Imagina una casa pequeña y solitaria en Nueva York que tiene sangre regada en el suelo, se coagula. Encima de toda esa mancha roja yace el cuerpo semidesnudo del pintor Mark Rothko.
Su asistente, Oliver Steindecker, encontró tan aparatosa imagen el lunes 25 de febrero de 1970. Rothko mantenía los brazos semiabiertos en señal de estar recibiendo algo, quizás a la muerte misma. El antebrazo estaba seccionado en cortadas profundas y justo a un lado del cadáver, una navaja de afeitar sobre un pañuelo de papel deshaciéndose por la humedad de la sangre, saltaba a la vista.
La escena era aparatosa y grotesca, pero la tristeza que emanaba era tal, que bien pudo ser un plan articulado por Rothko. La causa de la muerte fue suicidio propiciado principalmente por la ingesta excesiva de antidepresivos, los suficientes para soportar el dolor que le causarían las heridas y posteriormente, la pérdida masiva de sangre.
La muerte a manos de sí mismo es considerada la más grande manifestación artística en el expresionismo, corriente de la que es referente obligado con sus pinturas abstractas. Su muerte cerraría una colección de pinturas que exponen los sentimientos más profundos del artista. Esa es una de sus características principales, haber creado una especie de lenguaje basado en el sentimiento. Cada obra guardaba una combinación de colores que exponían la tristeza interna del artista.
Desde muy niño lo acompañaron los sentimientos negativos que hicieron de él un hombre solitario y en constante conflicto consigo mismo. Perseguido por los antisemitas, se instaló en Oregon y creció luchando por entender el idioma y así poder comunicarse. A pesar de este obstáculo, logró estudiar arte, enseñarlo y posteriormente dedicarse enteramente a él.
Así, durante los años 20 y 30, realizó pinturas figurativas que aunque retrataban la vida diaria, los rostros de las personas no estaban bien definidos sino que se fundían con el resto de la escena. Entrance to Subway es un claro ejemplo. Expertos en arte explican que la fusión es un sinónimo de la apatía de Rothko al caminar por las calles. La indiferencia de las personas hacia él y viceversa se refleja en esta pintura de 1938. Posteriormente, en los 40, formó parte del expresionismo abstracto junto a otros grandes como Motherwell y Pollock, quienes se manifestaron en contra de la línea clásica de la corriente haciendo completamente lo opuesto.
Rothko volcaba los sentimientos de tal manera que cayó en manos del surrealismo, corriente que predominaba en Europa en aquella época. Sus obras dentro de este período mostraban influencias literarias como de Nietzsche y Jung. Ritos de Lilith, de 1945, marca esta etapa en la vida del artista en la que, según Motherwell, Rothko tenía muchos conflictos internos. Los reflejaba en sus obras con corrientes que eran más bien abstractas.
Poco a poco, con el pasar de la década, fue perdiendo interés por plasmar realidades. Siguió por el camino de pintar su propia versión de la realidad. Multiformas de 1940 es el ejemplo más claro de cómo se expresaba por medio de figuras y colores puestos de diversas maneras. Evidenciando que cada vez se sentía peor internamente. Los colores que usaba se volvieron más sombríos y más acaparadores del espacio. En este período aparecieron críticos muy duros que tacharon de basura su obra. Otro motivo para seguir evolucionando en la corriente, pero empeorando en su vida.
Su lenguaje pictórico era más simple en cuanto a la técnica, pero más complejo respecto al significado. Los expertos lo comenzaron a catalogar como sensualista y colorista, el problema era que él no se sentía como tal. Quería ser reconocido como un artista del sentimiento, puesto que esa era la intención de su arte.
Usó telas sobrepuestas en distintas formas combinado colores fríos y cálidos. Comenzaba a plasmar tragedia de manera mucho más evidente. Así lo demuestra la pintura sin nombre, a la que constantemente se refieren como Violet, Black, on Orange, Yellow on White and Red.
Comenzó a pintar en grandes espacios pues simbolizaba el tamaño de sus miedos y tragedias, eso generaría intimidad con el espectador. Al respecto decía:
«yo pinto cuadros muy grandes. Yo sé que, históricamente, el objetivo de los cuadros grandes es pintar algo grandioso y pomposo. Pero, si los pinto, es justamente porque quiero estar muy cerca, ser muy humano. Pintar un cuadro pequeño es ponerse afuera de las sensaciones; cuando uno pinta cuadros grandes, uno está adentro».
Y en efecto, continuó desnudándose en sus obras como en Purple, White, and Red. Colores cada vez más sombríos, trazos simples y enormes pinceladas. Es un cuadro sencillo, pero que logra atrapar. Tres líneas horizontales puestas sin motivo, como Rothko sentía sus existencia.
A la par, sacó Verde y Café, colores que emanan sombras en azul, rojo y gris, como resultado de una calma sombría de la que era víctima. Ya había fracasado en dos matrimonios y vivía en soledad absoluta, únicamente con sus lienzos enormes y los sentimientos a flor de piel. Las pinturas como ésa enmarcaban un efecto dramático que le imprimía sin intención. Sólo trataba de desahogarse con lo que mejor sabía hacer.
Poco después, una esperanza llegó a su vida, comenzó a pintar con colores más cálidos y líneas o figuras más definidas. Orange and Yellow presenta sombras producto del juego de tonalidades similares. Motherwell aseguraba que cuando Rothko pintaba tan soleado era porque se sentía de tal modo, al menos por un lapso.
La oscuridad no tardó en regresar a la vida del artista y se vio reflejada en obras como Naranja, Rojo y Amarillo y posteriormente en Lavanda y Morado. Cada vez se oscurecían más los tonos, mientras que la teoría de Rothko se confirmaba: el color actuaba directamente sobre el alma y era susceptible de producir emociones profundas en el espectador. Relacionado
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Ya en la última década de su vida se dedicó a las pinturas sombrías que dividían la composición con difuminados. Siempre usaba colores contrastantes como el de su última pintura Negro sobre Gris, en la que claramente mostraba un malestar profundo y tal vez, sin salida. La serenidad de esta obra es tan inmensa que muchos la consideraron como el final de la vida artística de Rothko, hasta que llegó su inesperado suicidio.
Alejado de todos, Mark Rothko consiguió su más grande estado artístico: el suicidio en medio de colores sombríos y un sentimiento inexplicable. Rothko dejó una colección inmensa de arte dedicada a los sentimientos que le hacían llevar una vida miserable. Sobre un río de sangre, amores fallidos y depresión eterna, el precursor del expresionismo terminó con su dolor que, si bien lo atormentaba, le permitió entregar al mundo una forma de enfrentar la realidad: el arte.
Lee acerca de otros artistas expresionistas que hicieron que la corriente sobrepasara el tiempo, igualmente, aprende de arte y otras terribles pérdidas con estos 31 artistas.
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