La cinematografía es un arte completo que involucra varias disciplinas. Viene del griego kinema (movimiento) y graphein (registro), una etimología que describe por sí sola es lo que se hace: capturar el movimiento. La suma del movimiento y su inmortalización logra un resultado sublime que sensibiliza los sentidos del espectador y lo hace empático con la obra, como si fuera su propia vida. Para lograr este asombroso efecto han existido directores de cine que con ayuda de grandes profesionales de la cámara pudieron lograr que sus películas marcaran la vida de las personas. Esta lista incluye a los más grandes maestros de la dirección de fotografía que han sabido capturar de la manera más sublime el movimiento.
Eduard Tisse (Latvia 1897 – Russia 1961)
Se caracterizó por los ángulos poco usuales que solía capturar; talento que atrajo enseguida a Sergei Eisenstein, el maestro del cine soviético, quien le pidió que formara parte de su equipo de trabajo. Su estilo único da a los largometrajes un aire de grandeza gracias a los acercamientos que logran exponer casi cada ángulo del escenario. Tisse dejó como legado la enseñanza de poder representar objetos cotidianos como algo grandioso, de cómo la cámara puede ser mucho más que sólo un instrumento de grabación, un instrumento de perspectiva espiritual. Su obra maestra: ¡Qué Viva México! (1931), que nunca fue terminada, mostraba el surrealismo con el que podría ser definida la cultura mexicana, mostraba a las mujeres de Tehuantepec convirtiéndose en diosas con sus exóticas mascotas en escenarios de pirámides hechas de costillas y texturas fantásticas que se reflejan en la consciencia del circunstante.
https://www.youtube.com/watch?v=TBTdUD0UOl8
Fritz Arno Wagner (Germany, 1889 – 1958)
Arno Wagner se convirtió uno de los más esenciales elementos del expresionismo alemán gracias a las propiedades de su dirección fotográfica, casi sagrada. Su absoluto dominio de la sombra y la luz le dio vida a la oscuridad que perseguía la claridad, como se puede apreciar en Nosferatu (Murnau, 1922). El ambiente siniestro de Arno Wagner hizo que Fritz Lang lo invitara a colaborar en lo que sería la primera película a cerca de un asesino serial, M (1931).
Robert Burks (USA, 1909 – 1968)
El uso casi abusivo del color que Burks aplicaba en sus creaciones daba un aspecto surrealista que Hitchcock deseó adoptar en numerosas ocasiones, pues reflejaba una realidad cinematográfica con un estilo muy personal que es fácilmente reconocible; esta afortunada combinación de talentos convirtió a ambos directores en uno mismo para crear ese tinte característico de Hitchcock. Se desarrolló tanto junto a este maestro que sus últimas creaciones son pruebas irrefutables de la edición perfecta, una captura exacta de lo que los personajes tenían en la cabeza, y una excelente ejecución de ritmo, marco e iluminación. Burks sabía convertir a la luz en un personaje que reflejaba solamente lo que deseaba de todo aquello que sucedía alrededor de ella para involucrar al espectador en una experiencia de desconcierto psicológico.
Sacha Vierny (Francia, 1919 – 2001)
Vierny puede ser definido como un poeta que en vez de palabras usaba imágenes en movimiento, enaltecido por directores como Alain Resnais, Luis Buñuel, Raúl Ruíz, Andrezei Zulawski y Peter Greenaway, que le permitieron desarrollar su talento y trascender. A pesar de que algunas de sus capturas estaban hechas en blanco y negro, Vierny construyó una puerta al mundo del inconsciente, como se puede ver en películas como Last Year at Marienbad (Resnais, 1961). Las ultimas creaciones de Vierny se caracterizan por contener un dinamismo incansable en la iluminación como en La Femme Publique (1984), considerada una de sus obras maestras.
Gregg Toland (EUA, 1904-1948)
Su influencia estilística en la dirección fotográfica del cine es evidente a partir de obras como Citizen Kane (Welles, 1941), en la que la fuerza del pensamiento de Welles se materializó gracias a Toland, logrando esta laberíntica película. Según los expertos su obra más representativa y mayor legado fue The Grapes of Wrath (1940), una adaptación de la novela de Steinbeck.
