Pinturas que seguro no conoces de los grandes artistas

Muchos nos creemos conocedores del arte por saber cuáles son las pinturas más famosas de cada artista, pero hemos visto tan sólo una pizca de la obra de cada uno. Vincent van Gogh, por ejemplo, es reconocido por los cuadros de su apartamento amarillo o las múltiples versiones de girasoles que pintó, pero en realidad su obra consta de unas 2 mil piezas. En 2012 descubrieron cien pinturas desconocidas que pertenecían a Caravaggio y las falsificaciones de la obra de Frida Kahlo han hecho que muchos aseveren que se trata de una obra real de la artista aunque no lo sea.

Sabemos a qué nos referimos si hablamos de Las Señoritas de Avignon, La persistencia de la memoria o Las dos Fridas, y en ocasiones, si no reconocemos la imagen, conocemos quién es el genio que está detrás de la obra por la técnica que utiliza o los trazos que hace. Pero en ocasiones, ellos mismos nos engañan. No los imaginamos pintando de esa manera ni utilizando los recursos que vemos plasmados. Cuando conocemos lo que pueden hacer, notamos más su maestría con el pincel y la habilidad que realmente tenían para dominar la pintura en cualquier corriente.

Aquí te presentamos 10 ejemplos de pinturas no conocidas de los pintores más famosos.

Playa de Scheveningen en tiempo calmo, Vincent van Gogh

El pintor posimpresionista Vincent van Gogh se concentró en adoptar una técnica que a través de los colores permitiera mostrar la expresividad de su obra de arte. La mayoría de sus pinturas son en colores amarillos y rojos. Al principio trabajó con sombras colores, pero después incorporó los colores brillantes tan característicos de su obra. Produjo más de 900 pinturas y unos mil dibujos. La mayoría de sus trabajos los hizo al final de su vida, antes de cometer suicidio. En esta obra aún no se ve un estilo característico, aún seguía los trazos característicos del impresionismo que había logrado pintar al aire libre.
La urraca, Claude Monet
Para Monet era importante captar los efectos de luz transitorios en la naturaleza para lograr plasmar la sensación. Esta pintura se convirtió en un reto, pues aun sin sol y con nieve, buscaba plasmar el efecto de luz sobre ésta. De pronto, en medio de la nieve, Monet notó a una urraca encima de un portal, frágil y desprotegido. Los tonos claros y luminosos de esta obra son poco usuales, por lo que esta pintura clara se convierte en una de las obras con más ingenio. Monet innovó y se atrevió a hacer lo que ningún otro impresionista había intentado, pero el jurado del Salón de 1869 la rechazó.
Cesta de Pan, Salvador Dalí

Uno de los únicos cuadros que no engloban el surrealismo característico de sus obras. Esta obra se expuso por primera vez en la muestra Recent Paintings by Salvador Dalí en la galería Bignou en Nueva York el 20 de noviembre de 1945. Dalí escribió “pinté esta obra durante dos meses consecutivos, cuatro horas cada día. Durante este periodo sucedieron los más sorprendentes y sensacionales episodios de la historia contemporánea. Esta obra se acabó un día antes del final de la guerra. El pan ha sido siempre uno de los temas fetichistas y obsesivos más antiguos de mi obra, aquél al que he permanecido más fiel. Hace diecinueve años pinté el mismo tema. Si se comparan con esmero las dos obras, se puede estudiar toda la historia de la pintura, desde el encanto lineal del primitivismo hasta el hiperesteticismo estereoscópico. Esta obra típicamente realista es la que más ha satisfecho mi imaginación. Aquí tenemos una pintura sobre la cual nada se puede decir: ¡El enigma total!”.
Allá cuelga mi vestido, Frida Kahlo

En 1933, Frida se encontraba en Estados Unidos y deseaba, sobre todas las cosas, volver a México. Diego se rehusaba a irse y ella estaba empecinada en volver. Así surgió esta pintura, el único collage de la artista que representa al capitalismo norteamericano con su audaz sentido del humor. El cuadro está lleno de símbolos de una sociedad industrial degenerada en la que los valores humanos se destruyen. Con esta obra también critica la postura de su esposo, quien apoyaba a la industrialización de los países como lo plasma en el Rockefeller Center. En lugar de hacer un autorretrato, muestra un vestido de Tehuana colgado, vacío, en medio del caos.

Ciencia y Caridad, Pablo Picasso

En un proceso de autoconocimiento, apenas desarrollando un estilo propio, Picasso pinta esta obra esencial en su etapa de formación. Con tan sólo 15 años realiza un cuadro con composiciones difíciles y notamos la culminación de su aprendizaje académico a cargo de su padre José Ruíz Blasco. Esta obra pertenece al realismo social clásico de los pintores conservadores de la segunda mitad del siglo XIX. Con él proyecta su interés por los demás y el progreso de la ciencia. Está estructurada de manera que todos los personajes tengan como objetivo lo que también debería ser el principal foco de atención del espectador, la mujer enferma. La estancia estrecha, la luz y los colores, crean una atmósfera íntima.
Judith II (Salome), Gustav Klimt

¿Heroína o criminal? Judith, una hermosa viuda, entra a la tienda del general Sirio que estaba a punto de destruir a su pueblo. Lo emborrachó y después de un rato, cortó su cabeza y salvó a su pueblo. Por otro lado, Salomé también cortó una cabeza: la de San Juan Bautista después de que él la rechazó. Para muchos artistas, Judith representa la feminidad sexualizada combinada con la agresión masculinizada, un símbolo del empoderamiento femenino, Salomé es la femme fatale, Klimt combina ambas.

Las afinidades electivas, René Magritte

Un huevo enorme dentro de una jaula igual de gigante que él. Magritte desconfía de los conceptos y las explicaciones apresuradas, sacude la confianza que el espectador tiene en el mundo que conoce. El orden de las cosas aparentemente duradero y ensamblado correctamente se desdefine y con elementos sencillos, logra causar incomodidad con elementos bastantes naturales.
English garden, Wassily Kandinsky

Wassily se caracteriza por la mezcla de colores que expresan un sentimiento interno, en el que busca una composición musical a través de elementos visuales. Pero este pintor ruso también tuvo una etapa marcada por el impresionismo. Con gran interés en el color, sus cuadros eran paisajes hermosos que primaban la luz, pero poco después de un viaje alrededor del mundo, se dio cuenta de que el objeto era algo secundario y perjudicial para su trabajo, con lo que simplifica las formas y amplifica las riquezas cromáticas. Esta obra pertenece a la etapa de sus impresiones: las que mezclan el rigor compositivo con lo intuitivo.

Starry night, Edvard Munch

Tal vez inspirado en la pintura de van Gogh, Munch realizó dos obras distintas. Una en 1893 que parece tener muchos elementos unidos y sus colores característicos. En esta de 1923 se ve un esfuerzo para crear drama, no sólo con la calidad de la pintura sino con la nieve y el paisaje. El sentido de las figuras está al mismo tiempo, ausente y presente, a través de sombras que vislumbran la existencia de alguien.
Cavadenti, Caravaggio

El uso del tenebrismo en todas sus pinturas les da una oscuridad profunda que las hace parecer tan reales que queremos introducirnos en el cuadro. En su obra se combina una manera única de mostrar las expresiones de aquellos a quienes representa y el horror de ser testigos de un momento atroz. Todas las pinturas de Caravaggio poseen una maestría única que quizá ningún pintor ha podido superar. Este cuadro no sólo habla del dolor que significaba ir al dentista en siglos pasados, sino habla del prodigioso don que recibió.

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