3 instrumentos con los que la cultura afroamericana cambió la música para siempre
Música

3 instrumentos con los que la cultura afroamericana cambió la música para siempre

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Por: Leon Felipe

22 de marzo, 2017

Música 3 instrumentos con los que la cultura afroamericana cambió la música para siempre
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Por: Leon Felipe

22 de marzo, 2017



Entre un músico y su instrumento se teje un vínculo emocional. No es para menos: el medio material por el que se expresa el lenguaje de la música forma parte del arte del intérprete, como una extensión de su cuerpo. De hecho, para aficionados incluidos, es mucho lo que puede decir sobre alguien el instrumento de su predilección. También, en algunas culturas hay instrumentos con propiedades más allá de las sensoriales, que trascienden sus límites sonoros, pues son considerados mágicos y contienen poderes curativos. En todo caso, desde que la humanidad empezó a hacer música, los instrumentos han ido a la par con los avances tecnológicos. Sólo basta verlos por dentro para entender los principios de acústica y resonancia que contienen, el empleo de los materiales, la afinación; todos ellos signos del elevado sentido musical alcanzado con el auge del pensamiento humano. Una vez constituidos y dominados, los instrumentos musicales han servido al mismo tiempo para transformar el rumbo de la historia.


destinos para todo amante de la música


¿Cómo sería la música actual si no hubiera existido el blues, jazz o rap? Aburrida, insípida o tal vez demasiado teórica. La mezcla de sonidos del Caribe con la música tradicional occidental, los ritmos afro y las increíbles voces explosivas de la negritud dejó una huella que jamás será borrada. Aunque a menudo cueste identificarlos, estos tres géneros son los pilares de la música pop del siglo XXI. Sus aportaciones, en función de los hechos históricos, revolucionaron la forma en la que el hombre empezó a crear armonías. La historia de la música en América es también la historia menos perversa de la opresión y de las injusticias. En general, ocurrió más que un cambio en la estética o rítmica. Los artistas negros lograron emanciparse de la academia, que se encontraba en manos de las clases burguesas y aristocráticas de la población blanca, y por primera vez la música pasó a ser del pueblo. El jazz, un género que se inventó y reinventó a sí mismo a medida que pasaba el tiempo; el blues, el lamento bucólico de la soledad, la rabia y la tristeza del campo, y el rap, la música que está dando forma al mundo. Todo sería muy distinto ahora si nada de esto hubiera invadido los oídos del mundo. Asimismo, como formas puras del arte, tienen un sello particular, impuesto por el sonido de tres instrumentos clave para su desarrollo y auge.

1. La guitarra y el blues


blues


¿Qué fue lo que hizo que la guitarra se convirtiera en uno de los sonidos angulares en la interpretación del blues? Gerhard Kubik le dio un respuesta muy inesperada a esta pregunta: “Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África) estaban generalmente permitidos, ya que los dueños consideraban que se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo u otro instrumento de cuerda podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el islam ha impreso durante siglos en África Occidental”.





Además de la voz y la armónica, el efecto mariposa golpeó fuerte a la población afroamericana. Con las grabaciones de Ala Lomax entre los años 20, 30 y 40, el blues tomó relevancia en la industria discográfica. En los 50 y 60 el instrumento acústico perdió un poco relevancia ante el eléctrico. Las Gibson y las Fender moldearon un blues más potente, distorsionado y estridente, lo que ocasionó que la mayoría de las canciones del blues giraran en torno a la guitarra y al virtuosismo de los músicos. BB King y Bo Didley (afianzados en el blues) y Chuck Berry, un salvaje cantante con un ritmo más rápido al puntear, fueron la génesis del rock 'n' roll, el comienzo del "guitarrocentrismo" de los 60. Técnicas como el slide-guitar y tocar con una sola cuerda fueron regalos de los bluesmen a los rockeros de las siguientes décadas. The Rolling Stones, Cream, The Who, The Kinks y The Beatles, representantes de lo que se denominó como la invasión británica que fundó el rock como un fenómeno mundial, en la música afroamericana de los 50, en el blues original, un sonido propio al que le deben muchísimo de su identidad.


