Cuando Vasily Kandinsky escribió Lo Espiritual en el Arte nos legó uno de los textos más ricos e importantes en la teoría estética; en él habla sobre la belleza cromática en el cuadro, y cómo en la gran atracción del espectador hacia sus profundos contenidos lo expresado pictóricamente se liga a un modo de partitura musical en su trasfondo. Según el artista, la relación que se encuentra entre la pintura y la música es uno de los lindes que mayor atención nos merece.
Al respecto, Kandinsky dice que la enseñanza más rica nos la da la música, puesto que ésta es el arte que desde hace más siglos utiliza sus medios para expresar la vida (interior) del artista y crear una vida (propia) con casi tonos musicales. De acuerdo con el autor, de ella proceden la búsqueda del ritmo y la construcción matemática abstracta de la pintura; específicamente, de la que él proponía.
Siguiendo las palabras del artista ruso, las artes actúan sobre la sensibilidad, sólo pueden actuar a través de ella, y el sonido musical, en tanto una de las más sensibles manifestaciones, tiene acceso directo al alma. Así, Kandinsky explica el profundo parentesco entre la música y la pintura; más aun cuando propone una representación musical de los colores. A cada color asocia entonces un tono, un instrumento o una nota para conseguir una composición compleja y armoniosa, intensa, en la que incluso el blanco actúa sobre nuestra alma como un gran silencio absoluto, equiparable a las pausas musicales.
Extendiendo las palabras de Vasily Kandinsky, quizás abusando de ellas, podemos hacer una ligera analogía entre grandes obras en la historia del arte y algunas bandas bien posicionadas en los anales del tiempo, para entender –incluso ampliar– las propuestas que estos músicos desarrollaron a lo largo de sus trayectorias.
En dicho ejercicio tenemos, por tanto…
Composición (1923)
Laszlo Moholy-Nagy
Bauhaus
Pensaríamos directamente –y más tomando en cuenta que el nombre de la banda refiere a un movimiento estético en sí– que para la agrupación liderada por Peter Murphy nos remitiríamos con mayor facilidad a Walter Gropius o Paul Klee. Sin embargo, las propiedades del trabajo de Moholy-Nagy en tanto experimento por reformar, consolidar, poetizar, o a veces estabilizar las representaciones de la vida, se relacionan con mayor facilidad a la banda británica que muchos otros representantes de esa escuela.
Negro en rojo profundo (1957)
Mark Rothko
Nine Inch Nails
Como una mirada hacia el interior de la carne cruda que se abre de tanta excitación, hacia la obra final de Rothko podemos encontrar una colección de pinturas en negro y rojo que surten similar efecto a escuchar la discorgrafía completa de esta banda industrial y electrónico un tanto experimental.
https://www.youtube.com/watch?v=Bu3LHJYoMyk
Tensión suave nº 85 (1923)
Vasily Kandinsky
New Order
Como un juego de curvas y líneas que van de lo geométrico a lo mágico, la música de New Order es esa extraña mezcla entre el legado imborrable de Joy Division y las evoluciones synth y postpunk de los 80. Esa mixtura que si cierras los ojos es posible ver como un cuadro de Kandinsky, o viceversa.
La coronación de espinas (1603)
Caravaggio
R.E.M.
¿Ves esos sólidos cuerpos? ¿La erótica apariencia de Jesús, la perfección en los músculos de cada soldado, los juegos de luz y sombra, esa seducción que casi duele, las posturas dulces pero a la vez vulnerables? Así es la música de Michael Stipe y sus compañeros de banda; un arrullo que va de lo increíble a lo que apabulla con su malestar.
Perros jugando al póquer (1903)
Cassius Marcellus Coolidge
Nirvana
Aunque esta obra es en realidad una serie de 16 cuadros, el más recordado de todos es aquél de una mesa con luz tenue y un par de perros tramposos en primer plano; un trabajo pictórico que en sus irónicas críticas a la sociedad norteamericana, su irreverencia, una falta de elogio por parte de “los conocedores” y una suerte de denuncia ante las costumbres de la humanidad puede arrojarnos plena luz sobre el espíritu fundamental de Nirvana.
