Películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre cine
Cine

Películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre cine

Avatar of Ignacio Perez

Por: Ignacio Perez

3 de mayo, 2016

Cine Películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre cine
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Por: Ignacio Perez

3 de mayo, 2016




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Hacer cine va mucho más allá de apuntar una cámara a un grupo de actores; es un medio colaborativo que vive gracias al uso de luces, música, sonido, fotografía, edición, la escritura de guiones y efectos especiales.

Hay ciertos momentos en los que un cineasta usa dichas herramientas de manera particular e innovadora que inspira y deleita a todos los creativos que vendrán después de él. Aunque no todos los filmes de la siguiente lista han sido igual de influyentes, claramente ilustran una práctica cinematográfica que nos enseña una lección invaluable de cómo se construyen las películas.




"Citizen Kane" ("El ciudadano Kane") - 1941
Orson Welles.

Citizen_Kane

Muchas personas no entienden por qué es considerada como el mejor filme jamás hecho; la principal razón es porque Orson Welles rompió todas las reglas al colocar la cámara en ángulos que no se habían puesto, igual que los movimientos que le dio. También hizo gran uso de una técnica de enfoque profundo que mantiene la clara visibilidad, tanto en el primer plano como en el fondo.
Aunque el filme no causó tanto furor en su estreno, ahora es considerado por muchos como el pionero en técnicas que ahora son usuales.

Lo que te puede enseñar: Movimiento de cámara, ángulos de cámara, enfoque, edición.

Escena a analizar: Se puede observar a un joven Kane lanzando bolas de nieve en un agradable día de invierno; en lugar de cortar e ir a otra escena, Wells continúa con la acción y pone la cámara apuntando a través de la ventana de una cabaña para revelar a los padres del niño mientras discuten su futuro. Es simple y, para ese entonces, revolucionaria.

 


"À bout de soufflé" ("Al final de la escapada") - 1960
Jean-Luc Godard.

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Jean Luc Godard desorientó y maravilló a los espectadores con una mirada fresca y estilizada al ignorar las reglas convencionales de la edición e introducir “saltos” abruptos en sus escenas; los actores cambiaban de posición en sus escenas y el tiempo parecía volar. Los cineastas Estadounidenses tomaron nota y empezaron a hacer que sus filmes se vieran más rápidos y vanguardistas, ayudando a incorporar una “Nueva Ola” de cine norteamericano que aún define lo que se presenta en la actualidad.

Lo que te puede enseñar: Edición, causalidad.

Escena a analizar: Mientras Michel (Jean-Paul Belmondo) le da a Patricia (Jean Seberg) un aventón en un auto recién robado, Godard recorta el paso del tiempo al editar la escena. El tiempo parece que literalmente “salta” mientras los coches y personas parecen desaparecer; sin embargo la conversación que se lleva a cabo parece que fluye cómodamente y se mantiene coherente.

 



"Dark star" ("Estrella oscura") – 1974
John Carpenter.

Carpenter_Darkstar

Hay mucho que aprender de este clásico de ciencia ficción, dirigido por John Carpenter. El proyecto empezó como un filme estudiantil y, por tanto, con bajo presupuesto, pero fue mejorado para convertirse en el debut cinematográfico de Carpenter. Antes de "Clerks", "El Mariachi" o "The Blair Witch Project", "Dark Star" probó que ángulos de cámara innovadores y un guión inteligente son lo único que se necesita para hacer una buena película.

Lo que te puede enseñar: Trabajar con bajo presupuesto, diseño de sets.

Escena a analizar: La escena del elevador en "Dark Star" es extremadamente divertida y excepcionalmente inventiva. Puede parecer que Dan O’Bannon (que después escribiría "Alien") está a centímetros de caer, pero en realidad está acostado en el suelo con una pieza de madera en los pies.
Carpenter aumenta la tensión al hacer que el elevador casi aplaste a Bannon, que realmente es una tabla de plástico tomada con un gran acercamiento, mezclada con sonidos de elevador. Es ridículamente simple, pero sorpresivamente efectiva.




"Blow Out" ("Impacto") – 1981
Brian De Palma.

