Los performances de Marina Abramović son obras en las que el cuerpo de la artista —no un lienzo, no una escultura— es el medio, el material y el mensaje. Abramović (Belgrado, 30 de noviembre de 1946) lleva activa desde 1973 y su trabajo está documentado en el MoMA de Nueva York, el Guggenheim, la Tate Modern de Londres y las Gallerie dell\’Accademia de Venecia, entre otros. No produce objetos coleccionables: produce acontecimientos.
Su obra importa hoy porque pone en crisis algo que damos por sentado: que el arte es algo que se cuelga en una pared o se guarda en una vitrina. Cuando el cuerpo es el material, la obra desaparece en cuanto termina. Eso la hace invendible en el sentido tradicional, y esa invendibilidad es parte del argumento.
La historia detrás
Abramović estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970, y completó un posgrado en Zagreb en 1972. Creció en la Yugoslavia comunista de Tito, hija de dos funcionarios del régimen. Esa tensión entre control político y libertad individual no es un dato biográfico decorativo: atraviesa toda su producción. En 1973 abandonó la pintura para crear la serie Rhythm, cinco performances en las que sometió su cuerpo a riesgos reales.
En 1976 dejó Yugoslavia y se instaló en Ámsterdam, donde comenzó su colaboración artística y sentimental con el artista alemán Ulay (Frank Uwe Laysiepen). Trabajaron juntos hasta 1988. Su separación fue en sí misma una performance: cada uno caminó desde un extremo de la Gran Muralla China hasta encontrarse en el centro y despedirse. En 1997, en plena posguerra de los Balcanes, presentó Balkan Baroque en la Bienal de Venecia y ganó el León de Oro, convirtiéndose en la primera mujer en recibir ese premio. En 2010, el MoMA le dedicó la primera gran retrospectiva de performance en la historia del museo.
Qué estás viendo
- Rhythm 0 (Nápoles, 1974): sobre una mesa, 72 objetos —una rosa, miel, un escalpelo, clavos, una pistola cargada con una bala— y una invitación al público a usarlos sobre ella durante seis horas. El público llegó a apuntarle con el arma. La lista no es aleatoria: los objetos de placer y los de daño están elegidos con la misma deliberación.
- Lips of Thomas (1975): Abramović se grabó una estrella de cinco puntas en la piel. Es la estrella comunista yugoslava. Al inscribirla en su propio cuerpo, la obra convierte una ideología en herida física.
- Balkan Baroque (Venecia, 1997): durante cuatro días, seis horas diarias, lavó con un cepillo una pila de 1.500 huesos de vaca recién sacrificados en un sótano oscuro, mientras cantaba canciones folclóricas serbias. Vestía overol blanco que se fue manchando de sangre. El blanco no es inocencia: es el punto de partida de una mancha que no desaparece.
- Imponderabilia (con Ulay, 1977): los visitantes del museo debían pasar de lado entre los dos artistas desnudos para entrar a la sala. La dirección en que cada persona giraba el cuerpo —hacia él o hacia ella— se convirtió en dato involuntario sobre el deseo.
- The Artist Is Present (MoMA, 2010): Abramović se sentó en silencio frente a una silla vacía ocho horas diarias, del 14 de marzo al 31 de mayo. Cualquier visitante podía sentarse frente a ella. El fotógrafo Marco Anelli retrató los rostros de los participantes justo después: las imágenes muestran una frecuencia inusual de llanto entre personas que no se conocían entre sí.
Qué significa cada elemento
Los huesos de vaca en Balkan Baroque no son metáfora genérica de la muerte. Según la propia Abramović en el audio del MoMA, la obra nació de su incapacidad de reaccionar ante la guerra de Bosnia mientras vivía fuera del país. Lavar huesos que no se pueden limpiar es la forma visual de esa culpa y ese duelo. Es su interpretación, registrada en fuente primaria.
La estrella en Lips of Thomas es leída por TheCollector (2024) como la exposición del dolor de que una ideología se imprima en la carne humana. Es una lectura aceptada en la crítica especializada, aunque Abramović raramente fija una sola interpretación para sus obras.