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La cinematografía es un arte completo que involucra varias disciplinas. Viene del griego kinema (movimiento) y graphein (registro), una etimología que describe por sí sola es lo que se hace: capturar el movimiento. La suma del movimiento y su inmortalización logra un resultado sublime que sensibiliza los sentidos del espectador y lo hace empático con la obra, como si fuera su propia vida. Para lograr este asombroso efecto han existido directores de cine que con ayuda de grandes profesionales de la cámara pudieron lograr que sus películas marcaran la vida de las personas. Esta lista incluye a los más grandes maestros de la dirección de fotografía que han sabido capturar de la manera más sublime el movimiento.
Eduard Tisse (Latvia 1897 – Russia 1961)
Se caracterizó por los ángulos poco usuales que solía capturar; talento que atrajo enseguida a Sergei Eisenstein, el maestro del cine soviético, quien le pidió que formara parte de su equipo de trabajo. Su estilo único da a los largometrajes un aire de grandeza gracias a los acercamientos que logran exponer casi cada ángulo del escenario. Tisse dejó como legado la enseñanza de poder representar objetos cotidianos como algo grandioso, de cómo la cámara puede ser mucho más que sólo un instrumento de grabación, un instrumento de perspectiva espiritual. Su obra maestra: ¡Qué Viva México! (1931), que nunca fue terminada, mostraba el surrealismo con el que podría ser definida la cultura mexicana, mostraba a las mujeres de Tehuantepec convirtiéndose en diosas con sus exóticas mascotas en escenarios de pirámides hechas de costillas y texturas fantásticas que se reflejan en la consciencia del circunstante.
https://www.youtube.com/watch?v=TBTdUD0UOl8
Fritz Arno Wagner (Germany, 1889 – 1958)
Arno Wagner se convirtió uno de los más esenciales elementos del expresionismo alemán gracias a las propiedades de su dirección fotográfica, casi sagrada. Su absoluto dominio de la sombra y la luz le dio vida a la oscuridad que perseguía la claridad, como se puede apreciar en Nosferatu (Murnau, 1922). El ambiente siniestro de Arno Wagner hizo que Fritz Lang lo invitara a colaborar en lo que sería la primera película a cerca de un asesino serial, M (1931).
Robert Burks (USA, 1909 – 1968)
El uso casi abusivo del color que Burks aplicaba en sus creaciones daba un aspecto surrealista que Hitchcock deseó adoptar en numerosas ocasiones, pues reflejaba una realidad cinematográfica con un estilo muy personal que es fácilmente reconocible; esta afortunada combinación de talentos convirtió a ambos directores en uno mismo para crear ese tinte característico de Hitchcock. Se desarrolló tanto junto a este maestro que sus últimas creaciones son pruebas irrefutables de la edición perfecta, una captura exacta de lo que los personajes tenían en la cabeza, y una excelente ejecución de ritmo, marco e iluminación. Burks sabía convertir a la luz en un personaje que reflejaba solamente lo que deseaba de todo aquello que sucedía alrededor de ella para involucrar al espectador en una experiencia de desconcierto psicológico.
Sacha Vierny (Francia, 1919 – 2001)
Vierny puede ser definido como un poeta que en vez de palabras usaba imágenes en movimiento, enaltecido por directores como Alain Resnais, Luis Buñuel, Raúl Ruíz, Andrezei Zulawski y Peter Greenaway, que le permitieron desarrollar su talento y trascender. A pesar de que algunas de sus capturas estaban hechas en blanco y negro, Vierny construyó una puerta al mundo del inconsciente, como se puede ver en películas como Last Year at Marienbad (Resnais, 1961). Las ultimas creaciones de Vierny se caracterizan por contener un dinamismo incansable en la iluminación como en La Femme Publique (1984), considerada una de sus obras maestras.
Gregg Toland (EUA, 1904-1948)
Su influencia estilística en la dirección fotográfica del cine es evidente a partir de obras como Citizen Kane (Welles, 1941), en la que la fuerza del pensamiento de Welles se materializó gracias a Toland, logrando esta laberíntica película. Según los expertos su obra más representativa y mayor legado fue The Grapes of Wrath (1940), una adaptación de la novela de Steinbeck.