2. El saxofón y el jazz


saxofon


El saxofón es un instrumento de viento de origen belga. Fue creado cerca de 1840 por Adolphe Sax, de quien toma su nombre, para ser integrado en los repertorios de la música orquesta. No tardó en arribar a América por las costas del Atlántico, donde se juntó a los conjuntos que amenizaban los eventos, orquestas de música tradicional y de un género que estaba naciendo y creciendo rápidamente: el jazz. Ajeno a la orquestación, lo que tocaban para divertirse en sus ratos libres y de jerga los instrumentistas, básicamente improvisaciones y fusiones de sonidos, fue dando origen ya no a un género, sino a un movimiento. A pesar de que la trompeta (con Louis Armstrong) y el clarinete (con el polémico Sidney Bechet) fueron los protagonistas durante gran parte de este período, el saxo iría encontrando su lugar con intérpretes como Coleman Hawkins en los años 40 y se volvería seminal con Charlie Parker en los 50. El estilo de Parker, basado completamente en la progresión y en el virtuosismo de su improvisación, revolucionó la forma en la que se hizo música desde entonces. El jazz cambió la percepción de la música. John Coltrane, contemporáneo de Parker, redefinió a su manera el sonido del saxo y lo expandió a un mundo sonoro verdaderamente abstracto, como si no hubiera fronteras.





No es por menospreciar a figuras importantes como Paul Desmond, pero el saxofón se popularizó gracias a la cultura afro de EE UU y pasó de ser un instrumento de segunda en la composición orquestal a ser la esencia del jazz, el ícono de la noche, y de ahí se incorporó a otros estilos y a otros tipos de música. Asimismo identificó un tipo de música que militaba en los tiempos de cambio y de reivindicaciones sociales.


3. Sámpler, vinilos y rap


instrumentos afro


El jazz empezó a decaer en popularidad a finales de los 60. Era una música demasiado intelectual y complejo para los jóvenes, ansiosos por pasar un buen rato, ir de fiesta y bailar. Aunque nunca pereció ni perecerá, la música en la radio tenía nuevos representantes. El rock 'n' roll había llegado para quedarse y era fundamentalmente blanco. La población afroamericana encontró en el soul, R&B y funk otras opciones más acordes con su cultura. Pronto se hicieron comunes fiestas en las que los DJ pinchaban los mejores temas directamente de los discos de vinilo. En algún momento alguien notó que los tornamesas o tocadiscos ofrecían la opción de repetir ciertas partes, sobre todo las de percusión, que hacían bailar más a las personas. En un sentido estricto, un tornamesas no es un instrumento, los sámplers y mezcladores, parientes de los sintetizadores jugaron un papel vital en el desarrollo de un nuevo tipo de música.





Mientras las radios de Chicago y Nueva York continuaban con estilos fade out y fade in para mezclar las pistas, en el Bronx inició la revolución del scratch y del sampleo. A pesar de que la técnica sobre vinilos parece ser un repetición constante de break beats y ruido, sentó las bases de técnicas como el looping y sampling mixing. Eran los 70 y se avecinaban los 80. Los jóvenes del Bronx no sólo cambiaron el estilo del rap y la música electrónica, sino que lograron unirse como un a nación, las padillas olvidaron sus diferencias y se rigieron por una nueva idea: la de Zulu Nation, un grupo de artistas liderados por el pionero del rap Afrika Bambaataa. En un sentido amplio, no sólo cambió el panorama musical, sino también el social. Al igual que el blues y el jazz, el rap se convirtió en una respuesta filosófica e intelectual a la cultura blanca predominante. Asimismo, sus aportaciones estéticas y teóricas han influido en gran medida sobre la música actual, como el techno, el trap, el reguetón, el pop, la electrónica y hasta el propio rock.

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El ser humano puede ser muy extraño y un reflejo de ello es la música. Las ideas artísticas no son siempre prístina claridad, pulcritud y belleza en el estricto sentido convencional. Algunos instrumentos también pueden reflejar búsquedas que se salen de la norma.


Referencias: