En los siglos XVI y XVII, época de los grandes descubrimientos producto de las expediciones a diversas partes del mundo, comenzaron a proliferar en Europa los llamados “gabinetes de curiosidades”. En estos espacios se exhibían artículos y tesoros calificados como extraños o curiosos que representaban los reinos animal, vegetal y mineral. Además, estos lugares también daban a conocer inventos o creaciones humanas. Tal es el caso de la colección del archiduque Leopoldo Guillermo, quien ostentaba una nutrida colección de obras que ponía al alcance de los espectadores para su conocimiento.
Cuando el hombre tomó la decisión de reunir estos objetos en un mismo espacio, catalogarlos, resguardarlos y darlos a conocer al público, estaba llevando a cabo uno de los hechos históricos más importantes en el arte: la creación de los museos. Aparte de éste, existen otros acontecimientos de alta relevancia que han marcado tendencias y momentos clave en el arte.
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El día del descubrimiento de la cueva de Altamira
A este sitio, ubicado al norte de España, le corresponde el honor de poseer las primeras manifestaciones artísticas del hombre. Henri Moore la llamó “La Real Academia del Arte Rupestre”. A lo largo de más de 270 metros, los muros de esta cueva están decorados con figuras de animales, manos y símbolos de estupenda técnica pictórica en una muestra de que el arte es una manifestación y una necesidad natural del ser humano. Han sido gran fuente de inspiración para artistas de la talla de Joan Miró. Se calcula que esta cueva estuvo habitada hace aproximadamente 13 mil o 35 mil años antes de la época actual.
Cuando Leonardo Da Vinci pintó “La Mona Lisa”
Leonardo es uno de los hombres más extraordinarios que el mundo haya visto en su larga historia. Considerado ejemplo del homo universalis por excelencia, fue un estudioso de diversas áreas de conocimiento: anatomía, hidráulica, botánica, arquitectura; sin embargo, es más recordado y reconocido por su obra artística. En especial por su pintura ícono del arte universal: “La Mona Lisa” (1503), la cual ha ejercido una intensa fascinación por parte de historiadores, críticos y público de todas las épocas debido a su historia oculta y su misteriosa sonrisa.
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El día en que Caravaggio usó la cámara oscura
Para pintar a sus modelos y conseguir el efecto deseado, el artista del barroco utilizó instrumentos ópticos revolucionarios. 200 años antes de que la cámara fotográfica se inventara, Caravaggio se encerraba en una habitación oscura junto con sus modelos, hacía un agujero en el techo para iluminarlos y con la ayuda de un espejo y una lente, proyectaba la imagen sobre su lienzo.
Roberta Lapucci, profesora del Studio Art Centers International de Florencia, afirma que esta técnica le fue revelada a Caravaggio por su amigo Giovanni Battista Della Porta, un físico. El artista lograba fijar las imágenes en el lienzo exponiéndolas durante media hora y con la ayuda de sustancias químicas sensibles a la luz, como carbonato de plomo y diversos minerales que eran visibles en la oscuridad. Así, él podía dibujar un boceto preliminar a grandes rasgos.
El día en que Joseph Nicéphore Niépce tomó la primera fotografía y Louis Daguerre perfeccionó su técnica
Ambos hombres cambiaron el destino del arte al ser los primeros en obtener imágenes fijas y permanentes. Desde la ventana de su granero en la comunidad de Saint Loup de Varennes, Francia, el ingeniero Nicéphore Niépce tomó en 1826 la primera fotografía que se conserva hasta nuestros días. “Point de vue du Gras”, es el título que recibe la imagen que en la actualidad se conserva en la colección Gernsheim, de la Universidad de Texas, en Austin. En 1839, Louis Daguerre anuncia y difunde su “daguerrotipo”, un método para captar imágenes por medio de una cámara oscura sobre una plancha metálica. Este dispositivo sólo permitía obtener una copia original sin opción a realizar duplicados.