https://www.youtube.com/watch?v=_b-Z4vjKgho
Oxidation Painting (1978)
Andy Warhol
The Velvet Underground
La famosa banana warholiana pudo ser la elegida, pero ¿era bastante obvio, no es así? Entonces, qué mejor que tomar, sí, otra pintura del mismo autor-consejero-padrino de la banda, pero que a su vez hablara sobre los distintos niveles en que se escucha la música de The Velvet Underground, un cuadro de texturas ricas y dulces a partir de un material tan ordinario, propio y quizá desagradable como la orina en oxidación.
https://www.youtube.com/watch?v=HHbPhukH1rM
Madame Récamier (1800)
Jacques-Louis David
Fleetwood Mac
Así como la postura de la joven Récamier sobre el diván –de espaldas con el rostro hacia nosotros, de vestido imperio y fondo simple– nos dice un sutil “mírame y no me toques”, pueden entenderse muchas de las creaciones de esta mítica banda. De tonos suaves, seductores, muy in-fashion a su propio estilo y de distancias bien marcadas, la obra de David es un claro paralelismo con los autores de Rumours.
Nighthawks (1942)
Edward Hopper
Depeche Mode
Ya sea desde los sonidos más sintetizados y pop, hasta sus composiciones de naturaleza industrial o de una nostalgia baladística, lo que mejor reúne la obra de esta banda en una imagen –aun con sus lapsos bailables y todo– es un Dinner de gente admirando a la vida acaecer. Frío, oscuridad, compañía, una mezcla entre soledad y exaltación son algunos de los elementos que mejor podemos identificar en la historia de Depeche Mode y la producción de Hopper.
No. 5 (1948)
Jackson Pollock
The Rolling Stones
Uno de los cuadros más caros del mundo es, al igual que la legendaria agrupación fundada en 1962, reconocido y vanagloriado por las contribuciones al movimiento en las artes. Cuando el mundo estaba muy acostumbrado a bailotear con The Beatles y arrullarse con The Beach Boys, irrumpió en la escena musical esta banda llena de reacciones iniciales, pulsiones, descontrol, aparente allanamiento y ruptura en la expresión. Así como lo hizo Pollock en su momento.
https://www.youtube.com/watch?v=Kh7Yyn9mIAY
Judith I (1901)
Gustav Klimt
Queen
Cada que escuches a Mercury, May, Taylor y Deacon, piensa en dorado. Pon atención en las curvas que logró Klimt en su período dorado, en los choques de textura entre la pintura y su labor orfebre, en la seducción andrógina de sus personajes, en la abstracción con buena concomitancia de lo realista; así es la música de Queen y bajo esos términos debemos guiarnos en su atención.
Joven en el bosque (1882)
Vincent van Gogh
Led Zeppelin
En la mística, el arrebato emocional y la vulnerabilidad que inspiran los bosques que carga consigo el paisaje expuesto por Van Gogh, se esconden también los caminos de introspección furiosa, la música de las tradiciones y el revisionismo del folk que propuso Led Zeppelin a todo lo largo de su carrera. En especial hacia sus tercer y cuarto álbumes de estudio.
El Tiempo atravesado (1939)
René Magritte
Radiohead
En una representación del concepto de tiempo mediante un reloj que lo mide y una locomotora que indica su inevitable avance, este cuadro de Magritte transmite cómo todo está congelado en un instante (cualquiera y así como indica el tren firmemente anclado en la pared), mientras hay movimiento y sólo direcciones únicas o miradas hacia el pasado. Justo como lo hace la producción de Radiohead, especialmente en sus trabajos de los 90.
El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace (1838)
William Turner
The Smiths
Una obra tan extraña, fascinantemente romántica y repleta de significado como ésta de Turner, misma en la que subyace una nostálgica reflexión sobre ese buque tan antiguo y chatarrero, sobre cómo los días de gloria se han ido y aun así se persiste en tanto símbolo de poder y receptáculo de atisbos frenéticos, no podría más que ligarse a The Smiths. Esa banda que oscila entre las aguas de lo temerario, la juventud, la muerte y el sol reluciente.
https://www.youtube.com/watch?v=0Hlw4Un91lI
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Si bien éstas son sólo algunas de las lecturas y, por tanto, traducciones o puentes que podemos lanzar de dichas bandas en sentido pictórico, a la par pueden resultar visiones cercanas y poderosas que aproximen en lo general a su trabajo. Puede que existan entonces otras perspectivas, que existan álbumes o b-sides que nos exijan otra aproximación.
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