10 películas que debes presumir que ya viste para fingir que sabes de cine

Martes, 7 de noviembre de 2017 15:14

|Alonso Martínez
peliculas para fingir que sabes de cine

Si quieres impresionar a alguien sin saber sobre algunas de las mejores películas de la historia, esta guía te será de gran ayuda.




A la gente le gusta fingir que ha leído libros que nunca ha tocado. Según una encuesta realizada por The Guardian, el 25 % de las personas han fingido leer Ulises de James Joyce, considerada una de las obras más relevantes de la literatura universal y uno de los trabajos más complejos que se han producido. Pero, ¿por qué sucede eso?


Quizás influye que la cultura popular ha afirmado que, como Ulises es una obra tan compleja, sólo los lectores más ávidos e inteligentes la han leído. Eso hace que algunos finjan que conocen la historia y que pretendan ser unos expertos en el tema. Esa misma encuesta dice que el 24 % mintió sobre haber leído la Biblia, lo cual también es razonable. En cierta forma, las personas buscan respeto o admiración (o evitar cualquier tipo de burla) afirmando ser unos expertos en literatura.


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Lo mismo sucede con el cine. Alguna vez hemos conocido a alguien que finge haber visto todas las películas, o alguna vez hemos mentido, afirmando que vimos algo que jamás hemos disfrutado. Algunos lo hacen para impresionar, otros para no parecer ignorantes; de cualquier forma, si eres de esas personas, lo más recomendable es que al menos tengas algunos comentarios y así tu mentira no sea descubierta. Las siguientes películas son mencionadas por todos los fanáticos del cine y son los referentes de algunos de los expertos, por lo que es momento de aprenderte algunos datos sobre ellas y así fingir satisfactoriamente que eres un absoluto experto en el cine y no el simple mortal común igual a todos los demás.


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Rashomon (1950)

Akira Kurosawa


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La película japonesa más importante en Occidente


Historia: Después de que una mujer acusa a un hombre de haberla violado y de asesinar a su futuro esposo, distintas personas cuentan los sucesos, mostrando ldiferentes perspectivas de los hechos, revelando las mentiras y contradicciones de cada uno de los personajes, lo cual va enfocado directamente en sus intereses personales.


¿Qué puedes decir? El trabajo cinematográfico de Kurosawa es increíble. Cada una de las versiones de los personajes está delimitada por un estilo visual específico que se adecúa a la psicología que define los motivos de los involucrados. Aunque no fue tan bien recibida en Japón, por ser "demasiado occidental", posee gran parte de los elementos que marcaron el cine nipón durante el resto del siglo. El constante uso de los flashbacks transformó la forma en que vemos el cine, Kurosawa por primera vez nos presentó una cámara en la que no podíamos confiar, y el uso de la iluminación para delimitar los sentimientos y motivaciones de los protagonistas se convirtió en un elemento esencial para todo tipo de filmes.




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El Ángel Exterminador (1962)

Luis Buñuel


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El cine mexicano que no pudo ser


Historia: Un grupo de aristócratas quedan atrapados después de una importante cena, lo cual desata una serie de locuras y enfrentamientos que revelan sus verdaderas naturalezas.


¿Qué puedes decir? Antes de que el gobierno se encargara de asesinar metafóricamente al cine mexicano, Luis Buñuel demostró qué tan perfecto y experimental podía llegar a ser. Silvia Pinal y el resto del elenco representan a la perfección esa dualidad que, sospechamos, vive en las mentes de los aristócratas en un escenario surrealista con un estilo absoluto que desaparece junto con la moral de los protagonistas. Es un excelente ejemplo del surrealismo mexicano, ya que también fue escrita por el reconocido Luis Alcoriza, y nos recuerda una época del cine que tardó décadas en volver.




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A bout de soufflè (1960)

Jean-Luc Godard


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La película esencial de la nouvelle vague


Historia: Michel es un prófugo de la justicia, quien después de asesinar a un agente policiaco trata de convencer a su amiga norteamericana, Patricia, para que huya con él y comiencen una nueva vida. Sin embargo, la mujer es mucho más compleja de lo que él cree, provocándole múltiples problemas y destrozando su corazón.


