El arte de performance es una disciplina en la que el tiempo, el espacio, el cuerpo del artista y su relación con el público constituyen la obra. No produce un objeto permanente: la acción es el medio y el mensaje. Sus antecedentes directos están en las provocaciones futuristas y los cabarés dadaístas de los años 1910; el término performance art no se popularizó hasta los años setenta. Hoy tiene departamentos propios en el MoMA, la Tate Modern y el Centre Georges Pompidou, y es central en bienales y ferias de arte de todo el mundo.
Entender qué es el arte de performance importa porque cambia la pregunta que uno lleva al museo. Ya no es ¿qué representa esto? sino ¿qué está pasando aquí y qué tiene que ver conmigo? Tres nombres son imprescindibles para situarse: Allan Kaprow, que en 1959 acuñó el término Happening para describir eventos artísticos no narrativos con participación activa del espectador; Yoko Ono, cuyo Cut Piece de 1964 convirtió la violencia y el género en materia artística; y Marina Abramović, cuya retrospectiva en el MoMA en 2010 —más de 700 horas sentada en silencio frente a visitantes— se convirtió en el hito institucional más citado del movimiento.
La historia detrás
Los futuristas italianos y los dadaístas de los años 1910 ya presentaban acciones provocadoras para sacudir al público. Después de la Segunda Guerra Mundial, John Cage y otros artistas en el Black Mountain College experimentaron con estructuras de azar y participación. El salto decisivo llegó en la primavera de 1959, cuando Kaprow acuñó el término Happening en un picnic artístico en la granja del artista George Segal, influido por el proceso físico de pintura de Jackson Pollock. A lo largo de su carrera realizó alrededor de 200 Happenings. En paralelo, el movimiento Fluxus internacionalizó estas ideas. En los años setenta, Abramović, Ono y Chris Burden llevaron el cuerpo al límite como material artístico. El hito institucional más citado es la retrospectiva de Abramović en el MoMA, del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010: la artista permaneció sentada en silencio durante más de 700 horas, mirando a cualquier visitante que quisiera sentarse frente a ella. Fue también la primera vez que re-ejecuciones de obras de performance por otras personas se realizaron en un contexto museístico.
Qué estás viendo
- La ausencia de objeto. No hay lienzo, escultura ni pantalla. La obra es la presencia del artista y el tiempo transcurrido. Si buscas algo que colgar en una pared, no lo encontrarás.
- El rol activo del espectador. En muchas performances el público no es pasivo: su presencia, movimiento o participación altera o completa la obra. Quien se sienta frente a Abramović en The Artist is Present no mira arte, entra en él.
- La documentación como huella. Las fotografías y videos que quedan no son la obra, sino su rastro. Esto cambia radicalmente cómo se lee la pieza cuando aparece en un museo o en un libro.
- La duración como material. El tiempo no enmarca la obra: es su sustancia. Piezas de horas o días usan el agotamiento y la resistencia como lenguaje.
- El espacio no convencional. La performance puede ocurrir en galerías, calles, locales industriales o museos. El contexto espacial es parte del significado, no solo el escenario.
Qué significa cada elemento
Según la historiadora RoseLee Goldberg, autora del texto de referencia Performance Art: From Futurism to the Present, el cuerpo del artista es simultáneamente sujeto, objeto y medio: no representa a un personaje, es el artista mismo. La silla vacía en The Artist is Present funciona, según la propia Abramović en el audio del MoMA, como una escena para la experiencia: quien se sienta no contempla una obra, participa en ella. La efimeridad —la imposibilidad de conservar la acción— es, según la Tate, una declaración ideológica contra la permanencia y el mercado del objeto artístico. En los Happenings de Kaprow, los materiales perecederos y las instrucciones abiertas niegan la autoría total del artista y convierten la obra en un acto colectivo.
Lo que se repite y no es cierto
Mito: el arte de performance nació en los años sesenta con los Happenings de Kaprow. La Tate señala explícitamente que la historia del performance en las artes visuales se remonta a las producciones futuristas y los cabarés dadaístas de los años 1910. El término performance art no se usó ampliamente hasta los años setenta.
Mito: el arte de performance es lo mismo que el teatro experimental. Smarthistory y Britannica distinguen con claridad: el arte de performance rechaza la narrativa clara, usa estructuras de azar y apela directamente al público. El teatro, incluso el experimental, parte de un guion y mantiene una separación entre intérprete y espectador.
Mito: siempre implica actos extremos o peligrosos. Aunque artistas como Chris Burden o la propia Abramović en sus primeras obras exploraron el riesgo físico, el movimiento incluye desde acciones cotidianas —las Activities de Kaprow— hasta piezas de silencio absoluto. La Tate lo define como un campo vastísimo de prácticas divergentes.
Dónde verla
El arte de performance no tiene una sede fija: es un movimiento vivo. Las colecciones de documentación —videos, fotografías, instrucciones— se encuentran en el Departamento de Media and Performance Art del MoMA en Nueva York, en la Tate Modern en Londres y en el Centre Georges Pompidou en París. Obras en vivo se programan en bienales y festivales como Performa, en Nueva York. Los museos rotan sus salas y prestan piezas con frecuencia, así que conviene verificar la programación vigente directamente en cada institución antes de visitar.
Preguntas rápidas
¿En qué se diferencia el arte de performance del teatro?
El teatro, incluso en su versión más experimental, parte de un texto o guion y separa al intérprete del espectador. El arte de performance rechaza esa separación: no hay personaje, no hay narrativa obligatoria, y el público puede ser parte de la obra.
¿Se puede comprar una performance?
No en el sentido tradicional. Lo que los museos y coleccionistas adquieren son los derechos de re-ejecución, la documentación —fotografías, video, instrucciones— o ambas cosas. La acción en sí es, por definición, irrepetible e invendible.
¿La documentación de una performance es arte?
El MoMA señala que los museos coleccionan y exhiben esa documentación como parte legítima del trabajo. No es la obra, pero tampoco es solo un registro: es la única forma en que la mayoría del público puede acceder a ella.
Ficha técnica
- Año: c. 1910 (antecedentes futuristas/dadaístas) – presente; término consolidado en los años 1970
- Técnica: Acción en vivo; puede incorporar video, fotografía, instalación, sonido y participación del público
- Movimiento: Arte de performance / Arte conceptual / Arte de acción
- Dónde está: MoMA (Nueva York), Tate Modern (Londres), Centre Georges Pompidou (París), entre otros
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Referencias
- MoMA | 100 Years: A History of Performance Art
- Performance art | Tate
- MoMA | Tag: performance art
- The Dimensions of Performance | Tate
- Media and performance art | MoMA
Imagen: Vía Wikipedia (Performance).