El año en que Duchamp presentó “La fuente”
En 1917, Marcel Duchamp presentó su obra “La fuente” ante la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. Se trataba de un simple inodoro que llevaba la firma de R. Mutt, y comenzó toda una revolución artística conocida como vanguardismo. Esta pieza fue denominada como “ready made” u objeto encontrado. Duchamp creía que todo objeto cotidiano podía volverse una obra de arte si se sacaba de su contexto original y lo trasladaba a un museo o galería, con lo cual adquiría una reinterpretación de su significado.
La pieza fue rechazada al momento en que Duchamp la entregó para su exhibición. El único registro que existe de esta obra es la fotografía tomada por Alfred Stieglitz. “La fuente” es considerada como el inicio de un nuevo arte en el siglo XX.
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El día en que William Turner comenzó su obra paisajística
El aliento se corta cuando la mirada descubre los paisajes de William Turner, pintor británico que enfocó su atención en la belleza de la naturaleza para dejar de centrar el arte en los seres humanos, los cuales forman una pieza más dentro de la sublime inmensidad de sus pinturas. Los intensos colores, el salvajismo de los elementos naturales y la invitación a perderse en la libertad que el mundo otorga son las principales características de una obra que rompió esquemas y abrió los límites del quehacer pictórico.
El día en que Picasso pintó “Las señoritas de Avignon” y dio paso a las vanguardias
Con esta obra, Picasso daba paso al movimiento cubista, una de las llamadas vanguardias, en el que las leyes de la perspectiva se veían alteradas y las figuras se presentaban bajo formas geométricas planas y de apariencia dispersa. Era su carta de presentación a lo que el arte debía convertirse en el siglo XX: expresiones innovadoras que rompieran con los moldes clásicos. El cubismo bebe del arte primitivo africano como se aprecia en el rostro de una de las señoritas, que parece portar una máscara.
En su momento, esta obra no gozó de la aceptación general ni de artistas ni críticos, sin embargo, el tiempo le ha dado el lugar que merece como una de las obras que iniciaron la transformación del arte hacia nuevos caminos. Actualmente forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, en donde tiene un sitio privilegiado entre los asistentes a dicho lugar.
El renacimiento de San Francisco
Este periodo se caracterizó por una fuerte explosión de actividad poética y contracultural en la ciudad de San Francisco, California, en los años 50. Escritores y artistas visuales se vieron fuertemente influenciados por las filosofías orientales y modelos de vida basados en nuevas sensibilidades sociales. También se experimentó un notable renacimiento de la poesía vanguardista americana. Uno de los mejores ejemplos es el de Kenneth Rexroth (también considerado el padre del renacimiento de San Francisco): su actividad poética profundizó en el arte japonés del haiku y tuvo fuertes influencia del jazz.
Diversas lecturas de poesía en cafés y galerías, en las que participaban jóvenes creadores, caracterizaron este movimiento en el que se enmarca el nacimiento de la Generación Beat. En la novela de Jack Kerouac, “Los vagabundos del Dharma” se describe una de las lecturas más célebres de aquel periodo: la llevada a cabo en la Six Gallery, el 7 de Octubre de 1955, organizada por Kenneth Rexroth. Kerouac describe el momento en que el poeta Allen Ginsberg realiza la lectura de su célebre obra “Aullido”.
El día en que Andy Warhol transformó lo popular en arte
La aportación de Warhol fue determinante para la historia del arte: abrió las puertas de lo popular y lo comercial para que fuera visto como manifestación creativa. Sus famosas pinturas de sopas Campbell o los retratos de famosos como Marilyn Monroe y Elvis Presley fueron la declaración absoluta sobre la cultura del consumismo que embargaba a los Estados Unidos en la década de los 60 y 70, así como la fascinación de una nación entera por estrellas a las que consideraba nuevos dioses.
La superficialidad y lo material fueron retratados en su obra pictórica y cinematográfica como algo que podía lograr tener una relevancia. En los inicios de su carrera fue criticado y ridiculizado; hoy se le considera genio artístico y una de las figuras más relevantes del siglo pasado. ¿Qué decía Warhol sobre su condición de artista? “Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener”.
Todos los días se escribe una página más en la historia del arte que viene a ofrecernos nuevas perspectivas acerca del conocimiento y la creación de nuestra especie.
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Fuentes:
Museo de Altamira
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