un marco referencial similar al del profeta. Brian nace en Belén, en la misma fecha que Jesús, y en aparente igualdad de circunstancias. Hijo ilegítimo de un soldado romano y una feminista judía, su vida adulta y el contexto que lo rodea lo llevan a ser confundido varias veces con el Mesías en una suerte de sucesos ocurridos en la Galilea de aquellos días.
La cinta fue dirigida por Terry Jones con un guión original de los Monty Phyton, y financiada por el beatle George Harrison; a menudo es considerada la mejor película cómica de todos los tiempos debido a la originalidad del argumento, la aparición de temas clásicos del grupo como “Always Look On The Bright Side Of Life”, el uso de gags memorables y la sátira hilarante con la que hace una crítica a la intolerancia y problemas suscitados con el nacimiento del cristianismo.
Pese a tomar sólo como referencia el tiempo histórico de Jesús, algunos grupos cristianos se manifestaron en contra de la película por considerarla una ofensa a la figura del nazareno. Por su parte, el presidente de EMI Films, productora que pretendía llevar el proyecto, calificó a la historia de obscena y sacrílega. Otras repercusiones fue la prohibición de su exhibición en Noruega, Irlanda y parte del Reino Unido. La polémica generada también significó una serie de boicots en Estados Unidos, pese a que la idea de representar a Jesucristo nunca fue el argumento de la película, sino hacer comedia de la reinterpretación de los evangelios con un personaje contemporáneo a Jesús.
Calígula (1979, 1984)
La decadencia romana en su máxima expresión. La versión original de 1979, dirigida por Tinto Brass, cuenta el ir y venir del emperador romano Calígula (quien de por si no está muy bien parado en la Historia), la que incluía algunas escenas sexuales con las que representaba pasajes de la vida del tirano gobernante. Pero fue la versión de 1984, de Bob Guccione, la que causaría gran polémica por la exhibición sin censura de escenas de sexo, incesto, relaciones homosexuales, sadomasoquistas y zoofilia que harían de la cinta un hito del cine erótico.
La versión de Guccione fue prohibida para su exhibición, hasta que en 2007 la Junta Británica para la clasificación de películas reconoció su valor histórico y permitió su comercialización íntegra como película para adultos.
Lolita (1962)
“Las elementales reglas literarias para las historias de amor exigen un final con muerte o separación de los amantes, no pudiendo darse jamás que éstos consigan reunirse para siempre. Es también esencial que la relación deba escandalizar a la sociedad o a sus familiares. Los amantes deben ser condenados al ostracismo. Sería muy difícil construir una historia moderna que pudiera adherirse, con visos de realidad, a estas normas. En este aspecto creo que sería correcto afirmar que “Lolita” es una de las pocas historias modernas de amor”. – Stanley Kubrick
El maduro profesor y traductor Humbert Humbert se muda a Ramsdale, New Hampshire, y llega a vivir a una habitación alquilada de la casa propiedad de la viuda Charlotte Haze, quien tiene una hermosa hija de 14 años, Lolita. Pronto, el hombre se siente perdidamente enamorado de la joven e irresistible muchacha, por lo que decide contraer nupcias con la madre para poder estar cerca de quien ya se ha vuelto su objeto de deseo, la núbil Lolita.
Aunque algunos elogian el trabajo de Kubrick para llevar a la pantalla el clásico literario del ruso Vladimir Nabokov, otros cuestionan lo poco descriptiva que fue la trama y la omisión de detalles en la relación amorosa- pedófila entre los protagonistas. Tiempo después, Kubrick diría que, de poder hacer de nuevo la película, enfatizaría en el erotismo y en los aspectos que dieran cuenta de la intimidad entre la pareja. Sin embargo, debe reconocerse el trabajo del director de llevar a cabo un polémico argumento al que convirtió en una bella y revolucionaria historia de amor, más sugerente que sexual, con un toque refinado para el erotismo y en una mezcla de misterio y sensualidad extraída de los momentos más inesperados.
El autor de la novela fue, también, guionista en la adaptación cinematográfica. En su versión original el guión comprendía nueve horas de película, pese a esto, Kubrick alabó el trabajo de Nabokov.
Protagonizada por James Mason y Sue Lyon, la Lolita de la versión literaria tenía 12 años. Cuando Kubrick estaba en la búsqueda de su protagonista, vio a Sue en bikini en el programa The Loretta Young Show, supo entonces que la joven, quien ya había cumplido los 15 años, sería Lolita en el cine. Por las restricciones de la industria y de la época, en la versión cinematográfica Lolita comienza su idilio con Humbert a los 14 años de edad.
Psicosis (1960)
La modesta secretaria Marion Crane quiere casarse con su amante Sam, pero su condición económica les impide vivir su idilio desahogadamente. La joven toma la decisión de robar 40 mil dólares de la empresa en la que trabaja. Tras guardar el motín en una maleta huye de la ciudad en su Ford negro y conduce sin detenerse con rumbo a California. Cuando cae la noche y en medio de una lluvia, la chica decide descansar en un motel de carretera dirigido por Norman Bates. Pero no sólo el motel guarda un aspecto tétrico, la casa junto a éste es el misterioso refugio de Bates y su madre.
Después de compartir la cena con Bates y de sostener una charla con el extraño hombre, Marion decide ir a su habitación a pensar qué hacer con su futuro, toma una ducha, pero el destino ya ha decidido por ella.
Psicosis es la adaptación cinematográfica de la obra homónima escrita por Robert Bloch en 1959, un clásico del cine de terror y suspenso considerada la obra cumbre del director Alfred Hitchcock. Psycho, como también se le conoce, es elogiada por la crítica como una de las mejores películas del género y una de las pocas cuyas diferentes escenas han sido reproducidas, pariodiadas y utilizadas como referente para trabajos posteriores.
El argumento aunado a la grandiosa imaginación del director llevó por una historia, indiscutiblemente de terror, pero que roza con temas de amor, intriga, actos delictivos, suspenso, introspección y doble personalidad. El motel, el hombre regente, el robo de Marion, el amante y las historias entretejidas alrededor de estos fueron recurso para hacer una versión cinematográfica icónica.
Se dijo, Alfred Hichcock pidió a los cines que no permitieran la entrada a aquellos espectadores que llegasen tarde a su película, pues no quería que se corriera la voz sobre el final.
El último tango en París (1972)
Paul y Jeanne tienen una serie de encuentros fortuitos que pasan desapercibidos por ambos hasta que finalmente el destino los fuerza a reconocerse mutuamente en un departamento, el que ambos visitan con la intención de alquilarlo. Se sienten atraídos, y tras unos momentos hacen el amor en el departamento vacío. Deciden seguir viéndose en el lugar para continuar la aventura. Ella está comprometida y él ejerce sobre ella una violencia que va de lo verbal a lo físico sin que Jeanne oponga resistencia.
El imperio de los sentidos (1976)
Dos amantes se entregan al disfrute de los placeres sexuales, para ellos no existen limitaciones más allá de su imaginación, y ésta es muy amplia. Ella, una joven exprostituta; él, el esposo de la dueña del hotel Lupanar donde mantienen su relación clandestina. La protagonista Eiko Matsuda estrangula a su amante en plena cópula y después le corta el pene.
Repleto de sexo y de sangre, el filme de Nagisha Oshima rompió los difusos límites entre arte y pornografía narrando un caso real. Para evitar la estricta censura japonesa, el cineasta tuvo que registrar su película en Francia, lo que no le libró de prohibiciones diversas: en Gran Bretaña, no pudo estrenarse hasta 2011, mientras que en España fue clasificada X a principios de los 80.
