¿En qué movimiento se incluye a Marcel Duchamp?

miércoles, 2 de octubre de 2013 4:46

|Gerardo Ayala

 

“Me fuerzo en contradecirme a mí mismo para evitar conformarme con mi propio estilo...”
- Marcel Duchamp

Hablar de Marcel Duchamp es complicado. Se ha dicho tanto de él en estudios, entrevistas y publicaciones, que es difícil tocar algo ‘nuevo’ dentro de su obra. Aunque murió hace más de medio siglo, aún se siguen haciendo conexiones intelectuales entre nuevos artistas y propuestas de vanguardia, lo cual alimenta la esperanza de seguir sacando jugo a su trabajo y hacer nuevos planteamientos acerca del mismo.

El otro punto complicado, sin duda, es cómo clasificarlo: ¿es dadaísta?, ¿minimalista, pre-conceptual, cubista, accionista, futurista?, ¿o es todo lo anterior?

Duchamp nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, Francia. Marcel era el tercero de los seis hijos de M. Eugene y Madame Duchamp. Su familia siempre tuvo gran interés en las artes. Madame Duchamp era una talentosa música amateur y su padre había sido un agente viajero con fuertes intereses en la pintura y grabados.

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Pionero y líder del movimiento artístico denominado Dada, tomó parte de los grandes cambios revolucionarios que fueron un resultado inevitable del caos de la Primera Guerra Mundial.

De los primeros artistas que buscaban desmitificar el high-art, es uno de los pioneros en trabajar deliberadamente en el exterior. Su obra evita el peso de la materia, aligera las figuras, los signos son frágiles, aéreos e inmateriales. Duchamp expone imágenes extendidas sobre la superficie y le da a su producción un toque de banalidad y antiestética que no tenía precendentes.

Considerado a sí mismo como: “alguien que respira”, “an-artist” 1, jugador de ajedrez y contrabandista de queso.

Duchamp


En Duchamp se encuentra una travesía por la fase expresionista, básicamente, en una serie de retratos familiares y de gente muy cercana a él, y es hasta 1911 cuando pueden percibirse ya algunos gérmenes de originalidad en su propuesta artística. En esa época se dedica a aligerar las figuras (que hasta entonces el expresionismo las representaba cargadas y exasperadas); se trata de un aligeramiento matérico que dota de un gesto ingrávido a sus obras, los componentes de sus piezas aparecen casi filiformes, delgados, transparentes y ligeros.

Fountain 1917, replica 1964 by Marcel Duchamp 1887-1968


A partir de este momento, el artista intenta evitar los pesos de la materia y alcanzar una dimensión mental en su obra; los significados de esos trazados frágiles son, decididamente, más importantes que los “significantes” físicamente presentes y constatables. La característica de lo invisible hace su aparición y parece destinada a crecer progresivamente hasta el riesgo de sobrepasar a lo “visible”.

Después, Duchamp ingresó a la fase obligada en ese momento del cubismo, en la cual, confirma la vocación de buscar el aligeramiento, esta vez, de naturaleza física, es decir, tiende a introducir el movimiento mediante el procedimiento técnico: la representación cinemática de un cuerpo sorprendido en poses consecutivas.

“Desnudo que desciende la escalera” es un claro ejemplo del afán de plasmar el movimiento cinemático y la perspectiva fusionada en un mismo plano. Le duró muy poco esta fase de experimentación formal al darse cuenta que el efecto era muy básico, casi retiniano 2.

Desnudo que desciende por la escalera

No es sino hasta 1913, cuando Duchamp efectúa un paso por demás aportador y adopta una actitud que no tiene precedentes con respecto a las máquinas. Las máquinas existen, están ya hechas (lo que en inglés se conoce como ready-mades), el problema es, entonces, ver si de ellas se puede hacer algún uso de orden estético, más allá del orden práctico que respetan las funciones para las cuales fueron producidas.

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El logro se traduce como un paso que hace de los objetos cotidianos, prácticos y hasta banales, verdaderas obras de arte. Objetos estéticos en el entendido que ponen en acción al sistema continuo de sentidos y pensamiento del espectador.

Los ready-mades, entre otras cosas, lograron criticar y poner en juicio la función y el status de los procedimientos de producción de las obras de arte.

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Para Duchamp existen dos tipos de ready mades: los simples, en los que se obtiene un objeto del mercado (literal) y se utiliza como objeto de arte, y los asistidos, los más interesantes, son esos objetos que tienen intervenciones, incluso pequeños gestos, que son suficientes para descontextualizarlo y convertirlo en una obra de arte. Basta recordar "L.H.O.O.Q." mejor conocida como "La Gioconda con bigotes".

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Esta idea de tomar objetos ‘ya hechos’ y recontextualizarlos, como sucede en los ready-mades, ya había sido utilizada por artistas como Picasso o Braque en sus collages, o bien, por Tatlin o Boccioni; estos fueron casos que siempre buscaron la producción de objetos autónomos, competitivos y alternativos, innovadores, sin duda, en su momento, pero con los ready-mades, Duchamp revoluciona el concepto de la obra de arte a principios de siglo, él mismo se describe como anartístico, como anestético: se compromete, casi por una apuesta, a proponer como objeto estéticamente relevante un banalismo seriado, que parecería ser lo más anónimo e irrelevante posible.

