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5 obras que no te puedes perder en el Festival Internacional de las Luces México

16 de noviembre de 2017

Natalia Lomelí

Esculturas de luz, video mapping e instalaciones que podrás conocer en el Centro Histórico de la Ciudad de México del 16 al 19 de noviembre.



En 2008 la artista británica Tracey Emin se despedía de un amor a través de un mensaje con luz neón colocado debajo de un majestuoso vitral que fragmentaba la luz en colores sobre el atrio de la Catedral de Liverpool. "I Felt You And I Knew You Loved Me", como certeza de que aquello que se ha sentido profundamente no puede ser mentira. La pieza llama la atención de los visitantes del recinto porque probablemente, al momento de leerlo, viene a su memoria aquella persona en particular que saben que los amó intensamente sin importar el punto final que el destino marcó en su historia.


Las piezas de Emin conectan con la fibra sensible del ser humano porque se inspiran en recuerdos y emociones expuestas de manera poética. La experiencia personal es el detonante de sus instalaciones, ideas y pensamientos que suelen encerrarse en su cabeza y atormentarla en instantes de soledad, pero que se vuelven públicos a través de la luz neón, material que emplea en sus obras desde mediados de la década de los noventa, siguiendo la herencia conceptual de artistas como Bruce Nauman y Joseph Kosuth, pioneros en este tipo de instalaciones que replicaban el impacto visual de la publicidad desde la década de los sesenta.



De esta manera, una instalación de luz en un espacio público es capaz de entrelazar historias y sentimientos tan íntimos y profundos como los recuerdos de amores fallidos y corazones que se extrañan. Al iluminar deseos y declaraciones de amor se comprueba una vez más que no existe un sentimiento universal tan fuerte como el amor.


Este lenguaje de la luz ha sido utilizado por diferentes artistas y se ha adaptado a distintos temas e intenciones, gracias a las múltiples posibilidades que la tecnología le entregó al arte para que se abriera paso en el mundo digital. Así, los artistas multimedia rebasan los límites del espacio y se apoderan de calles y fachadas en instalaciones capaces de envolvernos en atmósferas y experiencias interactivas que las disciplinas tradicionales no permiten.


Estas manifestaciones son la razón del Festival Internacional de las Luces FILUX que este año presenta 26 instalaciones en diferentes recintos del Centro Histórico de la Ciudad de México, como una iniciativa anual para dar visibilidad a los creativos que destacan en este campo artístico. Te presentamos cinco obras que podrás visitar únicamente este fin de semana en un recorrido nocturno por el arte contemporáneo.


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1.8

Janet Echelman / USA

Centro Cultural del México Contemporáneo



Esta pieza manifiesta la imponente presencia de aquellas fuerzas incontrolables que nos sobrepasan para recordarnos que todo está conectado en la naturaleza y que vivimos irremediablemente frágiles y susceptibles a sus cambios. Esta monumental escultura late con el viento y se convierte por sí misma en una manifestación tangible de las relaciones entre la tierra y el cielo, fuerzas que nos envuelven e interactúan con nosotros todo el tiempo, aun cuando no nos damos cuenta.


Echelman creó el concepto de esta obra a partir de datos científicos recopilados acerca del terremoto y tsunami de 2010 en Chile, que muestran indicadores de los efectos de ambos fenómenos y demuestran que las vibraciones que produjeron fueron tan potentes que lograron acelerar momentáneamente la rotación de la Tierra, acortando la duración del día por 1.8 microsegundos.


Ejemplos como éste nos recuerdan que todo lo que hacemos y las decisiones que tomamos tienen consecuencias en el entorno y en quienes forman parte de nuestra historia, así como cada partícula del cosmos repercute en el resto de los organismos, porque tenemos menos control de nosotros mismos de lo que solemos aceptar.



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El árbol

Josué Abraham Palma / México

Museo de Arte de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado



Cierra los ojos y piensa cómo se siente cuando te toman de la mano, cómo se siente el roce de otros labios con los tuyos o cómo vibra cada poro de tu piel cuando la recorren con la yema de los dedos. Con cada persona el contacto físico se experimenta de manera única, nunca besarás como lo has hecho anteriormente y nunca te abrazarán de la misma forma dos personas distintas. Esto se debe a que la manera en la que experimentamos el mundo es a través del tacto, por ello es uno de los sentidos más desarrollados y complejos que tenemos los seres humanos.


El contacto físico determina nuestras relaciones personales con el mundo y está científicamente comprobado que cuando alguien nos toca se activan mecanismos que contribuyen al bienestar emocional porque aumenta la producción de oxitocina y los niveles de serotonina, mismos que se relacionan con el afecto y la relación respectivamente, mientras se disminuye la producción de cortisol, hormona relacionada al estrés.


Con base en esa afirmación, la pieza de Josué Abraham Palma nos incita a tocarnos y poner atención a los efectos que dicha acción tiene en el universo, ya que cuando el árbol detecta que quienes lo rodean se abrazan, se toman de las manos o se besan, produce luces y sonidos para manifestar la energía que ambos espectadores están intercambiando entre sí y con el ambiente que los rodea, descargas invisibles pero tan potentes que pueden utilizarse para activar una obra de arte.



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RIMIYOHO

Fernando Sica / Ciudad de México

Plaza Seminario



RIMIYOHO es una propuesta de light painting, arte digital que consiste en un performance en vivo a partir de herramientas digitales para crear grafittis digitales de luz e intervenir espacios públicos, escenarios o fachadas de edificios. Estas obras son generadas en tiempo real por un ilustrador y animador que aprovecha las herramientas multimedia en el proceso creativo para involucrarse con la comunidad y el entorno, porque se permite mostrar abiertamente el momento de elaboración de una pieza.


Una de las principales virtudes de esta instalación es que podrás experimentar de manera cercana el desarrollo artístico que da origen a una pieza, algo que suele realizarse de manera introspectiva en la soledad de un estudio, pero en este caso se inspira y retroalimenta con la interacción y la respuesta de los espectadores ante una pintura en movimiento.



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Capilla de la Solemnidad

Erick De Gorostegui / México

Museo Interactivo de Economía MIDE



El cambio, es ese ritual en el que todo se transforma para cerrar ciclos y dejar el pasado atrás. Parte de soltar aquellas cosas negativas que no queremos en el presente es la catarsis, y ése suele ser un proceso doloroso en el cual queremos huir y correr hacia ninguna parte. El problema ocurre cuando nos damos cuenta de que "ninguna parte" es un espacio en la memoria, un lugar que habitamos al cerrar los ojos y del que no podemos escapar porque existe en nuestro interior. Esta concepción en la pieza de Erick de Gorostegui es un espacio que muta, inspirado en la filosofía de Foucault:


«Lugares reales, lugares efectivos, lugares que están diseñados en la institución misma de la sociedad, especies de utopías efectivamente realizadas en las cuales, todos los otros emplazamientos reales que se pueden encontrar en el interior de la cultura están a la vez representados, cuestionados e invertidos, especies de lugares que están fuera de todos los lugares, aunque sean, sin embargo, efectivamente localizables».


Por ello, la pieza está construida como un vórtice hacia la introspección, hacia lo reflexivo y la emoción genuina. Es una ventana hacia la catarsis y el eterno ritual de los ciclos. Además, es una reflexión acerca de cómo los espacios someten y ejercen una gran influencia en quienes los habitan y transitan y son factores determinantes en sus actos. Como la arquitectura, esta obra experimenta cómo producir emociones a través de los espacios, porque construir involucra el sentido subjetivo del ser humano al diseñar el lugar donde quiere refugiarse.



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Nocheztli. el color sagrado

Colectivo Kaijus VS Robots / México


Fachada del Palacio de Bellas Artes



Esta pieza es un video mapping inspirado en la historia de la grana cochinilla, pigmento con más 300 años de antigüedad de origen prehispánico y mexicano, utilizado como tinte por múltiples corrientes, artistas y técnicas a lo largo de la historia. Sin embargo, más allá de la tonalidad y el color, el rojo mexicano puede considerarse como una ofrenda de vida por sí mismo, por su significado en la cosmovisión de nuestros antepasados, ya que la cría de la cochinilla durante la época prehispánica fungía como tributo en códices, rituales y con fines medicinales. Usarlo indicaba poder y riqueza, por lo que adquirió gran importancia en el comercio cuando se empezó a exportar en la industria textil a países europeos y asiáticos. Hasta que la pintura en tubo revolucionó el mercado, dejando atrás el sentido artesanal y cultural de la grana cochinilla.


Esta intervención se presenta en el marco de la exposición "Rojo Mexicano. La grana cochinilla en el arte" del Museo del Palacio de Bellas Artes, que propone un justo reconocimiento al papel de este pigmento en la historia del arte, presente en obras de Tintoretto, Tiziano, Velázquez, Turner, Renoir y una de las piezas más famosas: El dormitorio de Arlés de Van Gogh.



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No te pierdas estas piezas en el FILUX 2017, espacio de promoción y exhibición del arte que se realiza con el lenguaje de la luz, vinculando artistas nacionales e internacionales en 21 espacios públicos e instituciones culturales de la Ciudad de México. La programación de este año está basada en un recorrido gratuito y libre de cuatro noches de las 18:00 a las 23:00 hrs. a través de proyecciones monumentales, mapping, esculturas de luz e instalaciones interactivas.


Consulta el resto de la programación, horarios y sedes en: filux.info


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La tecnología y la luz se han fusionado en piezas donde los artistas expresan su mundo interior, como todo lo que siempre quise decirte en 18 obras de arte de neón, pero también pueden cuestionar el papel de la tecnología en la vida contemporánea, como las obras de arte que nos recuerdan que vivimos en Black Mirror.


TAGS: Exposiciones Instalación arte contemporáneo
REFERENCIAS: Filux 2017

Natalia Lomelí


Coordinadora Cultural

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