El cine y la música siempre se han apoyado el uno del otro, porque su perfecta unión es la más grande arma para atrapar la atención del humano. El arte sonoro se tiene que mezclar con las imágenes para alcanzar públicos más grandes, porque aunque cueste aceptarlo, todo es un negocio y las grandes mentes publicitarias no conciben la comercialización de un sólo track en un mercado dominado por los productos visuales. Si no existieran los videos musicales, las ganancias serían bastante pequeñas.
El cine es sólo un poco diferente, porque los productores pueden contratar a un único compositor que se encargue de realizar todas las piezas que se escucharán durante el filme. Este conjunto de canciones, comúnmente conocido como score, generalmente son instrumentales de corte clásico. En cambio, cuando se retoman composiciones de otros artistas se les llama soundtrack. En el pasado, las películas contaban con una banda sonora en vivo que improvisaba con cada escena.
El primer soundtrack de la historia lo tiene la cinta “El ladrón de Bagdad”, estrenada en 1924. Los directores habían compuesto canciones específicas para todo el filme, pero como en ese entonces la postproducción de video era más sencilla, junto con la película se entregaban las partituras para que la orquesta fuera siguiendo un orden conciso. Desde ese momento se acabó con la improvisación y los sentimientos que se quieren trabajar puedan ser explotados al punto máximo. Los siguientes soundtracks fueron pensados para intensificar los sentimientos de melancolía, abandono y depresión.
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“El graduado” (1969) – Mike Nichols
La cinta gira en torno a un triángulo amoroso entre una joven, su madre y el personaje principal interpretado por Dustin Hoffman. El soundtrack en su mayor parte corre a cargo de Simon & Garfunkel y tiene como tema central ‘The Sounds of Silence’, canción compuesta en 1964 tras el asesinato de John F. Kennedy. La suave voz de Paul Simon y Art Garfunkel con una sola guitarra sitúa al espectador en un paisaje de confusiones sobre lo que se debe hacer cuando todo está inundado por el silencio, pues la gente tiene miedo de hablar sobre lo que siente porque de expresarlo, podría costarle la vida en esos días.
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“Romeo + Juliet” (1996) – Baz Luhrmann
Sobre un torbellino de emociones, se presentan canciones tan variadas al igual que la vida de Romeo y Julieta en la película de Baz Luhrmann. Todo inicia con la fuerza de Shirley Manson cantando ‘#1’, del grupo Garbage, pasando por Everclear y Gavin Friday. La cima de aparente felicidad llega con ‘Lovefool’, de The Cardigans, y ‘Young Hearts Run Free’, pero como era de esperarse en la obra trágica de Shakespeare, la depresión se desata y transforma todo el ambiente cuando Radiohead musicaliza las partes más cruciales de la cinta con ‘Talk Show Host’ y ‘Exit Music (For a Film)’, dos de las canciones más tristes de la banda liderada por Tom Yorke.
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“Great Expectations” (1998) – Alfonso Cuarón
Esta es la historia de un amor imposible que perdura a través de los años gracias a la fe y al arte. Protagonizada por Ethan Hawke y Gwyneth Paltrow, la película tiene canciones de Chris Cornell, Tori Amos y Pulp. La manipulación por parte del personaje de Gwyneth hace que ‘Like a Friend’ llegué a conmover al corazón más duro con una letra de resignación y superación. La voz de Jarvis encuadra perfectamente con el sentimiento de impotencia y desesperación que tiene Hawke por una dulce niña que nunca lo amó de verdad.
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“The Virgin Suicides”(1999) – Sofia Coppola
Si por naturaleza esta cinta es depresiva al mostrar la privación vital de unas hermanas americanas, el soundtrack, que corrió a cargo de la banda francesa Air, encaja perfectamente con un mundo lleno de frustraciones sexuales y amorosas de color rosa. El sonido electrónico del dueto describe sin palabras la catástrofe emocional en la que viven las hermanas Lisbon. El tema principal es ‘Playground Love’, una perfecta armonía entre sintetizadores, saxofón y una guitarra acústica.
Si quieres saber la verdadera historia en la que se basó Sofia Coppola para hacer la película “Vírgenes suicidas”, da click aquí.
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“Dancer in the Dark” (2000) – Lars Von Trier
Esta película muestra los increíbles productos que se logran cuando dos genios del arte se juntan para un mismo fin. Björk interpreta a Selma, una inmigrante checa que busca mantener a su hijo en Estados Unidos. La discriminación era muy dura en la década de los 60 y la madre la padece al extremo de la muerte. El soundtrack fue creado en su totalidad por la compositora islandesa para después convertirlo en el disco “Selmasongs”. Los tracks van en orden con los sucesos de la película, así que al finalizar el álbum se puede escuchar el trágico desenlace de la protagonista.
https://www.youtube.com/watch?v=VJQkMaZ4fBA
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“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” (2004) – Michel Gondry
El director Michel Gondry realizó una de las películas más aclamadas de la cultura pop y como era de esperarse, colocó las canciones indicadas para intensificar los sentimientos de un amor perdido y de incertidumbre. La música corrió a cargo del músico y compositor Jon Brion, quien trabajó para la película con The Polyphonic Spree, The Willowz y Don Nelson. El tema más conocido es ‘Everybody’s Got to Learn Sometimes’, del grupo The Korgis, que para esta ocasión reinterpretó Beck de una manera más deprimente y trágica, al igual que la cinta.
https://www.youtube.com/watch?v=v3tvfNUACFE
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“Once” (2006) – John Carney
Ambientada en las calles de Dublín, un músico que intenta ganar un dinero extra cantando en las calles conoce a una indocumentada checa que comparte el enorme gusto por la música al igual que él. Esta cinta ganó el Oscar a Mejor canción original en 2007 y ganó el premio a Mejor banda sonora por la Asociación de Críticos de Los Ángeles. El soundtrack es interpretado por ambos protagonistas, que además de actores, cuentan con un gran don musical. Su situación en una ciudad llena de carencias y lo difícil que puede ser su amor debido a la diferencia cultural, hace que la música de “Once”, sea melancólica, emotiva y, en ciertos puntos, depresiva.
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“Moon Man” (2012) – Stephan Schesch
Esta película animada es una enorme reflexión sobre la soberbia y el sentido destructor que tiene el ser humano. Un pequeño ser que habita en la Luna es transportado por accidente a la Tierra, donde conocerá los mayores problemas humanos. Para su director, las personas que tienen más valor en el universo son los niños, sólo ellos pueden ver al hombre de la luna que viajó cientos de kilómetros para dejar una gran lección de vida. El soundtrack cuenta con canciones Louis Armstrong, Iron Butterfly y NEU!. El listado abarca todas las emociones humanas y explota en la melancolía y desesperación cuando el grupo Unmap hace un cover con tintes más oscuros de ‘Everybody’s Got to Learn Sometimes’.
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