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7 elementos que te ayudarán a entender mejor cualquier obra de arte

5 de marzo de 2018

Andrea Fischer

Con estos elementos podrás entender mejor cualquier obra de arte.

Cuando se quiere tener un acercamiento más teórico a una obra de arte, conviene remitirse a los siete elementos convencionales que los críticos utilizan para valorarla. Se trata de herramientas básicas con las que el espectador puede desmenuzar aquello que el artista intentó plasmar, y que es evidente una vez que estos principios se le aplican al trabajo que se analiza.


Son nociones fundamentales que propulsan la evaluación estética, y se originan en los acercamientos más primarios a la creación. Puede decirse, entonces, que de un elemento nace el otro, como si evolucionaran los unos en los otros.



Por eso, te presentamos las siete categorías de análisis formal para cualquier obra de arte:


1. Punto



El punto es la unidad más básica del análisis formal. Se trata de un primer contacto del artista con su medio, sea lienzo, papel o cualquier soporte sobre el que decida empezar la obra. En este sentido, se trata de una primera instancia creativa, de la cual se desprenden todos los demás trazos. A través del punto pueden lograrse juegos de luz básicos, así como dar a entender ciertos contornos y espacios. Con la experimentación del punto se alcanzan los demás niveles de análisis, pues se le entiende como el primer andamio de la construcción de la crítica formal.


2. Línea



El segundo término sale de la sucesión imperceptible de puntos: si se juntan diversos en una misma trayectoria se entiende la línea; sin embargo, la trayectoria que sigue un punto en movimiento, empieza desde el trazo y hasta que termina. Es por esto que este elemento puede adquirir distintas naturalezas. Cuando es horizontal, da un sentido de equilibrio y calma, por lo que se le suele utilizar en obras paisajísticas. Si se trata de crear un sentimiento de altura, se utiliza la línea vertical, siendo que da a la composición un sentido de elevación; si es ondulada, pretende emular un sentido de movimiento, así como si está en diagonal; sin embargo, una misma línea puede componerse de varias, según la intención que el autor tenga. De la misma manera, es una herramienta para delimitar formas y contornos, para así organiza la información visual que la obra ofrece.



3. Contorno



Se le denomina "contorno" a las figuras que resaltan en la obra de arte, son líneas cerradas que dan a entender que hay cierta geometría en la pieza. Es por esto que normalmente se les identifica con las formas más básicas, como lo son el círculo, el cuadrado, el triángulo, y cualquiera que se le asemeje; sin embargo, es importante resaltar que siempre permanecen en el plano bidimensional: constan sólo de altura y ancho, y nunca consideran la profundidad.



4. Volumen



El término hace referencia a la manera en la que las figuras representadas en la obra parecen salirse del espacio de composición. Están logradas de tal forma que dan un sentimiento de profundidad, de oquedad, de espacio. Es por esto que en el volumen se conjugan las tres dimensiones —lo alto, lo ancho y lo profundo—, y hacen que la situación plasmada en la obra imite los espacios como se perciben en la realidad. Esta condición se llevó a su máxima expresión durante el periodo barroco en Europa, cuando el escozo estuvo en auge y los personajes verdaderamente parecían salir del cuadro e invitaban al espectador a formar parte de lo que acontecía en el lienzo.



5. Espacio



La manera más sencilla de definir al espacio es la distancia entre dos objetos. Como resulta natural, se desprende del volumen como una consecuencia del sentimiento de profundidad que genera. Esta categoría es fundamental para entender el equilibrio de la obra, siendo que sin el espacio no podrían lograrse los juegos de composición en el orden de los elementos contenidos. Entonces el espacio tiene el valor de organizar aquello que quiere representarse en la obra, y da el sentido de equilibrio de formas que necesita.



6. Color



En términos físicos, el color se refiere a la cantidad de luz que los objetos reflejan por sí mismos. De manera general, tiene tres características fundamentales: el tono o matiz, que se refiere al nombre mismo del color —rojo, negro, azul, etc.—; el valor o la luminosidad, se refiere a qué tanto brilla o qué tan sombrío es; y la saturación, que se trata exclusivamente a qué tan viva es la luz dentro del juego cromático que la composición pretende lograr.



7. Textura



Para la textura hay dos acepciones. La primera se refiere sólo al tacto que se tiene con la piel: qué se siente físicamente al tocar la superficie de una obra; la segunda, es la manera de entender a la textura y tiene que ver más con la destreza del artista para lograr juegos visuales que con un sentido del tacto real. Esto corresponde a la parte más figurativa de la obra y tiene que ver con la manera en la que el artista consigue, por ejemplo, que la tela parezca suave y se valga sólo del pigmento que empleó para representarla.



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TAGS: Historia del arte Libros de arte Arte
REFERENCIAS: Línea Elements of Art

Andrea Fischer


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