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La cinematografía es un arte completo que involucra varias disciplinas. Viene del griego kinema (movimiento) y graphein (registro), una etimología que describe por sí sola es lo que se hace: capturar el movimiento. La suma del movimiento y su inmortalización logra un resultado sublime que sensibiliza los sentidos del espectador y lo hace empático con la obra, como si fuera su propia vida. Para lograr este asombroso efecto han existido directores de cine que con ayuda de grandes profesionales de la cámara pudieron lograr que sus películas marcaran la vida de las personas. Esta lista incluye a los más grandes maestros de la dirección de fotografía que han sabido capturar de la manera más sublime el movimiento.
Eduard Tisse (Latvia 1897 – Russia 1961)
Se caracterizó por los ángulos poco usuales que solía capturar; talento que atrajo enseguida a Sergei Eisenstein, el maestro del cine soviético, quien le pidió que formara parte de su equipo de trabajo. Su estilo único da a los largometrajes un aire de grandeza gracias a los acercamientos que logran exponer casi cada ángulo del escenario. Tisse dejó como legado la enseñanza de poder representar objetos cotidianos como algo grandioso, de cómo la cámara puede ser mucho más que sólo un instrumento de grabación, un instrumento de perspectiva espiritual. Su obra maestra: ¡Qué Viva México! (1931), que nunca fue terminada, mostraba el surrealismo con el que podría ser definida la cultura mexicana, mostraba a las mujeres de Tehuantepec convirtiéndose en diosas con sus exóticas mascotas en escenarios de pirámides hechas de costillas y texturas fantásticas que se reflejan en la consciencia del circunstante.
https://www.youtube.com/watch?v=TBTdUD0UOl8
Fritz Arno Wagner (Germany, 1889 – 1958)
Arno Wagner se convirtió uno de los más esenciales elementos del expresionismo alemán gracias a las propiedades de su dirección fotográfica, casi sagrada. Su absoluto dominio de la sombra y la luz le dio vida a la oscuridad que perseguía la claridad, como se puede apreciar en Nosferatu (Murnau, 1922). El ambiente siniestro de Arno Wagner hizo que Fritz Lang lo invitara a colaborar en lo que sería la primera película a cerca de un asesino serial, M (1931).
Robert Burks (USA, 1909 – 1968)
El uso casi abusivo del color que Burks aplicaba en sus creaciones daba un aspecto surrealista que Hitchcock deseó adoptar en numerosas ocasiones, pues reflejaba una realidad cinematográfica con un estilo muy personal que es fácilmente reconocible; esta afortunada combinación de talentos convirtió a ambos directores en uno mismo para crear ese tinte característico de Hitchcock. Se desarrolló tanto junto a este maestro que sus últimas creaciones son pruebas irrefutables de la edición perfecta, una captura exacta de lo que los personajes tenían en la cabeza, y una excelente ejecución de ritmo, marco e iluminación. Burks sabía convertir a la luz en un personaje que reflejaba solamente lo que deseaba de todo aquello que sucedía alrededor de ella para involucrar al espectador en una experiencia de desconcierto psicológico.
Sacha Vierny (Francia, 1919 – 2001)
Vierny puede ser definido como un poeta que en vez de palabras usaba imágenes en movimiento, enaltecido por directores como Alain Resnais, Luis Buñuel, Raúl Ruíz, Andrezei Zulawski y Peter Greenaway, que le permitieron desarrollar su talento y trascender. A pesar de que algunas de sus capturas estaban hechas en blanco y negro, Vierny construyó una puerta al mundo del inconsciente, como se puede ver en películas como Last Year at Marienbad (Resnais, 1961). Las ultimas creaciones de Vierny se caracterizan por contener un dinamismo incansable en la iluminación como en La Femme Publique (1984), considerada una de sus obras maestras.
Gregg Toland (EUA, 1904-1948)
Su influencia estilística en la dirección fotográfica del cine es evidente a partir de obras como Citizen Kane (Welles, 1941), en la que la fuerza del pensamiento de Welles se materializó gracias a Toland, logrando esta laberíntica película. Según los expertos su obra más representativa y mayor legado fue The Grapes of Wrath (1940), una adaptación de la novela de Steinbeck.
