Los prerrafaelitas fueron un grupo de jóvenes pintores británicos que en septiembre de 1848 fundaron en Londres la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood, PRB). Sus tres fundadores —Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt y John Everett Millais, todos menores de 25 años— querían romper con el arte académico de la Royal Academy y volver a la sencillez, el color intenso y la fidelidad a la naturaleza que veían en la pintura italiana anterior a Rafael. El movimiento abarca, en su sentido amplio, desde 1848 hasta finales del siglo XIX.
El prerrafaelismo importa hoy porque sus imágenes siguen siendo de las más reconocibles de la historia del arte occidental: esa mujer de cabello rojo flotando en un río, esa paleta de colores casi eléctrica, esa mezcla de realismo minucioso con temas de leyenda medieval. Entender qué está detrás de esa estética —y por qué escandalizó tanto en su momento— cambia la manera de mirar no solo a Millais o Rossetti, sino a buena parte del arte, el diseño y la ilustración que vino después.
La historia detrás
La Hermandad se fundó formalmente en el 83 de Gower Street, Londres, hoy señalizado con una placa azul de English Heritage. Sus miembros empezaron a firmar sus cuadros con las iniciales PRB sin explicar su significado, como una firma secreta colectiva. El secreto se filtró hacia 1850, probablemente por el propio Rossetti. El 1 de enero de ese año publicaron The Germ, una revista de corta vida para difundir sus ideas.
La controversia llegó pronto. Cuando Millais expuso Christ in the House of His Parents (1849–50), Charles Dickens publicó una crítica devastadora: retratar a la Sagrada Familia como trabajadores ordinarios con manos hinchadas y taller sucio le pareció blasfemo. Paradójicamente, ese escándalo catapultó al grupo a la fama. El crítico John Ruskin los defendió públicamente y se convirtió en su principal referente intelectual.
La Hermandad formal duró apenas cinco años. Hacia 1853, el escultor Thomas Woolner emigró a Australia y Millais ingresó en la Royal Academy —la misma institución que habían criticado—. Pero el término prerrafaelita sobrevivió: una segunda generación encabezada por Edward Burne-Jones y William Morris llevó sus principios al diseño textil, la ilustración, la vidriera y las artes decorativas, extendiendo el movimiento hasta finales del siglo XIX.
Qué estás viendo
- Colores casi eléctricos sobre fondo blanco húmedo. Los prerrafaelitas usaban una técnica llamada wet-white ground: aplicaban los pigmentos directamente sobre una capa de blanco todavía húmeda para obtener una luminosidad intensa, sin la oscuridad que daba el bitumen que usaban sus contemporáneos.
- Detalles botánicos y naturales pintados con precisión científica. En Ophelia (1851–52) de Millais, cada flor que rodea a la figura fue estudiada del natural. No están ahí por decoración.
- Mujeres con cabello largo y suelto, piel pálida, cuello largo y mirada soñadora. Es el arquetipo conocido como stunner. Sus modelos reales fueron personas concretas: Elizabeth Siddal, Jane Morris, Fanny Cornforth y Alexa Wilding, entre otras.
- Temas tomados de la literatura y la leyenda medieval. Shakespeare, el ciclo artúrico, Dante, Keats: los prerrafaelitas usaban esos relatos como código para expresar emociones y dilemas propios, no como simple ornamento histórico.
- Objetos cotidianos cargados de significado simbólico. En The Awakening Conscience (1853) de Hunt, un pájaro atrapado por un gato pintado en el cuadro del fondo refuerza el mensaje de redención de la figura principal. Nada es decorativo por accidente.
Qué significa cada elemento
El simbolismo prerrafaelita opera en dos niveles que conviene separar.
Lo que los historiadores del arte aceptan sin controversia: según Tate, la mitología y la literatura funcionaban para el grupo como un lenguaje del pasado para describir el presente. Rechazar el chiaroscuro dramático de la tradición académica era también un gesto ideológico: sin sombras exageradas, sin poses heroicas, sin idealizaciones. Eso era rechazar a Reynolds y a la Royal Academy tanto como a Rafael.