Travolta_Impacto

La falta de éxito en taquillas de "Blow Out" ha causado la aparente desaparición de este thriller. Por fortuna, aficionados al cine continúan alabándola, tanto en el aspecto narrativo como en el  técnico. "Blow Out" se adentra al proceso cinematográfico de seguir al editor de sonido Jack Terri (John Travolta), cuando éste se encuentra con un asesinato que graba por accidente mientras busca efectos de sonido. 

Lo que te puede enseñar: Efectos de sonido.

Escena a analizar: La escena en la que Travolta graba el asesinato tiene una cualidad hipnótica; por casi cinco minutos, De Palma le pide a la audiencia que ponga atención y que escuche sus entornos.
Travolta se encuentra en la oscuridad mientras graba el viento nocturno pasar entre los árboles, moviendo su micrófono de unos amantes que discuten, un sonido chirriante lo distrae. La cámara se aleja casi 100 metros, dejando a Travolta a lo lejos y revelando que el sonido proviene de una pequeña rana, entonces un sonido metálico excita y enfoca a Travolta; el ruido no se explica en la escena y es sólo viéndola otra vez en la que puedes apreciar que el director no sólo introdujo a un personaje principal de manera peculiar, sino que también introdujo el arma homicida.




"Goodfellas" ("Buenos Muchachos") – 1990
Martin Scorsese.

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Martin Scorsese no sólo hace filmes sobre música ("The Last Waltz", "No Direction Home"), la música le ayuda a crear sus películas. Es un verdadero genio, capaz de combinar la música con la cinematografía de  manera excelsa. El soundtrack para este clásico de gangsters es  inmenso, con casi cincuenta canciones que ayudan a reflejar el estado emocional del personaje en pantalla.

Lo que te puede enseñar: El uso de soundtracks para complementar la acción.

Escena a analizar: Mientras el personaje de Robert De Niro, Jimmy “The Gent”, observa al aguerrido Morrie (Ray Liotta), la cámara lentamente hace un acercamiento a él, mientras el clásico de Cream, ´Sunshine of Your Love´, suena de manera armoniosa. Es una forma fantástica de tejer una excelente actuación y la  selección musical.



 

"The Godfather: Part III" ("El Padrino: Parte III") – 1990
Francis Ford Coppola.

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No hay muchas cosas que la tercera entrega de "The Godfather" haga mejor que las dos anteriores. Sin embargo, logra envejecer a su personaje central sin llamar mucha atención al maquillaje; cuando se hace mal, éste puede eliminar el sentido de credibilidad que tiene la audiencia ante un filme.

Lo que te puede enseñar: Iluminación, maquillaje.

Escena a analizar: La escena en la que Kaye confronta a Michael, muestra al Don de la mafia interpretado por Al Pacino cansado y viejo. El cabello de Pacino está pintado de blanco y un maquillaje sutil se usó para poner ojeras debajo de sus ojos y dar énfasis en las líneas de expresión, pero lo que realmente hace notar la edad de Michael es el uso de la iluminación, ya que agrega sombras que están siempre presentes alrededor de sus ojos y define las líneas faciales propias de una edad adulta. 



 

"The Matrix" - 1999
Ady Wachowski y Lana Wachowski.

Morpheus_Neo_Matrix

Siempre se habla de las escenas de acción y los efectos especiales cuando nos referimos a  "The Matrix". Sin embargo, incluso las secuencias más simples de diálogo, tienen matices que ofrecen pistas e inferencias que ayudan al espectador a mantenerse orientado a través de su narrativa compleja.

Lo que te puede enseñar: Manejo de luces, color y lentes de cámara.

Escena a analizar: Parado en el puente del Nabucodonosor, Morfeo le pregunta a Neo “¿Querías saber lo que es la Matrix?” En el fondo se puede ver un brillo azul que emiten las computadoras y que está en cada toma, incluso si las pantallas no son visibles. Todos los personajes que rodean a Neo se enfocan usando un lente largo que levanta a los personajes del fondo. Después de que Neo es conectado a la Matrix, el esquema de color cambia. Se va el azul vibrante y lo remplaza un verde (similar al código de la Matrix) que se nota en la corbata de Morfeo y en la playera de Neo. Usando una lente normal, los personajes se ven un poco más suaves en términos de enfoque, infiriendo sutilmente que se han tornado menos “reales” de lo que eran momentos antes.






