El tiburón en formol de Hirst —cuyo título completo es La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo— es un tiburón tigre real de 4,3 metros suspendido en una solución de formaldehído al 5% dentro de una vitrina de acero y vidrio. Lo creó el artista británico Damien Hirst en 1991, se exhibió por primera vez en 1992 en la Saatchi Gallery de Londres, y desde 2004 pertenece a la colección privada del magnate estadounidense Steven A. Cohen. No tiene sede pública permanente.
El tiburón en formol de Hirst significado tiene una razón concreta para seguir circulando décadas después: la obra no se agota en la anécdota del animal muerto en un tanque. Plantea algo que resulta difícil de sacudir una vez que se entiende: los seres humanos saben intelectualmente que van a morir, pero son incapaces de imaginarlo desde adentro. El tiburón —ni vivo ni del todo muerto, suspendido en un estado que no es ninguno de los dos— es esa trampa mental hecha objeto.
La historia detrás
La idea existía desde 1989, cuando Hirst era estudiante en Goldsmiths College en Londres. En 1991, el coleccionista Charles Saatchi le ofreció financiar cualquier obra que quisiera crear, sin restricciones de presupuesto. Hirst supo exactamente qué pedir: un tiburón, y que fuera, en sus propias palabras, lo suficientemente grande para comerte.
Encargó el animal a un pescador de Hervey Bay, Queensland, Australia. El tiburón costó £6.000; la producción total llegó a £50.000. La obra se presentó en 1992 en la exposición Young British Artists en la Saatchi Gallery y se convirtió de inmediato en el emblema de un movimiento: los Young British Artists (YBA), una generación que usó el arte conceptual para hablar de muerte, consumo y el cuerpo con una brutalidad que el mundo del arte británico no había visto en décadas.
Lo que vino después fue un problema técnico que se convirtió en parte de la historia de la obra. La preservación inicial fue deficiente: el líquido se volvió turbio y la piel del tiburón comenzó a arrugarse. En 1993, la Saatchi Gallery vació el animal y estiró su piel sobre un molde de fibra de vidrio. Hirst lo describió como una pérdida total: ya no daba miedo, se notaba que era falso, había perdido el peso físico que lo hacía funcionar.
En 2004, Saatchi vendió la obra a Cohen. Antes de la entrega, Hirst capturó un segundo tiburón —una hembra de unos 25 años, también de Queensland— y la preservó correctamente con más de 200 inyecciones de formaldehído, con ayuda del biólogo marino Oliver Crimmen del Natural History Museum de Londres. El coste de esa operación superó los 100.000 dólares, sufragados por Cohen. Entre 2007 y 2010, Cohen prestó la obra al Metropolitan Museum of Art de Nueva York. En 2012 apareció en la retrospectiva de Hirst en Tate Modern, que atrajo más de 463.000 visitantes. Desde entonces permanece en la colección privada.
Qué estás viendo
- La vitrina no es un solo tanque: está dividida en tres cubos separados. El tiburón parece atravesar paredes invisibles, lo que acentúa la sensación de movimiento detenido a la mitad.
- El tiburón no toca nada: está sostenido por monofilamento casi invisible. Flota sin apoyarse en el fondo ni en las paredes, lo que produce la ilusión de que sigue nadando.
- La boca está entreabierta, no abierta: Hirst buscó el punto exacto entre amenaza latente y quietud. No es el gesto de un ataque; es algo más perturbador, una amenaza que no termina de activarse.
- El líquido cambia de color: el formaldehído tiñe el agua de un amarillo verdoso tenue que varía según la luz de la sala. El ambiente dentro del tanque parece vivo aunque el animal esté muerto.
- El tiburón que se ve hoy no es el de 1991: es el segundo ejemplar, instalado en 2006. La vitrina de acero y vidrio sí es la original.
Qué significa cada elemento
El académico Luke White, en un análisis publicado por la Tate Gallery, señala que la obra activa el concepto filosófico del sublime natural: la emoción que siente el ser humano ante una naturaleza aterradora e incontrolable. El tiburón tigre no es un símbolo arbitrario; es el depredador que el imaginario popular ha codificado como encarnación del miedo a ser devorado, es decir, a dejar de existir.