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La cinematografía es un arte completo que involucra varias disciplinas. Viene del griego kinema (movimiento) y graphein (registro), una etimología que describe por sí sola es lo que se hace: capturar el movimiento. La suma del movimiento y su inmortalización logra un resultado sublime que sensibiliza los sentidos del espectador y lo hace empático con la obra, como si fuera su propia vida. Para lograr este asombroso efecto han existido directores de cine que con ayuda de grandes profesionales de la cámara pudieron lograr que sus películas marcaran la vida de las personas. Esta lista incluye a los más grandes maestros de la dirección de fotografía que han sabido capturar de la manera más sublime el movimiento.
Eduard Tisse (Latvia 1897 – Russia 1961)
Se caracterizó por los ángulos poco usuales que solía capturar; talento que atrajo enseguida a Sergei Eisenstein, el maestro del cine soviético, quien le pidió que formara parte de su equipo de trabajo. Su estilo único da a los largometrajes un aire de grandeza gracias a los acercamientos que logran exponer casi cada ángulo del escenario. Tisse dejó como legado la enseñanza de poder representar objetos cotidianos como algo grandioso, de cómo la cámara puede ser mucho más que sólo un instrumento de grabación, un instrumento de perspectiva espiritual. Su obra maestra: ¡Qué Viva México! (1931), que nunca fue terminada, mostraba el surrealismo con el que podría ser definida la cultura mexicana, mostraba a las mujeres de Tehuantepec convirtiéndose en diosas con sus exóticas mascotas en escenarios de pirámides hechas de costillas y texturas fantásticas que se reflejan en la consciencia del circunstante.
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Fritz Arno Wagner (Germany, 1889 – 1958)
Arno Wagner se convirtió uno de los más esenciales elementos del expresionismo alemán gracias a las propiedades de su dirección fotográfica, casi sagrada. Su absoluto dominio de la sombra y la luz le dio vida a la oscuridad que perseguía la claridad, como se puede apreciar en Nosferatu (Murnau, 1922). El ambiente siniestro de Arno Wagner hizo que Fritz Lang lo invitara a colaborar en lo que sería la primera película a cerca de un asesino serial, M (1931).
Robert Burks (USA, 1909 – 1968)
El uso casi abusivo del color que Burks aplicaba en sus creaciones daba un aspecto surrealista que Hitchcock deseó adoptar en numerosas ocasiones, pues reflejaba una realidad cinematográfica con un estilo muy personal que es fácilmente reconocible; esta afortunada combinación de talentos convirtió a ambos directores en uno mismo para crear ese tinte característico de Hitchcock. Se desarrolló tanto junto a este maestro que sus últimas creaciones son pruebas irrefutables de la edición perfecta, una captura exacta de lo que los personajes tenían en la cabeza, y una excelente ejecución de ritmo, marco e iluminación. Burks sabía convertir a la luz en un personaje que reflejaba solamente lo que deseaba de todo aquello que sucedía alrededor de ella para involucrar al espectador en una experiencia de desconcierto psicológico.
Sacha Vierny (Francia, 1919 – 2001)
Vierny puede ser definido como un poeta que en vez de palabras usaba imágenes en movimiento, enaltecido por directores como Alain Resnais, Luis Buñuel, Raúl Ruíz, Andrezei Zulawski y Peter Greenaway, que le permitieron desarrollar su talento y trascender. A pesar de que algunas de sus capturas estaban hechas en blanco y negro, Vierny construyó una puerta al mundo del inconsciente, como se puede ver en películas como Last Year at Marienbad (Resnais, 1961). Las ultimas creaciones de Vierny se caracterizan por contener un dinamismo incansable en la iluminación como en La Femme Publique (1984), considerada una de sus obras maestras.
Gregg Toland (EUA, 1904-1948)
Su influencia estilística en la dirección fotográfica del cine es evidente a partir de obras como Citizen Kane (Welles, 1941), en la que la fuerza del pensamiento de Welles se materializó gracias a Toland, logrando esta laberíntica película. Según los expertos su obra más representativa y mayor legado fue The Grapes of Wrath (1940), una adaptación de la novela de Steinbeck.
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