¿Que debes decir? Sin este trabajo, posiblemente el cine europeo no hubiese redefinido la forma de crear cine y de contar historias. Godard creó esta obra deseando replicar el trabajo de sus ídolos norteamericanos y el producto resultó ser completamente diferente y, aunque a momentos es absolutamente realista, muestra un cine más influenciado por la literatura que cualquier otro. Con cortes rápidos, tomas innovadoras que muestran los pensamientos de los personajes, un uso exagerado de la música y una burla tácita hacia los clichés estadounidenses, Godard logró un filme único que sería el primer paso en una serie de cintas que nos enseñarían a ver un cine distinto, alejado de las narrativas tradicionales y los absurdos sentimientos que Hollywood nos trató de vender.




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Les quatre cents coups (1959)

François Truffaut


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El filme esencial de uno de los directores más icónicos de la historia


Historia: Los 400 golpes, como se titula en español, sigue la historia de un pequeño niño que parece no encontrarle seriedad a la vida. No es un buen estudiante, reta a sus padres y decide escapar del mundo en el que está atrapado.


¿Qué puedes decir? La magia fílmica de Truffaut reside en el hecho de que no dependió de los diálogos en ningún momento para expresar una idea o la psicología de un personaje. Influenció a Godard y a toda la ola del cine francés de esa época mostrando un cine más libre, ajeno a las reglas establecidas por la época de oro de los filmes norteamericanos, y se desprendió completamente de su tradición mostrando historias sobre la vida y el pensamiento francés de mediados de siglo.



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Solaris (1972)

Andrei Tarkovski


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El filme que revolucionó la ciencia ficción en Rusia


Historia: Inspirada en la novela del mismo nombre, sigue a un hombre que viaja hacia la estación espacial Solaris para investigar por qué tres de los tripulantes que estaban en la base sufrieron distintas crisis emocionales.


¿Qué puedes decir? En realidad es difícil expresar en pocas palabras la relevancia de este filme dentro del cine internacional y su importancia como stand-alone film. Tarkovsky fue un pionero del filme psicológico, ya que usó una narrativa lenta y diferentes secuencias experimentales para adentrarse en la mente de los personajes y analizar el dolor que vive en cada uno, al igual que la forma en que se recuperan de entre el caos que los rodea. El filme es una respuesta a la "superficialidad" del cine de Hollywood, según Tarkovsky, y aunque no muestra una historia normal de inicio a fin, ofrece una nueva forma de experimentar el clímax y la conclusión de un conflicto tácito que sigue al protagonista a lo largo del filme.



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Apocalypse Now (1979)

Francis Ford Coppola


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La otra gran película del director de The Godfather


Historia: Un equipo de soldados norteamericanos en medio de la Guerra de Vietnam van en busca del General Kurtz, quien abandonó a su pelotón y decidió quedarse en la jungla de esa nación para liderar su propio ejército.


¿Qué puedes decir? Francis Ford Coppola casi pierde la cabeza, todo su dinero y su reputación con esta obra maestra. Es un perfecto análisis de la psicología de distintos individuos en medio de una guerra que no tiene sentido y ofrece una perspectiva fresca sobre la violencia humana. El trabajo de Marlon Brando es simplemente excepcional, al igual que el de Martin Sheen, quien sufrió un quiebre emocional durante una de las escenas más relevantes de la cinta. Es un fiel retrato del horror de los disparos constantes, los pisos manchados de sangre y la locura que se apodera de quienes se encuentran en tierra de nadie, peleando –no contra el Viet Cong– sino contra sus propios demonios.



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Dr. Strangelove or: How I Learned to Love the Bomb (1964)

Stanley Kubrick


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La mejor comedia de la historia


Historia: Después de que un general activa el protocolo de lanzamiento de bombas nucleares a Rusia, el consejo de guerra del presidente lucha para evitar a toda costa un enfrentamiento que podría acabar con el mundo.