La silla vacía en The Artist Is Present funciona como dispositivo de igualdad: cualquier persona —famosa o anónima— ocupa exactamente el mismo lugar frente a la artista. La obra propone que la presencia plena es democrática.
Los 72 objetos de Rhythm 0 fueron elegidos para representar tanto placer como dolor. La simetría entre ambas categorías es el argumento central: el público, no el artista, decide qué hacer con esa libertad. Lo que el público decidió —incluyendo apuntarle con la pistola— es parte de la obra.
Lo que se repite y no es cierto
Mito 1: Abramović practica rituales satánicos. Spirit Cooking es una obra de performance de 1996 y el nombre de una cena benéfica. La imagen viral que la muestra supuestamente comiendo carne humana fue tomada el 27 de julio de 2013 en una fiesta de caridad en Southampton, Nueva York, junto a Lady Gaga, según Getty Images. El biógrafo James Westcott desmintió explícitamente las acusaciones en MIT Press (2022). An-Nahar publicó un fact-check al respecto en 2026.
Mito 2: The Artist Is Present fue siempre la misma performance. No. A mitad de la exposición en el MoMA, la mesa que separaba a Abramović del visitante fue retirada, dejando solo dos sillas frente a frente. Artsy (2022) documenta que este cambio modificó radicalmente la experiencia y es frecuentemente omitido en las descripciones populares.
Mito 3: llamarla \’serbia\’ o \’yugoslava\’ es un error. El MoMA la registra como \’Yugoslav, b. 1946\’ en la ficha de su retrospectiva de 2010, porque nació en Yugoslavia. La Fundación Princesa de Asturias y Britannica la describen como nacida en Belgrado, Serbia (entonces Yugoslavia). La propia artista ha declarado que se considera de \’un país que ya no existe\’. Ambas denominaciones son correctas según el contexto histórico.
Dónde verla
La obra de Abramović no existe como objeto único en una sala fija: es performance, y vive principalmente en su documentación —video, fotografía, audio. El MoMA conserva documentación de su trabajo en su colección. En mayo de 2026, las Gallerie dell\’Accademia de Venecia presentaron Transforming Energy, una exposición de gran escala con obras icónicas como Rhythm 0, Balkan Baroque e Imponderabilia, en paralelo con la 61ª Bienal de Venecia. Los museos rotan sus salas y prestan obras: antes de ir a cualquiera de estas instituciones, conviene confirmar qué está en exhibición. El archivo y la metodología de Abramović tienen sede institucional en el Marina Abramović Institute (mai.art).
Preguntas rápidas
¿Marina Abramović se lastima de verdad en sus performances?
Sí. En Rhythm 0 el público llegó a apuntarle con una pistola cargada. En Lips of Thomas se grabó la piel. El riesgo real es parte del argumento: si no hay consecuencias posibles, la obra no funciona.
¿Se puede comprar una obra de Marina Abramović?
No en el sentido tradicional: una performance no se vende ni se revende. Sí existen ediciones de fotografías y videos documentales que han circulado en el mercado, pero esta investigación no cuenta con cifras verificadas de subastas.
¿Por qué lloraba la gente en The Artist Is Present?
No hay una explicación única confirmada. Lo que documenta el fotógrafo Marco Anelli es que ocurrió con frecuencia inusual. La hipótesis más citada es que el contacto visual sostenido con otra persona, sin hablar y sin pantallas, produce una experiencia de presencia que la vida cotidiana raramente permite.
Ficha técnica
- Autor: Marina Abramović
- Año: 1946 (nacimiento); carrera activa desde 1973
- Técnica: Performance, arte de acción, instalación, video, fotografía
- Movimiento: Arte conceptual / Arte de performance / Body art
- Dónde está: Obras documentadas en MoMA (Nueva York), Guggenheim (Nueva York), Tate Modern (Londres), Gallerie dell’Accademia (Venecia)
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Referencias
- Introduction to the Exhibition Marina Abramović: The Artist Is Present | MoMA
- Marina Abramović: The Artist Is Present | MoMA
- MoMA | Tag: Marina Abramović
- MoMA | Tag: Marina Abramović: The Artist Is Present
- Marina Abramović | MoMA
Imagen: Vía Wikipedia (Marina Abramović).