"El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo" - 2001
Peter Jackson.

Bilbo_Anillo

Esta película usó una gran combinación de técnicas para crear la tierra media; para lograr que los pequeños hobbits interactuaran con personas de tamaño normal se usó perspectiva forzada (en el que un actor se para a lo lejos para aparentar ser más chico de lo que realmente es), sets gigantes, dobles de tamaño pequeño, un puñado de animación por computadora y actores con zancos.
Sin embargo, fue el uso de la iluminación y la cinematografía en donde "El Señor de los Anillos" realmente sobresale como película.

Lo que te puede enseñar: Iluminación, ángulos de cámara, edición.

Escena a analizar: Cuando Bilbo duda en dejar su anillo mágico a Frodo, la posición de la cámara hace que éste se convierta en un personaje en la escena. Usando una toma contracampo (donde la cámara se posiciona en el punto de vista de un personaje o detrás de él), el poder del anillo sobre Bilbo se vuelve obvio.
La luz en la cara de Bilbo, con la mitad iluminada y la minad oscurecida, ilustra el conflicto que enfrenta mientras piensa en el anillo. La escena termina con una toma en la que el anillo contempla directamente a Gandalf, ayudando a intuir la capacidad de sentir del anillo.

 



"Adaptation" ("El ladrón de orquídeas") – 2002
Spike Jonze.

cine

Mientras sufre por adaptar el libro "El ladrón de Orquídeas" en un guión interesante, Charlie Kaufman enloqueció y decidió escribirse a sí mismo dentro de éste. Así que, en lugar de ser una historia sobre encontrar y clonar una planta extraña, tenemos una historia sobre Kaufman mientras intenta adaptar una historia sobre encontrar y clonar una planta extraña.
Aunque es constantemente extraña, "Adaptation" muestra todos los conflictos a los que se enfrentan los escritores, al mismo tiempo en que enaltece las convenciones de Hollywood sobre el conflicto y  la crisis que parece compulsiva, al escribir una historia aceptable.

Lo que te puede enseñar: Creación de guiones.

Escena a analizar: Cuando Charlie intenta hacer un arco de personaje para una flor, nos presentan una versión exagerada de aquello que la mayoría de los guionistas pasan, por lo menos, una vez en la vida. Desesperadamente considera empezar el filme con Darwin explicando el inicio del camino a la evolución antes de tener una epifanía: “Empieza justo antes de que la vida surja en el planeta”.

 



"The Master" - 2012
Paul Thomas Anderson.

The_Master_Motocicleta

Existe un intenso debate en la actualidad sobre cómo los cineastas deberían usar la tecnología para crear una experiencia más envolvente para los fanáticos del cine. La respuesta de Hollywood -casis iempre- “usen 3D”, mientras Peter Jackson ha intentado empujar más allá, grabando en 48 cuadros por segundo.

Con este conflicto en mente, es cuestionable que Paul Thomas Anderson haya elegido rodar en film de 65 milímetros. Fuera del IMAX, el uso de 65 milímetros había abandonado el cine occidental desde"Hamlet" de Kenneth Brannagh en 1996. El resultado de esto fue una espectacular e hipnótica estética, presentada con una claridad y calidad cinematográfica que no se había visto desde los años 60.

Lo que te puede enseñar: El valor de usar film para rodar.

Escena a examinar: Cuando se le pide a Freddie (Joaquin Phoenix) que elija un punto en el desierto norteamericano, él acelera en una motocicleta en el basto y bello páramo. La escena yuxtapone el ruido de la motocicleta con la mirada magistral de Philip Seymour Hoffman. El resultado es la sumersión del espectador, tanto en la mirada como en el ruido de la motocicleta, perdiéndose en un sentimiento meditativo.




Estos son ejemplos de que el buen uso de las herramientas cinematográficas son capaces de crear verdaderas obras maestras en diferentes aspectos, ¿qué otras películas podrías recomendarnos para aprender más de cine?





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