El formaldehído funciona como paradoja de la preservación: intenta mantener la apariencia de vida en un cuerpo destinado a descomponerse, pero lo que produce es una copia inmóvil, no la vida misma. Según el propio Hirst, el vidrio de la vitrina cumple una doble función: es portal y barrera al mismo tiempo. Permite ver la muerte de cerca sin poder tocarla ni alejarse de ella, replicando la relación del ser humano con su propia mortalidad.
El título no es poesía improvisada. Hirst explicó que lo tomó de su trabajo universitario sobre hiperrealidad, con referencias a Umberto Eco y Robert Longo. Es una proposición filosófica precisa: el ser humano puede saber que va a morir, pero no puede concebir su propia muerte mientras está vivo. El tiburón suspendido en ese estado intermedio —ni vivo ni del todo muerto— es la ilustración literal de esa imposibilidad.
Lo que se repite y no es cierto
Mito 1: el precio de venta fue de 12 millones de dólares. La venta a Steven A. Cohen en 2004 fue por una cantidad que ninguna de las partes confirmó públicamente. La cifra de 8 millones fue reportada por la Saatchi Gallery; la de 12 millones fue popularizada por el libro de Don Thompson The $12 Million Stuffed Shark. Ninguna ha sido confirmada oficialmente. Citar cualquiera de las dos como dato cerrado es un error.
Mito 2: el tiburón que se ve es el original de 1991. No lo es. El original se deterioró, fue vaciado en 1993 y su piel estirada sobre fibra de vidrio. En 2006 fue reemplazado por un segundo ejemplar. La vitrina sí es la original. Esto está documentado en el sitio oficial de Damien Hirst y confirmado por DailyArt Magazine y Artnet News.
Mito 3: Saatchi le pidió a Hirst que creara la obra más impactante posible. Lo que Saatchi ofreció fue financiar cualquier obra que Hirst quisiera hacer, sin instrucciones de impacto. La idea del tiburón existía en la mente de Hirst desde 1989, antes del encargo. Así lo documenta el sitio oficial del artista y artchive.com.
Dónde verla
La obra pertenece a la colección privada de Steven A. Cohen en Connecticut, Estados Unidos. No tiene sede pública permanente desde que concluyó el préstamo al Metropolitan Museum of Art en 2010. Ha aparecido en préstamos institucionales puntuales —el más reciente documentado fue la retrospectiva de Tate Modern en 2012— pero no existe información pública confirmada sobre su disponibilidad actual o préstamos futuros. Antes de planear cualquier visita relacionada con esta obra, conviene verificar directamente con las instituciones.
Preguntas rápidas
¿Por qué Hirst usó un tiburón y no otro animal?
Hirst buscó un animal que encarnara el miedo primario a ser devorado. El tiburón tigre —grande, letal en el imaginario popular— era la encarnación más directa de ese miedo. Necesitaba que fuera, en sus palabras, lo suficientemente grande para comerte.
¿El tiburón está vivo o muerto?
Está muerto y preservado en formaldehído. Esa ambigüedad visual —parece flotar como si nadara— es precisamente el efecto que Hirst buscó y el núcleo conceptual de la obra.
¿Cuánto costó hacer la obra?
La producción original en 1991 costó £50.000 en total, de los cuales £6.000 fue el precio del tiburón capturado en Queensland, Australia.
Ficha técnica
- Autor: Damien Hirst
- Año: 1991
- Técnica: Tiburón tigre, vidrio, acero, solución de formaldehído al 5%
- Medidas: 213 × 518 × 213 cm
- Movimiento: Young British Artists (YBA) / Arte conceptual
- Dónde está: Colección Steven A. Cohen (privada); sin sede pública permanente desde 2010
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Referencias
- Damien Hirst’s Shark on Display at New York’s Metropolitan Museum for Three Years – The Metropolitan Museum of
- Smarthistory – Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living
- Damien Hirst | Tate Modern
- The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living
- Art Bites: How Damien Hirst Got His Shark(s)
Imagen: Vía Wikipedia (La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo).