Así, “destruye todo residuo de confianza en las cualidades objetivas del valor artístico-estético y quiere, en cambio, demostrar que este es el fruto de una convención, o casi de una autodeclaración; basta quererlo, emanar una intención y todo puede convertirse en “obra de arte”, lo que refuerza la dimensión noética que él sugería en el arte”. 3

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Lo que cuenta es el coeficiente mental que  se antepone a cualquier experiencia que puede seguir su normal discurso practicoutiliario, pero, también, puede ser desviada, desplazada por otros carriles y, entonces, aun sin que nada cambie en su aspecto físico, entra en la esfera del valor estético.

Duchamp decide abandonar el placer de la producción manual (matérica) y busca  una evolución hacia el placer de No pintar o el No hacer. Se propone una economización de la energía de la producción de la obra de arte para aprovecharla al máximo como energía intelectual. Se despoja de lo innecesario, de lo decorativo; potencializa lo visceral para, de esta forma, dejar la esencia pura del arte.

En la práctica, adhiriéndose a las técnicas de lo cómico y sus derivados, Duchamp se divierte atribuyendo a las máquinas valores orgánicos, hace en algunas de ellas alusiones sexuales, lo que contribuye a rebajarlas, a hacerlas, por ejemplo, sinónimos de actos de masturbación.

Lo “bajo”, lo vulgar de la vida de los instintos, corrompe el carácter inmaculado de los engranajes; o al contrario. Así, las máquinas son cuestionadas dos veces: en primer lugar, rebajándolas al nivel de la vida sexual y, después, impidiéndoles funcionar según esta lógica, de tal manera que se reafirma su inutilidad y gratuidad.

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“Constituyen un jugoso banco de aplicación de lo cómico en el sentido de los apuntes ingeniosos, ya tan bien estudiados por Freud”. 4

Todas esas exploraciones técnicas, mentales y estéticas confluyen en la obra más comprometedora de Duchamp, terminada en 1923. El título oficial es "La esposa puesta al desnudo por sus solteros", en la que se confirma el tema de lo libidinal. La “máquina” es agredida por los valores bajos del sexo que cuestionan su seriedad.

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Quizá, la obra es más conocida bajo el título "El gran vidrio", pues el soporte sobre el cual están trazados los distintos eventos es de este material. El autor hace notar la importancia de esta elección, dirigida a cancelar casi toda indicación espacial, a evitar el pronunciamiento sobre las tres dimensiones del espacio.

La ampliación se alcanza sugiriendo más a nivel mental (de significados) y quitando referencias visuales, estableciendo las imágenes casi en el vacío. Un accidente provocó el resquebrajamiento del vidrio pero el autor no se lamentó, sino, más bien, percibió en ello casi una preciosa colaboración de la casualidad.

Duchamp es el primer artista que trata ‘seriamente’ la desmitificación del arte Occidental tal cual se conocía. La obra de arte se degrada a mercancía, a producto de consumo popular y, por lo mismo, se dan como objetos banales, anaestéticos, al igual que un mingitorio o una rueda de bicicleta. Sí, se habla del principio de descontextualización del pop art.

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Además, el objeto artístico se convierte en un detonador de la experiencia estética en el espectador, quien termina la obra. En palabras de Duchamp: “el observador termina la obra. Pero yo determino la posición en la que lo debe de observar”. Se convierte, entonces, en precursor del arte conceptual.

El arte se convierte en una experiencia interactiva en un tiempo / espacio determinado. Duchamp es el padre del performance, del happening y la instalación.

La temática del arte se abre a casi cualquier cosa, antes se pintaban cosas que se conocían, a partir de él se pinta lo que no existe, ideas que no van a funcionar. Se habla del absurdo y del inconsciente. En palabras de Freud, “el absurdo saca los pensamientos encontrados en los sueños”. Marcel es el padre del espíritu Dadaista.

Finalmente, con su obra cumbre, “El gran vidrio”, por primera vez se pone especial énfasis en la superficie; se trata de un espacio plano intensificado de manera muy distinta al manejo que las superficies tenían en las artes de ese tiempo.

Así, Duchamp, en la segunda década del siglo XX, enuncia ya una actitud en la que la superficie pasa a primer plano; se trata ahora de la negación de la profundidad, de la intensidad de la superficie, una cuestión de significado, concepto fundamental en el expresionismo abstracto y del suprematismo.

Es evidente que sin Duchamp no se podría entender la obra de Andy Warhol, Joseph Beuys, Kasemir Malevich, Joseph Kosuth, Donal Judd, Mark Rothko, Sol LeWitt, Klein o Piero Manzoni.

Entonces, ¿en qué movimiento se incluye a Marcel Duchamp?

***

1 Que es un juego ambigüo de palabras, en inglés puede significar dos cosas: un artista o un no-artista

2 Duchamp estaba en contra del arte del retinal shutter, en el que el deleite estético depende, casi exclusivamente, a la sensibilidad de la retina y no de una representación auxiliar.

3 Renato Barilli. El arte contemporáneo: de Cézanne a las últimas vanguardias, Norma, Bogotá, 1998, p. 134.

4 loc. cit.

5 El atributo masculino entra en la estrategia hermenéutica de eliminar los sexos y, por ello, de cancelar el sex-appeal de la Gioconda, de volver esta máquina Leordiana más célibe de lo que era en las intenciones del autor.

TAGS: Arte pop
REFERENCIAS:
Gerardo Ayala

Gerardo Ayala


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