Lo que requiere más cautela: la lectura simbólica flor por flor en Ophelia —amapolas como muerte, violetas como fidelidad, nomeolvides como amor perdido— es ampliamente citada en la literatura sobre la obra, pero el propio Millais no dejó un texto que confirme cada equivalencia. Son interpretaciones consolidadas por la crítica, no instrucciones del pintor.
Sobre el arquetipo de la stunner: que esas mujeres fueran modelos reales con nombres y vidas propias es un dato documentado. Que sus relaciones con los pintores fueran complejas y a veces explotadoras —Elizabeth Siddal posó horas en una bañera de agua fría para Ophelia y enfermó gravemente— es parte de la historia del movimiento que la imagen sola no cuenta.
Lo que se repite y no es cierto
- Mito: los prerrafaelitas admiraban a Rafael y querían imitarlo. Todo lo contrario. El nombre expresa oposición. Consideraban que las composiciones elegantes y las poses clásicas de Rafael habían sido, según Britannica y Google Arts & Culture, una influencia corruptora en la enseñanza académica del arte.
- Mito: eran una sociedad secreta mística o esotérica. Eran estudiantes de arte que firmaban con iniciales crípticas para generar intriga, no por razones esotéricas. Tate confirma que el significado de PRB se filtró en 1850 y que la hermandad formal se disolvió en los primeros años de la década siguiente.
- Mito: fue un movimiento marginal y fracasado. Recibió críticas feroces al inicio, pero Britannica confirma que su influencia sobre la pintura británica, las artes decorativas y el diseño de interiores fue profunda. Millais se convirtió en uno de los artistas más ricos de su época.
- Mito: Ophelia es la obra cumbre de la Hermandad original. Cuando Millais pintó Ophelia (1851–52) la Hermandad ya se estaba disolviendo. La obra más representativa y polémica del grupo en su momento fue Christ in the House of His Parents (1849–50), que desató el escándalo público con Dickens.
Dónde verla
La colección prerrafaelita más importante está en Tate Britain (Londres), donde Ophelia y Christ in the House of His Parents forman parte de la colección permanente, junto con The Awakening Conscience de Hunt. Otras colecciones significativas se encuentran en el Victoria and Albert Museum (Londres), el Birmingham Museum & Art Gallery, el Manchester Art Gallery y la Lady Lever Art Gallery en Merseyside. Antes de visitar, conviene verificar la disponibilidad en sala: las obras pueden estar en préstamo temporal.
Preguntas rápidas
¿En qué se diferencia el prerrafaelismo del simbolismo?
Los prerrafaelitas parten del realismo y la fidelidad a la naturaleza; los simbolistas —Moreau, Redon, Klimt— priorizan la evocación subjetiva y lo onírico sobre la representación fiel. La segunda generación prerrafaelita, especialmente Burne-Jones, se acerca tanto al simbolismo que la frontera es borrosa.
¿Cuánto duró la Hermandad Prerrafaelita como grupo formal?
Apenas cinco años: de 1848 a 1853 aproximadamente. El movimiento como influencia duró décadas más, pero la Hermandad original se disolvió muy pronto.
¿Por qué los prerrafaelitas escandalizaron tanto en su época?
Porque pintaban temas sagrados con modelos reales, sin idealizaciones, mostrando manos envejecidas, ropa de trabajo y entornos cotidianos. Para el público victoriano, eso era irreverencia, no arte.
Ficha técnica
- Año: 1848–c. 1900 (movimiento amplio)
- Movimiento: Prerrafaelismo / Pre-Raphaelite Brotherhood
- Dónde está: Tate Britain (Londres), Victoria and Albert Museum (Londres), Birmingham Museum & Art Gallery, Manchester Art Gallery, Lady Lever Art Gallery (Merseyside)
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Referencias
- Pre-Raphaelite Brotherhood | 19th Century British Art Movement | Britannica
- Gallery of the Pre-Raphaelites — Google Arts Culture
- Pre-Raphaelite | Tate
- What Was The Pre-Raphaelite Brotherhood? — Google Arts Culture
- Think you know the Pre-Raphaelites? | Tate
Imagen: Vía Wikipedia (Hermandad Prerrafaelita).