¿Qué puedes decir? Stanley Kubrick creó esta obra mintiéndole a sus actores, quienes pensaban que estaban filmando un drama y utilizó las tomas en las que sus actuaciones son las más exageradas para crear un trabajo satírico que no sólo fue perfecto para el trasfondo de la guerra nuclear que podía suceder en los años sesenta, sino que aplica para cualquier otro momento en la historia. Con una fotografía insólita para un trabajo de comedia, Kubrick mostró la paranoia de la nación americana frente al comunismo, la incompetencia y locura de algunos de los generales obsesionados con la guerra y la latente estupidez de todos los miembros del gobierno. Usando trucos con su equipo, el director logró obtener sus mejores rostros y creó un icónico trabajo que es irrepetible e incomparable con cualquier otra obra.



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La Passion of Jeanne d'Arc (1928)

Carl Theodor Dreyer


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Uno de los filmes más importantes que marcaron la historia del cine


Historia: El filme retrata el encarcelamiento de Juana de Arco después de ser capturada por los ingleses y el juicio que se llevó a cabo antes de ser sentenciada a muerte. El trabajo es una fiel representación que usa los testimonios que ofreció la valiente guerrera frente al tribunal.


¿Qué puedes decir? Quizás inconscientemente Carl Theodor Dreyer fue un pionero del realismo en el cine. Deseando retratar de la manera más honesta la trágica historia de Juana, el hombre usó múltiples close-ups en los rostros sin maquillaje de los actores para "mostrar una visión más grotesca" de los hechos. El trabajo de iluminación hace que los personajes se vean aun más sucios y revela sus intenciones, además de que el director usó la luz para representar metafóricamente cómo Dios trata a todos los personajes y cómo cada uno está "iluminado" de manera distinta por Él. La actuación de Renée Jeanne Falconetti es tan inolvidable que incluso sigue considerada un parteaguas de la profesión para esa era, y aunque no escuchamos su voz, es fácil sentir el dolor y su dicha gracias a todo el trabajo de producción que la rodea.




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Das Kabinett des Doktor Caligari (1919)

Robert Wiene


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El impresionismo alemán en su máxima expresión


Historia: El Doctor Caligari es un hipnotista que usa a un hombre sonámbulo para cometer distintos asesinatos.


¿Qué puedes decir? Aunque el cine en general desde sus inicios ha tenido una fuerte inclinación hacia la innovación artística, este trabajo fue el que definió todo un género y la forma de contar historias de terror. Al seguir el estilo impresionista alemán de la época, el cual implementa una estética oscura y retorcida que explota las líneas curvas y filosas junto con las tomas inclinadas y ángulos extraños, Wiene definió las bases del horror y creó una fantástica obra de arte que en ningún momento deja de impresionar. Insertó escenas surrealistas, momentos largos de tensión y locura que incluso ahora serían difíciles de lograr.




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Memento (2000)

Christopher Nolan


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La mejor de Christopher Nolan que casi nadie ha visto


Historia: Un hombre con problemas de memoria a corto plazo trata de encontrar al individuo que asesinó brutalmente a su esposa. Sin embargo, lo único que tiene como pistas son algunos tatuajes que se ha hecho a lo largo de varios meses... ¿o años?


¿Qué puedes decir? Nolan y su hermano Jonathan estuvieron nominados al Oscar por el fantástico guión que en lugar de contar la historia de manera lineal, la cuenta de final a principio, cambiando por completo la forma en que percibimos los sucesos que vemos en cada escena. Guy Pearce ofrece una de las mejores actuaciones de su carrera, la cual se ve perfectamente acompañada por el estilo cinematográfico que alterna entre neo-noir y el realismo desmedido. Es uno de los guiones más impresionantes de los últimos años con giros completamente inesperados que le sirvieron a Nolan como un excelente primer paso.



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Es casi imposible que alguien conozca todas las películas, entonces, en algún punto todos hemos fingido que conocemos algo que realmente nunca hemos visto. Es una forma de hacernos más interesantes y no parecer torpes. Nadie quiere verse como un ignorante hablando de arte. Por eso fingimos que leímos Ulises, que escuchamos a Frank Zappa y que vimos todas las películas del expresionismo alemán de los años 20. Tratamos de ser mejores, aunque claro, la mejor opción siempre es terminar de leer los libros, ver todo lo que podamos y escuchar todos los discos... no siempre es posible.


Alonso Martínez

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Editor de Cine
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