Las señoritas de Avignon de Picasso significado: el cuadro es un óleo sobre tela de 243.9 × 233.7 cm pintado por Pablo Picasso en París entre junio y julio de 1907, cuando tenía 25 años. Representa a cinco mujeres desnudas con formas angulares y planos fragmentados, sin perspectiva convencional ni idealización del cuerpo. La obra pertenece a la colección permanente del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, donde se exhibe en el Piso 5, Sala 502.
Entender qué está pasando en este lienzo importa porque casi todo lo que se dice de él en internet es parcialmente falso: el título no lo eligió Picasso, la influencia africana que él mismo negó sí existió, y el escándalo que supuestamente causó de inmediato tardó años en producirse. Conocer esos detalles cambia completamente la lectura de la obra.
La historia detrás
Picasso comenzó los bocetos preparatorios en el invierno de 1906-1907, produciendo cientos de estudios —más que para cualquier obra anterior— antes de llegar a la composición final. El punto de partida fue su recuerdo de un burdel en el Carrer d’Avinyó de Barcelona.
En julio de 1907 la mostró por primera vez en su estudio a un grupo que incluía a Henri Matisse y André Derain. La reacción fue tan negativa que Picasso no la exhibió públicamente durante casi una década. Su primera exposición fue en 1916, cuando el crítico André Salmon la rebautizó como Les Demoiselles d\’Avignon para suavizar el impacto del título original: Le Bordel d\’Avignon. Picasso nunca aceptó ese cambio.
La obra permaneció enrollada en su estudio hasta 1924, cuando la vendió al diseñador y coleccionista Jacques Doucet. Doucet había prometido legarla al Louvre, pero murió en 1929 sin cumplirlo. Pasó al marchante Jacques Seligmann & Co. en Nueva York, y en 1937 el MoMA la adquirió por 24,000 dólares —financiados en parte con la venta de un Degas y donaciones privadas— a través del Lillie P. Bliss Bequest. La transacción se completó en 1939.
Qué estás viendo
- La figura de la izquierda tiene rasgos de perfil que recuerdan al arte egipcio o del sur de Asia, completamente distintos al resto del cuadro. Es la única que parece mirar hacia adentro del lienzo, no al espectador.
- Las dos figuras de la derecha tienen rostros que imitan máscaras africanas o ibéricas, con una factura radicalmente diferente a las tres de la izquierda. Picasso las repintó después de visitar el Musée d\’Ethnographie du Trocadéro, lo que crea una ruptura estilística visible dentro del mismo lienzo.
- La iluminación no tiene lógica: las luces y sombras están dispersas en formas dentadas por toda la tela, sin una fuente coherente. Esa tensión visual es deliberada.
- La figura agachada en la esquina inferior derecha tiene la espalda vuelta hacia el espectador pero el rostro girado hacia él, una torsión anatómicamente imposible que Picasso usa para mostrar frente y espalda al mismo tiempo.
- En los bocetos originales había dos figuras masculinas: un estudiante de medicina con una calavera y un marinero. Picasso los eliminó para que no hubiera narrativa ni cliente, solo las mujeres confrontando directamente a quien mira.
Qué significa cada elemento
Las máscaras de las figuras de la derecha son el elemento más debatido. Según el curador William Rubin del MoMA, reflejan el interés de Picasso en el arte africano e ibérico, pero también funcionan como expresión de miedo y agresividad, no solo de deseo. Rubin argumenta que la obra es tanto sobre el deseo de Picasso como sobre su terror al contagio de enfermedades venéreas.
La fruta en primer plano —uvas, pera, sandía— es un elemento convencional del bodegón europeo colocado en un contexto radicalmente anticlásico. Subvierte la tradición del desnudo femenino acompañado de naturaleza muerta: el contraste entre lo familiar del bodegón y la violencia formal de las figuras es parte del efecto.
La cortina que abre la figura de la izquierda es leída por varios críticos como un gesto teatral que convierte al espectador en voyeur involuntario, con una inversión: son ellas quienes miran, no quien observa.
En cuanto al título, el MoMA confirma que Avignon no remite a la ciudad francesa sino al Carrer d\’Avinyó de Barcelona, y que demoiselles es un eufemismo irónico para trabajadoras sexuales.
Lo que se repite y no es cierto
Mito 1: Picasso se inspiró en el arte africano. Picasso negó explícitamente en una entrevista de 1939 haber tenido contacto con arte africano al momento de pintar la obra, insistiendo en que su interés era la escultura ibérica. Sin embargo, según Artnet News y múltiples historiadores, esa declaración es manifiestamente falsa: se sabe que visitó el Musée d\’Ethnographie du Trocadéro en la primavera de 1907, y que sus primeros bocetos comenzaron la misma noche en que vio una figura Teke del Congo en el estudio de Matisse, en octubre de 1906. La ruptura estilística visible entre las figuras de la izquierda y las de la derecha dentro del mismo lienzo es la evidencia más directa de ese cambio de referentes.
Mito 2: El título lo eligió Picasso. El título original era Le Bordel d\’Avignon, que el propio Picasso usó siempre. Fue André Salmon quien lo cambió para la exposición de 1916. Picasso nunca lo aceptó y habría preferido llamarla las chicas de Avignon, según recogen pablopicasso.org y Britannica con fuente en el biógrafo John Richardson.
Mito 3: Causó un escándalo inmediato. La pintura permaneció enrollada en el estudio de Picasso durante años y no se exhibió al público hasta 1916. Su reconocimiento como obra revolucionaria se consolidó gradualmente a principios de los años 1920, cuando André Breton escribió sobre ella. El MoMA lo documenta en su historial de la obra.
Dónde verla
La obra pertenece a la colección permanente del MoMA en Nueva York y se exhibe en el Piso 5, Sala 502 (The Alfred H. Barr, Jr. Galleries). El MoMA confirma su exhibición continua, pero las salas pueden cerrarse temporalmente por reinstalación o préstamos. Conviene verificar disponibilidad en el sitio del museo antes de visitar.
Preguntas rápidas
¿Por qué se llama “de Avignon” si las figuras son de Barcelona?
El título refiere al Carrer d\’Avinyó de Barcelona, no a la ciudad francesa. Además, fue impuesto por el crítico André Salmon en 1916, no por Picasso.
¿Es cubismo?
Se clasifica como proto-cubismo: la obra anticipa el lenguaje del cubismo —fragmentación de planos, múltiples puntos de vista simultáneos— pero fue pintada antes de que ese movimiento existiera como tal.
¿Cuánto mide el cuadro?
243.9 × 233.7 cm, equivalente a poco más de 8 pies de alto por 7 pies y 8 pulgadas de ancho. Es una obra de gran formato que se experimenta de manera muy distinta en persona que en pantalla.
Ficha técnica
- Autor: Pablo Picasso
- Año: París, junio-julio 1907
- Técnica: Óleo sobre tela
- Medidas: 243.9 × 233.7 cm (8′ × 7′ 8″)
- Movimiento: Proto-Cubismo
- Dónde está: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York — Piso 5, Sala 502 (The Alfred H. Barr, Jr. Galleries)
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Referencias
- MoMA.org | Explore | Collection | Conservation | Les Demoiselles d’Avignon | Analysis Previous Treatments | T
- MoMA.org | Explore | Collection | Conservation | Les Demoiselles d’Avignon | History of the Painting
- MoMA.org | Explore | Collection | Conservation | Les Demoiselles d’Avignon
- MoMA.org | Explore | Collection | Conservation | Les Demoiselles d’Avignon | History of the Painting | Working
- 502: Picasso’s Les Demoiselles d’Avignon | MoMA
Imagen: Pablo picasso 1, Argentina . Revista Vea y Lea — Wikimedia Commons · Public domain.